Lev Nikolaevich Oborin |

Lev Oborin

Lev Nikolaevich Oborin là nghệ sĩ Liên Xô đầu tiên giành được chiến thắng đầu tiên trong lịch sử nghệ thuật biểu diễn âm nhạc của Liên Xô tại một cuộc thi quốc tế (Warsaw, 1927, Cuộc thi Chopin). Ngày nay, khi hàng ngũ những người chiến thắng của các giải đấu âm nhạc nối tiếp nhau, khi những cái tên và gương mặt mới liên tục xuất hiện trong đó, những người “không có số”, thật khó để đánh giá hết những gì Oborin đã làm 85 năm trước. Đó là một chiến thắng, một cảm giác, một kỳ tích. Những người khám phá luôn được tôn vinh bao quanh - trong khám phá không gian, khoa học, trong các vấn đề công cộng; Oborin đã mở ra con đường mà J. Flier, E. Gilels, J. Zak và nhiều người khác đã đi theo một cách rực rỡ. Giành giải nhất trong một cuộc thi sáng tạo nghiêm túc luôn khó; vào năm 1927, trong bầu không khí ác ý đang thịnh hành ở Ba Lan tư sản trong mối quan hệ với các nghệ sĩ Xô Viết, Oborin đã gặp khó khăn gấp đôi, gấp ba lần. Anh ấy không nợ chiến thắng của mình cho một sự may mắn hay điều gì khác - anh ấy chỉ nợ nó cho chính bản thân anh ấy, cho tài năng tuyệt vời và cực kỳ quyến rũ của anh ấy.

• Nhạc piano trong cửa hàng trực tuyến Ozon →

Oborin sinh ra ở Mátxcơva, trong gia đình kỹ sư đường sắt. Mẹ của cậu bé, Nina Viktorovna, thích dành thời gian chơi piano, và cha của cậu, Nikolai Nikolaevich, là một người yêu âm nhạc tuyệt vời. Thỉnh thoảng, các buổi hòa nhạc ngẫu hứng được tổ chức tại Oborins: một trong những khách mời hát hoặc chơi, Nikolai Nikolayevich trong những trường hợp như vậy sẵn sàng đóng vai trò là người đệm đàn.

Người thầy đầu tiên của nghệ sĩ dương cầm tương lai là Elena Fabianovna Gnesina, người nổi tiếng trong giới âm nhạc. Sau đó, tại nhạc viện, Oborin theo học với Konstantin Nikolaevich Igumnov. “Đó là một bản chất sâu sắc, phức tạp, đặc biệt. Theo một số cách, nó là duy nhất. Tôi nghĩ rằng những nỗ lực để mô tả tính cá nhân nghệ thuật của Igumnov với sự trợ giúp của một hoặc hai thuật ngữ hoặc định nghĩa - có thể là “nhà viết lời” hoặc một cái gì đó cùng loại - thường thất bại. (Và những người trẻ tuổi của Nhạc viện, những người chỉ biết Igumnov từ các bản ghi âm đơn lẻ và từ các lời khai cá nhân, đôi khi có khuynh hướng định nghĩa như vậy.)

Nói thật, - tiếp tục câu chuyện về người thầy của mình là Oborin, - Igumnov không phải lúc nào cũng đồng đều, với tư cách là một nghệ sĩ dương cầm. Có lẽ tốt nhất là anh ấy đã chơi ở nhà, trong vòng tay của những người thân yêu. Ở đây, trong một môi trường quen thuộc, thoải mái, anh cảm thấy thoải mái và dễ chịu. Anh ấy chơi nhạc vào những thời điểm như vậy với cảm hứng và sự nhiệt tình thực sự. Ngoài ra, ở nhà, trên cây đàn của anh ấy, mọi thứ luôn “xuất hiện” cho anh ấy. Trong nhạc viện, trong lớp học, nơi mà thỉnh thoảng có rất đông người tụ tập (sinh viên, khách mời…), anh “thở” với cây đàn piano không còn được tự do như vậy nữa. Anh ấy đã chơi ở đây khá nhiều, mặc dù, thành thật mà nói, anh ấy không phải lúc nào và không phải lúc nào cũng thành công trong mọi việc tốt như nhau. Igumnov từng thể hiện tác phẩm được nghiên cứu với sinh viên không phải từ đầu đến cuối, mà là từng phần, từng đoạn (những công trình hiện đang được thực hiện). Đối với những bài phát biểu của ông trước công chúng, không bao giờ có thể đoán trước được dự định của buổi biểu diễn này.

Có những quãng nhạc tuyệt vời, khó quên, được tinh thần hóa từ nốt đầu tiên đến nốt cuối cùng, được đánh dấu bằng sự thâm nhập tinh tế nhất vào linh hồn của âm nhạc. Và cùng với họ là những màn trình diễn không đồng đều. Mọi thứ phụ thuộc vào từng phút, vào tâm trạng, vào việc Konstantin Nikolayevich có kiềm chế được thần kinh, vượt qua cơn hưng phấn hay không.

