Rodion Konstantinovich Shchedrin |

Rodion Shchedrin

Ôi, hãy là thủ môn, vị cứu tinh, âm nhạc của chúng tôi! Đừng bỏ chúng tôi! đánh thức tâm hồn nhân hậu của chúng ta thường xuyên hơn! sắc nét hơn với âm thanh của bạn trên các giác quan không hoạt động của chúng tôi! Kích động, xé nát chúng và xua đuổi chúng, dù chỉ trong giây lát, chủ nghĩa ích kỷ kinh khủng lạnh lùng này đang cố gắng chiếm lấy thế giới của chúng ta! N. Gogol. Từ bài báo “Điêu khắc, hội họa và âm nhạc”

Vào mùa xuân năm 1984, tại một trong những buổi hòa nhạc của Liên hoan Âm nhạc Quốc tế lần thứ II ở Matxcova, buổi ra mắt tác phẩm “Chân dung tự họa” - những bản biến tấu cho dàn nhạc giao hưởng lớn của R. Shchedrin đã được trình diễn. Sáng tác mới của người nhạc sĩ vừa bước qua ngưỡng cửa sinh nhật lần thứ XNUMX, gây xúc động mạnh với một số câu nói đầy xúc động, một số khác lại hào hứng với chủ đề phóng khoáng, tập trung suy nghĩ tột cùng về số phận của chính mình. Thật sự đúng khi nói: "nghệ sĩ là thẩm phán tối cao của chính mình." Trong sáng tác một phần này, có ý nghĩa và nội dung ngang bằng với một bản giao hưởng, thế giới của thời đại chúng ta hiện ra qua lăng kính của cá tính nghệ sĩ, được trình bày cận cảnh, và qua đó được biết đến với tất cả tính linh hoạt và mâu thuẫn của nó - trong hoạt động và những trạng thái thiền, trong sự chiêm nghiệm, tự trầm lắng trữ tình, trong những khoảnh khắc hân hoan hoặc những bùng nổ bi thảm đầy nghi ngờ. Đối với “Chân dung tự họa”, và điều đó là tự nhiên, các chủ đề được kết hợp với nhau từ nhiều tác phẩm đã được Shchedrin viết trước đó. Như thể từ góc nhìn của một con chim, con đường sáng tạo và con người của anh ấy xuất hiện - từ quá khứ đến tương lai. Con đường của "con yêu của số phận"? Hay "người tử vì đạo"? Trong trường hợp của chúng ta, sẽ là sai lầm nếu không nói cái này hay cái kia. Nó gần với sự thật hơn để nói: con đường của sự táo bạo “từ người đầu tiên”…

Shchedrin sinh ra trong một gia đình nhạc sĩ. Cha, Konstantin Mikhailovich, là một giảng viên âm nhạc học nổi tiếng. Âm nhạc liên tục được phát trong nhà của Shchedrins. Chính việc làm nhạc sống là cái nôi đã dần hình thành nên niềm đam mê và gu thẩm mỹ của các nhà soạn nhạc tương lai. Niềm tự hào của gia đình là bộ ba piano, trong đó Konstantin Mikhailovich và các anh trai của ông tham gia. Những năm tháng của tuổi thanh xuân trùng hợp với một thử thách lớn ập xuống đôi vai của toàn thể nhân dân Liên Xô. Hai lần cậu bé bỏ trốn ra đầu thú và hai lần được về nhà bố mẹ đẻ. Sau này Shchedrin sẽ nhớ về chiến tranh hơn một lần, hơn một lần nỗi đau về những gì anh đã trải qua sẽ vang vọng trong âm nhạc của anh - trong Bản giao hưởng thứ hai (1965), dàn hợp xướng cho đến những bài thơ của A. Tvardovsky - để tưởng nhớ một người anh đã không trở về. từ sau chiến tranh (1968), trong "Poria" (tại st. A. Voznesensky, 1968) - một bản concerto nguyên bản dành cho nhà thơ, đi kèm với một giọng nữ, một dàn hợp xướng hỗn hợp và một dàn nhạc giao hưởng…