Liên hệ với Igumnov có ý nghĩa rất lớn trong cuộc đời sáng tạo của Oborin. Nhưng không chỉ họ. Người nhạc sĩ trẻ nói chung, như người ta nói, “may mắn” với các giáo viên. Trong số những người cố vấn trong nhạc viện của anh có Nikolai Yakovlevich Myaskovsky, người mà từ đó chàng trai trẻ đã theo học các bài học về sáng tác. Oborin không cần phải trở thành một nhà soạn nhạc chuyên nghiệp; cuộc sống sau này chỉ đơn giản là không để lại cho anh ta một cơ hội như vậy. Tuy nhiên, những nghiên cứu sáng tạo tại thời điểm theo học đã mang lại cho nghệ sĩ piano nổi tiếng rất nhiều - ông đã nhấn mạnh điều này hơn một lần. “Cuộc sống đã diễn ra theo cách như vậy,” anh nói, cuối cùng tôi đã tình cờ trở thành một nghệ sĩ và giáo viên, chứ không phải một nhà soạn nhạc. Tuy nhiên, bây giờ sống lại những năm tháng tuổi trẻ trong trí nhớ của mình, tôi thường tự hỏi những nỗ lực sáng tác lúc đó có ích lợi và hữu ích như thế nào đối với tôi. Vấn đề không chỉ là bằng cách “thử nghiệm” bàn phím, tôi đã hiểu sâu hơn về các đặc tính biểu cảm của đàn piano, mà bằng cách tự mình tạo ra và thực hành các kết hợp kết cấu khác nhau, nói chung, tôi đã tiến bộ như một nghệ sĩ piano. Nhân tiện, tôi phải học rất nhiều - không phải để học các vở kịch của tôi, chẳng hạn như Rachmaninov, đã không dạy họ, tôi không thể…

Và điều chính là khác nhau. Khi gạt các bản thảo của riêng mình sang một bên, tôi tiếp nhận âm nhạc của người khác, tác phẩm của các tác giả khác, hình thức và cấu trúc của những tác phẩm này, cấu trúc bên trong của chúng và tổ chức của chất liệu âm thanh bằng cách nào đó trở nên rõ ràng hơn đối với tôi. Tôi nhận thấy rằng sau đó tôi bắt đầu đi sâu vào ý nghĩa của các chuyển đổi ngữ điệu-hài hòa phức tạp, logic của sự phát triển các ý tưởng giai điệu, v.v. một cách có ý thức hơn nhiều. tạo ra âm nhạc đã mang lại cho tôi, người biểu diễn, những dịch vụ vô giá.

Tôi thường nghĩ đến một sự việc kỳ lạ trong cuộc đời mình, ”Oborin kết thúc cuộc trò chuyện về lợi ích của việc sáng tác đối với những người biểu diễn. “Bằng cách nào đó vào đầu những năm ba mươi, tôi được mời đến thăm Alexei Maksimovich Gorky. Phải nói rằng Gorky rất thích âm nhạc và cảm nhận nó một cách tinh tế. Đương nhiên, theo yêu cầu của chủ nhân, tôi phải ngồi xuống bên cây đàn. Sau đó tôi đã chơi rất nhiều và có vẻ như là rất nhiệt tình. Aleksey Maksimovich chăm chú lắng nghe, tựa cằm vào lòng bàn tay và không rời mắt khỏi tôi. Thật bất ngờ, anh ấy hỏi: "Nói cho tôi biết, Lev Nikolaevich, tại sao bạn không tự sáng tác nhạc?" Không, tôi trả lời, tôi đã từng thích nó, nhưng bây giờ tôi không còn thời gian - đi du lịch, hòa nhạc, sinh viên… “Thật đáng tiếc, thật đáng tiếc,” Gorky nói, “nếu năng khiếu của một nhà soạn nhạc đã có sẵn trong bạn tự nhiên, nó phải được bảo vệ - đó là một giá trị rất lớn. Vâng, và trong phần trình diễn, có lẽ, nó sẽ giúp ích cho bạn rất nhiều… ”Tôi nhớ rằng tôi, một nhạc sĩ trẻ, đã bị ấn tượng sâu sắc bởi những lời này. Đừng nói bất cứ điều gì - một cách khôn ngoan! Anh ấy, một người rất xa với âm nhạc, đã nắm bắt rất nhanh và chính xác bản chất của vấn đề - người biểu diễn-nhà soạn nhạc'.

Cuộc gặp gỡ với Gorky chỉ là một trong số rất nhiều cuộc gặp gỡ và làm quen thú vị đã đến với Oborin trong XNUMXs và XNUMXs. Vào thời điểm đó, ông có liên hệ mật thiết với Shostakovich, Prokofiev, Shebalin, Khachaturian, Sofronitsky, Kozlovsky. Anh ấy đã gần gũi với thế giới của nhà hát - với Meyerhold, với “MKhAT”, và đặc biệt là với Moskvin; với một số người có tên ở trên, anh ấy có một tình bạn bền chặt. Sau đó, khi Oborin trở thành một bậc thầy nổi tiếng, những lời chỉ trích sẽ viết với sự ngưỡng mộ về văn hóa nội bộ, luôn luôn cố hữu trong trò chơi của anh ấy, rằng ở anh ấy bạn có thể cảm nhận được sức hấp dẫn của trí thông minh trong cuộc sống và trên sân khấu. Oborin đã mang ơn điều này cho tuổi trẻ hạnh phúc của mình: gia đình, thầy cô, bạn bè đồng nghiệp; trong một lần trò chuyện, anh ấy nói rằng anh ấy đã có một “môi trường dinh dưỡng” tuyệt vời trong những năm còn trẻ.

Năm 1926, Oborin tốt nghiệp xuất sắc Nhạc viện Moscow. Tên của ông đã được khắc bằng vàng trên Bảng Danh dự bằng đá cẩm thạch nổi tiếng trang trí tiền sảnh của Hội trường Nhỏ của Nhạc viện. Điều này xảy ra vào mùa xuân, và vào tháng XNUMX cùng năm, một bản cáo bạch cho Cuộc thi Piano Chopin Quốc tế lần thứ nhất tại Warsaw đã được nhận tại Moscow. Các nhạc sĩ từ Liên Xô đã được mời. Vấn đề là hầu như không còn thời gian để chuẩn bị cho cuộc thi. “Ba tuần trước khi cuộc thi bắt đầu, Igumnov đã cho tôi xem chương trình thi đấu,” Oborin sau đó nhớ lại. “Tiết mục của tôi bao gồm khoảng một phần ba chương trình thi bắt buộc. Việc huấn luyện trong những điều kiện như vậy dường như là vô nghĩa ”. Tuy nhiên, ông bắt đầu chuẩn bị: Igumnov nhấn mạnh và một trong những nhạc sĩ có thẩm quyền nhất vào thời điểm đó, BL Yavorsky, người mà Oborin coi ý kiến ​​ở mức độ cao nhất. “Nếu bạn thực sự muốn, thì bạn có thể nói,” Yavorsky nói với Oborin. Và anh đã tin.

Ở Warsaw, Oborin đã thể hiện mình cực kỳ xuất sắc. Anh đã được nhất trí trao giải nhất. Báo chí nước ngoài, không giấu sự ngạc nhiên (đã nói ở trên: đó là năm 1927), đã nhiệt liệt nói về buổi biểu diễn của nhạc sĩ Xô Viết. Nhà soạn nhạc nổi tiếng người Ba Lan Karol Szymanowski, khi đưa ra đánh giá về màn trình diễn của Oborin, đã thốt lên những lời mà báo chí của nhiều quốc gia trên thế giới một thời bỏ qua: “Một hiện tượng! Không phải là tội lỗi khi tôn thờ Người, vì Người đã tạo ra cái Đẹp.

Trở về từ Warsaw, Oborin bắt đầu một hoạt động hòa nhạc tích cực. Nó đang trên đà phát triển: địa lý của các chuyến lưu diễn của anh ngày càng mở rộng, số lượng buổi biểu diễn ngày càng nhiều (việc sáng tác phải bỏ - không còn đủ thời gian và sức lực). Tác phẩm hòa nhạc của Oborin đặc biệt phát triển rộng rãi trong những năm sau chiến tranh: ngoài Liên Xô, anh còn biểu diễn ở Mỹ, Pháp, Bỉ, Anh, Nhật Bản và nhiều nước khác. Chỉ có bệnh tật mới làm gián đoạn dòng du lịch không ngừng và nhanh chóng này.

… Những ai còn nhớ nghệ sĩ piano ở thời điểm ba mươi đều nhất trí nói về sức hấp dẫn hiếm có trong cách chơi đàn của ông - không nghệ thuật, tràn đầy sự tươi trẻ và cảm xúc tức thì. IS Kozlovsky, nói về Oborin trẻ tuổi, viết rằng anh ta gây ấn tượng với "chất trữ tình, sự quyến rũ, sự ấm áp của con người, một số loại rạng rỡ." Từ “rạng rỡ” thu hút sự chú ý ở đây: biểu cảm, đẹp như tranh vẽ và nghĩa bóng, nó giúp hiểu rất nhiều về diện mạo của một nhạc sĩ.

Và một điều nữa được hối lộ trong đó - sự đơn giản. Có lẽ trường phái Igumnov đã ảnh hưởng, có lẽ là những nét đặc trưng trong bản chất của Oborin, tạo nên tính cách của anh ta (rất có thể là cả hai), - chỉ có ở anh ta, với tư cách là một nghệ sĩ, sự trong sáng, nhẹ nhàng, chính trực, hài hòa nội tâm đáng kinh ngạc. Điều này đã tạo ra một ấn tượng gần như không thể cưỡng lại đối với công chúng nói chung, và đối với các đồng nghiệp của nghệ sĩ dương cầm. Ở Oborin, nghệ sĩ dương cầm, họ cảm nhận được điều gì đó quay trở lại với những truyền thống xa xôi và huy hoàng của nghệ thuật Nga - họ thực sự xác định rất nhiều trong phong cách biểu diễn hòa nhạc của anh ấy.

Một vị trí lớn trong các chương trình của nó đã bị chiếm đóng bởi các tác phẩm của các tác giả Nga. Anh đã chơi tuyệt vời The Four Seasons, Dumka và Bản hòa tấu piano đầu tiên của Tchaikovsky. Người ta thường có thể nghe thấy Hình ảnh của Mussorgsky tại một cuộc Triển lãm, cũng như các tác phẩm của Rachmaninov - Bản hòa tấu piano thứ hai và thứ ba, khúc dạo đầu, hình ảnh etudes, Khoảnh khắc âm nhạc. Không thể không nhớ lại, xúc động về phần này của tiết mục của Oborin, và màn trình diễn đầy mê hoặc của anh ấy trong "Little Suite" của Borodin, Lyadov's Variations on a Theme by Glinka, Concerto cho Piano và Dàn nhạc, Op. 70 A. Rubinstein. Ông là một nghệ sĩ của một người Nga thực sự - trong tính cách, ngoại hình, thái độ, thị hiếu nghệ thuật và tình cảm của ông. Đơn giản là không thể không cảm nhận được tất cả những điều này trong nghệ thuật của anh ấy.

Và phải kể tên thêm một tác giả khi nói về tiết mục của Oborin - Chopin. Anh ấy chơi nhạc của mình từ những bước đầu tiên trên sân khấu cho đến cuối những ngày của mình; Ông đã từng viết trong một trong những bài báo của mình: "Cảm giác vui sướng khi nghệ sĩ piano có Chopin không bao giờ rời bỏ tôi." Rất khó để nhớ tất cả mọi thứ mà Oborin đã chơi trong các chương trình Chopin của mình - etude, prelude, waltz, nocturnes, mazurkas, sonatas, concertos và nhiều hơn nữa. Thật khó để liệt kê việc này anh ấy đã chơi, thậm chí còn khó hơn để trình diễn hôm nay, as anh ấy đã làm được. J. Flier ngưỡng mộ: “Chopin của anh ấy - trong như pha lê và tươi sáng - không phân biệt được bất kỳ khán giả nào,” J. Flier ngưỡng mộ. Tất nhiên, không phải ngẫu nhiên mà Oborin đã trải qua chiến thắng sáng tạo đầu tiên và vĩ đại nhất trong đời tại một cuộc thi dành riêng để tưởng nhớ nhà soạn nhạc vĩ đại người Ba Lan.

… Năm 1953, buổi biểu diễn đầu tiên của cặp song ca Oborin - Oistrakh diễn ra. Vài năm sau, một bộ ba ra đời: Oborin - Oistrakh - Knushevitsky. Kể từ đó, Oborin đã được thế giới âm nhạc biết đến không chỉ với tư cách là nghệ sĩ độc tấu mà còn là người chơi hòa tấu hạng nhất. Từ khi còn trẻ, ông đã yêu thích âm nhạc thính phòng (thậm chí trước khi gặp các đối tác tương lai, ông đã chơi song ca với D. Tsyganov, biểu diễn cùng với Beethoven Quartet). Thật vậy, một số đặc điểm trong bản chất nghệ thuật của Oborin - biểu diễn linh hoạt, nhạy bén, khả năng thiết lập mối liên hệ sáng tạo nhanh chóng, sự linh hoạt trong phong cách - đã khiến anh trở thành thành viên không thể thiếu của các bản song ca và tam ca. Theo tài khoản của Oborin, Oistrakh và Knushevitsky, có một lượng lớn âm nhạc được họ chơi lại - các tác phẩm của các tác giả kinh điển, lãng mạn, hiện đại. Nếu nói về những thành tựu đỉnh cao của họ, thì không thể không nhắc đến bản sonata dành cho cello Rachmaninoff do Oborin và Knushevitsky phiên dịch, cũng như tất cả mười bản sonata của Beethoven dành cho violin và piano, được Oborin và Oistrakh trình diễn cùng một lúc. Đặc biệt, những bản sonata này đã được trình diễn vào năm 1962 tại Paris, nơi các nghệ sĩ Liên Xô được một công ty thu âm nổi tiếng của Pháp mời. Trong vòng một tháng rưỡi, họ đã ghi lại màn trình diễn của mình vào hồ sơ, và - trong một loạt các buổi hòa nhạc - đã giới thiệu anh với công chúng Pháp. Đó là khoảng thời gian khó khăn cho bộ đôi lừng lẫy. “Chúng tôi thực sự đã làm việc chăm chỉ và chăm chỉ,” DF Oistrakh sau đó nói, “chúng tôi không đi đâu cả, chúng tôi hạn chế đi dạo quanh thành phố đầy cám dỗ, từ chối rất nhiều lời mời hiếu khách. Quay trở lại với âm nhạc của Beethoven, tôi muốn suy nghĩ lại kế hoạch chung của các bản sonata một lần nữa (điều này quan trọng!) Và hồi tưởng lại từng chi tiết. Nhưng không chắc rằng khán giả đã đến xem buổi hòa nhạc của chúng tôi, có được niềm vui hơn chúng tôi. Chúng tôi rất thích mỗi buổi tối khi chúng tôi chơi các bản sonata từ sân khấu, chúng tôi hạnh phúc vô hạn, nghe nhạc trong sự yên tĩnh của phòng thu, nơi mọi điều kiện đã được tạo ra cho việc này. ”

Cùng với mọi thứ khác, Oborin cũng dạy. Từ năm 1931 cho đến những ngày cuối đời, ông đứng đầu một lớp học đông đúc tại Nhạc viện Moscow - ông đã nuôi dạy hơn một chục sinh viên, trong đó có nhiều nghệ sĩ piano nổi tiếng. Theo quy luật, Oborin tích cực đi lưu diễn: đi đến nhiều thành phố khác nhau của đất nước, ở nước ngoài một thời gian dài. Điều đó xảy ra khi những cuộc gặp gỡ của ông với sinh viên không quá thường xuyên, không phải lúc nào cũng có hệ thống và thường xuyên. Điều này, tất nhiên không thể không để lại dấu ấn nhất định cho các tiết học trong lớp của anh. Ở đây người ta không phải trông chờ vào sự chăm sóc sư phạm chu đáo hàng ngày; nhiều thứ, các "Oborints" phải tự tìm hiểu. Rõ ràng, trong một hoàn cảnh giáo dục như vậy, cả điểm cộng và điểm yếu của họ. Đó là về một cái gì đó khác bây giờ. Các cuộc họp không thường xuyên với giáo viên, đặc biệt là được đánh giá cao vật nuôi của anh ấy - đó là điều tôi muốn nhấn mạnh. Có lẽ, họ được đánh giá cao hơn so với các lớp giáo sư khác (ngay cả khi họ không kém nổi bật và xứng đáng, nhưng “trong nước” hơn). Những bài học gặp gỡ này với Oborin là một sự kiện; chuẩn bị cho họ với sự chăm sóc đặc biệt, chờ đợi họ, nó đã xảy ra, gần giống như một kỳ nghỉ. Thật khó để nói liệu có sự khác biệt cơ bản nào đối với một học trò của Lev Nikolayevich khi biểu diễn, ví dụ, trong Hội trường nhỏ của Nhạc viện vào bất kỳ buổi tối nào của sinh viên hoặc chơi một bản nhạc mới cho giáo viên của mình, đã học khi ông vắng mặt. Cảm giác cao độ này Trách nhiệm pháp lý trước khi màn trình diễn trong lớp học là một loại chất kích thích - mạnh và rất cụ thể - trong các lớp học với Oborin. Ông đã xác định rất nhiều trong tâm lý và công việc giáo dục của phường của mình, trong mối quan hệ của mình với giáo sư.

Chắc chắn rằng một trong những tham số chính mà người ta có thể và nên đánh giá sự thành công của việc giảng dạy có liên quan đến ủy quyền giáo viên, thước đo uy tín nghề nghiệp của anh ta trong mắt học sinh, mức độ ảnh hưởng tình cảm và ý chí đối với học sinh của anh ta. Quyền lực của Oborin trong lớp là rất cao, và ảnh hưởng của anh ấy đối với các nghệ sĩ dương cầm trẻ tuổi là đặc biệt mạnh mẽ; Chỉ điều này thôi cũng đủ để nói về ông như một nhân vật sư phạm lớn. Những người giao tiếp chặt chẽ với ông nhớ lại rằng một vài từ của Lev Nikolaevich đôi khi lại có sức nặng và ý nghĩa hơn những bài diễn văn hào hoa và hoa mỹ nhất khác.

Phải nói một vài từ, nói chung là thích Oborin hơn là những đoạn độc thoại sư phạm dài dòng. Thay vì sống khép kín hơn là hòa đồng quá mức, anh luôn tỏ ra khá keo kiệt, bủn xỉn trong các phát biểu. Tất cả các kiểu lạc đề văn học, phép loại suy và phép so sánh, so sánh đầy màu sắc và phép ẩn dụ thơ - tất cả những điều này là ngoại lệ trong các bài học của anh ấy chứ không phải là quy tắc. Nói về bản thân âm nhạc - đặc trưng, ​​hình ảnh, nội dung tư tưởng và nghệ thuật - ông đã diễn đạt vô cùng súc tích, chính xác và chặt chẽ. Không bao giờ có bất cứ điều gì thừa, không bắt buộc, dẫn đầu trong các tuyên bố của ông. Có một loại tài hùng biện đặc biệt: chỉ nói những gì có liên quan, và không nói gì hơn; theo nghĩa này, Oborin thực sự rất hùng hồn.

Lev Nikolaevich đặc biệt ngắn gọn trong các buổi diễn tập, một hoặc hai ngày trước buổi biểu diễn, cậu học trò sắp tới của lớp anh. “Tôi sợ làm mất phương hướng của sinh viên,” ông từng nói, “ít nhất theo một cách nào đó để làm lung lay niềm tin của cậu ấy vào khái niệm đã được thiết lập, tôi sợ sẽ“ làm mất đi ”cảm giác biểu diễn sống động. Theo tôi, tốt nhất là một giáo viên trong giai đoạn trước đêm diễn không nên dạy, không phải hướng dẫn lại một nhạc sĩ trẻ mà chỉ đơn giản là hỗ trợ, cổ vũ tinh thần cho anh ấy… ”

Một khoảnh khắc đặc trưng khác. Các hướng dẫn và nhận xét sư phạm của Oborin, luôn cụ thể và có mục đích, thường được đề cập đến những gì liên quan đến thực tế bên trong chủ nghĩa pianô. Với hiệu suất như vậy. Ví dụ, làm thế nào để chơi chỗ này hoặc chỗ khó kia, đơn giản hóa nó hết mức có thể, làm cho nó dễ dàng hơn về mặt kỹ thuật; những gì ngón tay có thể phù hợp nhất ở đây; vị trí nào của ngón tay, bàn tay và cơ thể sẽ thuận tiện và thích hợp nhất; Cảm giác xúc giác nào sẽ dẫn đến âm thanh mong muốn, v.v. - những câu hỏi này và những câu hỏi tương tự thường xuất hiện ở đầu bài học của Oborin, xác định tính xây dựng đặc biệt, nội dung “công nghệ” phong phú của nó.

Điều đặc biệt quan trọng đối với các sinh viên là mọi thứ mà Oborin nói đến đều được “cung cấp” - như một loại vàng dự trữ - bởi kinh nghiệm biểu diễn chuyên nghiệp rộng lớn của anh ấy, dựa trên kiến ​​thức về những bí mật sâu sắc nhất của “nghề” nghệ sĩ piano.

Chẳng hạn, làm thế nào để biểu diễn một tác phẩm với kỳ vọng về âm thanh trong tương lai của nó trong phòng hòa nhạc? Làm thế nào để điều chỉnh sản xuất âm thanh, sắc thái, bàn đạp, v.v. về vấn đề này? Lời khuyên và khuyến nghị kiểu này đến từ bậc thầy, nhiều lần và quan trọng nhất, cá nhân người đã thử nghiệm tất cả trong thực tế. Có một trường hợp khi, tại một trong những buổi học diễn ra ở nhà Oborin, một trong những học sinh của ông đã chơi bản Ballade đầu tiên của Chopin. “Chà, tốt, không tệ,” Lev Nikolayevich tóm tắt, vẫn nghe tác phẩm từ đầu đến cuối, như thường lệ. “Nhưng âm nhạc này nghe quá thính phòng, tôi thậm chí sẽ nói“ giống như phòng ”. Và bạn sẽ biểu diễn trong Hội trường nhỏ… Bạn đã quên điều đó? Vui lòng bắt đầu lại và tính đến điều này… “

Nhân tiện, tập phim này gợi nhớ đến một trong những hướng dẫn của Oborin, đã được lặp đi lặp lại nhiều lần với các học trò của mình: một nghệ sĩ dương cầm chơi từ sân khấu phải có một “lời khiển trách” rõ ràng, dễ hiểu, rất rõ ràng - “cách biểu diễn có vị trí tốt”. như Lev Nikolayevich đưa nó vào một trong các lớp học. Và do đó: “Nổi hơn, lớn hơn, rõ ràng hơn,” anh ấy thường yêu cầu ở các buổi diễn tập. “Một người nói từ bục phát biểu sẽ nói khác với mặt đối mặt với người đối thoại của anh ta. Điều này cũng đúng đối với một nghệ sĩ dương cầm hòa tấu chơi trước công chúng. Cả hội trường sẽ nghe thấy nó, và không chỉ những hàng đầu tiên của quầy hàng.

Có lẽ công cụ mạnh nhất trong kho vũ khí của Oborin mà giáo viên từ lâu đã hiển thị (hình minh họa) trên nhạc cụ; Chỉ trong những năm gần đây, do bệnh tật, Lev Nikolaevich bắt đầu ít tiếp cận với cây đàn piano hơn. Xét về mức độ ưu tiên “làm việc” của nó, về tính hiệu quả, phương pháp hiển thị, có thể nói, nổi trội hơn so với phương pháp giải thích bằng lời nói. Và thậm chí không phải việc trình diễn cụ thể trên bàn phím về kỹ thuật biểu diễn này hay kỹ thuật biểu diễn khác đã giúp các “Oborints” trong công việc của họ về âm thanh, kỹ thuật, cách đạp, v.v. tất cả những thứ này mang theo là một cái gì đó quan trọng hơn. Chơi Lev Nikolaevich trên nhạc cụ thứ hai lấy cảm hứng từ tuổi trẻ âm nhạc, đã mở ra những chân trời và quan điểm mới, trước đây chưa từng được biết đến trong chủ nghĩa piano, cho phép họ hít thở hương thơm sôi động của một sân khấu hòa nhạc lớn. Trò chơi này đôi khi đánh thức một cái gì đó tương tự như "ghen tị trắng": sau tất cả, hóa ra là as и việc này có thể được thực hiện trên piano… Việc thể hiện tác phẩm này hay tác phẩm khác trên piano Oborinsky đã mang lại sự rõ ràng cho những tình huống khó khăn nhất mà học sinh thực hiện, cắt những “nút thắt Gordian” phức tạp nhất. Trong hồi ký của Leopold Auer về người thầy của mình, nghệ sĩ vĩ cầm tuyệt vời người Hungary J. Joachim, có những dòng: so! ” kèm theo một nụ cười trấn an ”. (Auer L. Trường phái chơi vĩ cầm của tôi. - M., 1965. S. 38-39.). Những cảnh tương tự thường diễn ra trong lớp học Oborinsky. Một số đoạn phức tạp về dương cầm đã được phát, một “tiêu chuẩn” được hiển thị - và sau đó một đoạn tóm tắt gồm hai hoặc ba từ được thêm vào: “Theo ý kiến ​​của tôi, vậy…”

… Vậy rốt cuộc Oborin đã dạy gì? "Cương lĩnh" sư phạm của anh ấy là gì? Trọng tâm hoạt động sáng tạo của anh ấy là gì?

Oborin đã giới thiệu cho học sinh của mình một cách truyền tải chân thực, thực tế, thuyết phục về mặt tâm lý của nội dung hình tượng và thơ ca của âm nhạc; đây là alpha và omega trong sự dạy dỗ của ông. Lev Nikolayevich có thể nói về những điều khác nhau trong các bài học của mình, nhưng tất cả những điều này cuối cùng dẫn đến một điều: giúp sinh viên hiểu được bản chất sâu xa nhất trong ý định của nhà soạn nhạc, nhận ra nó bằng cả khối óc và trái tim, tham gia vào “quyền đồng tác giả ”Với người sáng tạo âm nhạc, để thể hiện ý tưởng của mình với sức thuyết phục và sức thuyết phục tối đa. “Người biểu diễn hiểu tác giả càng đầy đủ và sâu sắc thì cơ hội trong tương lai họ sẽ tin chính người biểu diễn càng lớn”, ông nhiều lần bày tỏ quan điểm của mình, đôi khi thay đổi từ ngữ của suy nghĩ này, nhưng không phải bản chất của nó.

Chà, để hiểu tác giả - và ở đây Lev Nikolayevich đã nói hoàn toàn đồng ý với ngôi trường đã nuôi dạy anh ta, với Igumnov - có nghĩa là trong lớp Oborinsky để giải mã văn bản của tác phẩm một cách cẩn thận nhất có thể, để làm “kiệt quệ” nó hoàn toàn và dưới cùng, để tiết lộ không chỉ điều chính trong ký hiệu âm nhạc, mà còn là những sắc thái tinh tế nhất trong tư tưởng của nhà soạn nhạc, cố định trong đó. “Âm nhạc, được miêu tả bằng những dấu hiệu trên giấy nhạc, là một vẻ đẹp ngủ quên, nó vẫn cần phải bị đánh bại,” ông từng nói trong một vòng tròn sinh viên. Liên quan đến độ chính xác của văn bản, yêu cầu của Lev Nikolayevich đối với học sinh của mình là nghiêm ngặt nhất, không phải nói là viển vông: không có gì gần đúng trong trò chơi, được thực hiện một cách vội vàng, "nói chung", không có sự kỹ lưỡng và chính xác thích hợp, đã được tha thứ. “Người chơi giỏi nhất là người truyền đạt văn bản một cách rõ ràng và logic hơn”, những từ này (chúng được gán cho L. Godovsky) có thể được coi như một bản tóm tắt xuất sắc cho nhiều bài học của Oborin. Bất kỳ tội lỗi nào chống lại tác giả - không chỉ chống lại tinh thần, mà còn chống lại các chữ cái của các tác phẩm được diễn giải - ở đây được coi là một điều gì đó gây sốc, như một cách cư xử tồi tệ của một nghệ sĩ biểu diễn. Với tất cả vẻ ngoài của mình, Lev Nikolaevich bày tỏ sự bất bình tột độ trong những tình huống như vậy…

Không một chi tiết kết cấu dường như không đáng kể nào, không một tiếng vọng ẩn nào, nốt trầm, v.v., thoát khỏi con mắt tinh tường chuyên nghiệp của anh ấy. Làm nổi bật với sự chú ý của thính giác tất cả các и tất cả các Oborin đã dạy trong một tác phẩm được diễn giải, điều cốt yếu là “nhận ra”, hiểu một tác phẩm nhất định. “Đối với một nhạc sĩ Nghe - có nghĩa hiểu“, - anh ấy đã bỏ qua một trong những bài học.

Không nghi ngờ gì khi ông đánh giá cao những biểu hiện của tính cá nhân và tính độc lập sáng tạo ở những nghệ sĩ piano trẻ tuổi, nhưng chỉ ở mức độ mà những phẩm chất này đã góp phần xác định quy luật khách quan tác phẩm âm nhạc.

Theo đó, yêu cầu của Lev Nikolaevich đối với trò chơi của học sinh đã được xác định. Người ta có thể nói là một nhạc sĩ nghiêm khắc, theo chủ nghĩa thuần túy, hơi hàn lâm vào thời điểm những năm XNUMX và XNUMX, ông kiên quyết phản đối sự tùy tiện theo chủ nghĩa chủ quan trong biểu diễn. Mọi thứ quá mức hấp dẫn trong cách giải thích của các đồng nghiệp trẻ của ông, tự cho là khác thường, gây sốc với sự độc đáo bên ngoài, không phải là không có định kiến ​​và cảnh giác. Vì vậy, khi nói về những vấn đề của sáng tạo nghệ thuật, A. Kramskoy nhớ lại, đồng ý với ông rằng “tính độc đáo trong nghệ thuật từ những bước đầu tiên luôn có phần đáng ngờ và chỉ ra sự hạn hẹp và hạn chế hơn là tài năng rộng lớn và đa năng. Bản chất sâu sắc và nhạy cảm ngay từ đầu không thể bị cuốn đi bởi tất cả những gì đã từng làm tốt trước đó; những bản chất như vậy bắt chước… “

Nói cách khác, những gì Oborin tìm kiếm từ các học trò của mình, muốn nghe trong trò chơi của họ, có thể được đặc trưng bởi: giản dị, khiêm tốn, tự nhiên, chân thành, thơ mộng. Đề cao tinh thần, biểu hiện hơi cường điệu trong quá trình làm nhạc - tất cả những điều này thường khiến Lev Nikolayevich chói tai. Bản thân anh, như đã nói, cả trong cuộc sống lẫn trên sân khấu, ở cây đàn, đã biết kiềm chế, cân bằng trong cảm xúc; gần như cùng một “mức độ” cảm xúc đã thu hút anh ấy trong phần trình diễn của các nghệ sĩ piano khác. (Bằng cách nào đó, khi nghe vở kịch quá thất thường của một nghệ sĩ mới ra mắt, anh nhớ đến lời của Anton Rubinstein rằng không nên có nhiều cảm xúc, cảm xúc chỉ có thể ở mức độ vừa phải; nếu có nhiều thì thôi là sai…) Tính nhất quán và đúng đắn trong các biểu hiện cảm xúc, sự hài hòa nội tâm trong thi pháp, sự hoàn hảo của kỹ thuật thực hiện, độ chính xác trong phong cách, sự chặt chẽ và tinh khiết - những phẩm chất biểu diễn tương tự này đã gợi lên phản ứng luôn tán thành của Oborin.

Những gì anh ấy trau dồi trong lớp học của mình có thể được định nghĩa là một nền giáo dục chuyên nghiệp âm nhạc tao nhã và tinh tế, truyền đạt phong cách biểu diễn hoàn hảo cho học sinh của mình. Đồng thời, Oborin bắt đầu từ niềm tin rằng “một giáo viên, cho dù anh ta có hiểu biết và kinh nghiệm đến đâu, cũng không thể khiến một học sinh tài năng hơn anh ta về bản chất. Nó sẽ không hiệu quả, không có vấn đề gì được thực hiện ở đây, bất kể thủ thuật sư phạm được sử dụng. Người nhạc sĩ trẻ có tài năng thực sự - sớm muộn gì cũng thành danh, bùng nổ; không, không có gì để giúp đỡ ở đây. Một vấn đề khác là cần phải luôn đặt một nền tảng chuyên nghiệp vững chắc cho các tài năng trẻ, dù nó có được đánh giá lớn đến đâu; giới thiệu cho anh ấy những chuẩn mực của hành vi tốt trong âm nhạc (và có thể không chỉ trong âm nhạc). Đã có nhiệm vụ và bổn phận trực tiếp của giáo viên.

Trong cách nhìn nhận sự việc như vậy, có một trí tuệ tuyệt vời, một nhận thức bình tĩnh và tỉnh táo về những gì một giáo viên có thể làm và những gì nằm ngoài tầm kiểm soát của mình…

Trong nhiều năm, Oborin là một tấm gương đầy cảm hứng, một hình mẫu nghệ thuật cao cho các đồng nghiệp trẻ tuổi của mình. Họ học hỏi từ nghệ thuật của anh ấy, bắt chước anh ấy. Chúng ta hãy nhắc lại, chiến thắng của ông ở Warsaw đã làm phấn chấn rất nhiều những người sau này theo dõi ông. Không chắc Oborin đã đóng vai trò quan trọng hàng đầu này đối với chủ nghĩa pianô của Liên Xô, nếu không nhờ vào sức hấp dẫn cá nhân của ông, những phẩm chất thuần túy của con người ông.

Điều này luôn được coi trọng trong giới chuyên nghiệp; do đó, ở nhiều khía cạnh, thái độ đối với nghệ sĩ, và sự cộng hưởng của công chúng đối với các hoạt động của anh ta. Ya viết: “Không có mâu thuẫn gì giữa Oborin nghệ sĩ và Oborin người đàn ông. I. Zak, người biết rõ về anh ta. “Anh ấy rất hòa hợp. Trung thực trong nghệ thuật, trung thực hoàn hảo trong cuộc sống… Anh luôn thân thiện, nhân từ, trung thực và chân thành. Ông là sự thống nhất hiếm có giữa các nguyên tắc thẩm mỹ và đạo đức, một hợp kim của tính nghệ thuật cao và sự chỉn chu sâu sắc nhất. (Zak Ya. Tài năng sáng giá / / LN Oborin: Các bài báo. Hồi ức. - M., 1977. Tr. 121.).

G.Tsypin