Năm 1945, một thiếu niên mười hai tuổi được bổ nhiệm vào Trường Hợp xướng mới mở gần đây - bây giờ là họ. AV Sveshnikova. Ngoài việc học lý thuyết, ca hát có lẽ là nghề chính của học sinh trường. Nhiều thập kỷ sau, Shchedrin nói: “Tôi đã trải qua những khoảnh khắc đầy cảm hứng đầu tiên trong đời khi hát trong dàn hợp xướng. Và tất nhiên, những sáng tác đầu tiên của tôi cũng dành cho dàn hợp xướng… ”Bước tiếp theo là Nhạc viện Moscow, nơi Shchedrin học đồng thời hai khoa - sáng tác với Y. Shaporin và trong lớp piano với Y. Flier. Một năm trước khi tốt nghiệp, ông đã viết Bản hòa tấu piano đầu tiên của mình (1954). Opus ban đầu này thu hút với sự độc đáo của nó và dòng cảm xúc sống động. Tác giả hai mươi hai tuổi này đã dám đưa 2 mô-típ độc đáo vào yếu tố hòa nhạc-pop - “Balalaika đang vo ve” của Siberia và “Semyonovna” nổi tiếng, phát triển chúng thành một loạt các biến thể một cách hiệu quả. Trường hợp gần như là duy nhất: buổi hòa nhạc đầu tiên của Shchedrin không chỉ vang lên trong chương trình hội nghị các nhà soạn nhạc tiếp theo, mà còn trở thành cơ sở để kết nạp một sinh viên năm 4… vào Union of Composers. Bảo vệ xuất sắc tấm bằng tốt nghiệp hai chuyên ngành, chàng nhạc sĩ trẻ đã hoàn thiện bản thân khi học cao học.

Khi bắt đầu cuộc hành trình của mình, Shchedrin đã thử sức ở nhiều lĩnh vực khác nhau. Đó là vở ba lê của P. Ershov Con ngựa nhỏ lưng gù (1955) và Bản giao hưởng đầu tiên (1958), Phòng Suite cho 20 cây vĩ cầm, đàn hạc, đàn accordion và 2 đôi bass (1961) và vở opera Không chỉ tình yêu (1961), một cantata khu nghỉ mát châm biếm “Bureaucratiada” (1963) và Concerto cho dàn nhạc “Naughty ditties” (1963), âm nhạc cho các buổi biểu diễn kịch và phim. Hành khúc vui vẻ từ bộ phim “Vysota” ngay lập tức trở thành một tác phẩm âm nhạc bán chạy nhất… Vở opera dựa trên câu chuyện của S. Antonov “Dì Lusha” nổi bật trong loạt phim này, số phận của nó không hề dễ dàng. Lật lại lịch sử, bị thiêu đốt bởi bất hạnh, với hình ảnh những người phụ nữ nông dân chất phác chịu đựng nỗi cô đơn, nhà soạn nhạc, theo lời thú nhận của ông, đã cố tình tập trung vào việc tạo ra một vở opera “yên tĩnh”, trái ngược với “những buổi biểu diễn hoành tráng với những phần bổ sung hoành tráng” được dàn dựng sau đó, vào đầu những năm 60. , biểu ngữ, v.v. ” Ngày nay không thể không hối tiếc rằng vào thời của nó, opera không được đánh giá cao và thậm chí không được hiểu bởi các nhà chuyên môn. Phê bình chỉ ghi nhận một khía cạnh - hài hước, châm biếm. Nhưng về bản chất, vở opera Không chỉ tình yêu là điển hình sáng nhất và có lẽ là ví dụ đầu tiên trong âm nhạc Liên Xô về hiện tượng mà sau này nhận được định nghĩa ẩn dụ về “văn xuôi làng quê”. Chà, con đường phía trước luôn chông gai.

Năm 1966, nhà soạn nhạc sẽ bắt đầu thực hiện vở opera thứ hai của mình. Và công việc này, bao gồm việc tạo ra libretto của riêng ông (ở đây năng khiếu văn học của Shchedrin đã thể hiện), mất một thập kỷ. “Linh hồn chết”, cảnh opera sau N. Gogol - đây là cách mà ý tưởng hoành tráng này hình thành. Và vô điều kiện đã được cộng đồng âm nhạc đánh giá là sáng tạo. Mong muốn của nhà soạn nhạc là “đọc văn xuôi hát của Gogol bằng âm nhạc, phác họa tính cách dân tộc bằng âm nhạc, và nhấn mạnh tính biểu cảm vô hạn, sự sống động và linh hoạt của ngôn ngữ mẹ đẻ của chúng ta với âm nhạc” được thể hiện trong sự tương phản kịch tính giữa thế giới đáng sợ của những kẻ buôn bán linh hồn đã chết, tất cả những Chichikovs, Sobeviches, Plyushkins, những chiếc hộp, những tên điên cuồng, những kẻ lùng sục tàn nhẫn trong vở opera, và thế giới của những “linh hồn sống”, cuộc sống dân gian. Một trong những chủ đề của vở opera dựa trên văn bản của bài hát cùng tên “Tuyết không trắng”, được nhà văn nhắc đến hơn một lần trong bài thơ. Dựa trên các hình thức opera đã được thành lập trong lịch sử, Shchedrin đã mạnh dạn nghiên cứu lại chúng, biến đổi chúng trên một nền tảng cơ bản khác, thực sự hiện đại. Quyền đổi mới được cung cấp bởi các thuộc tính cơ bản của cá nhân nghệ sĩ, dựa trên sự hiểu biết sâu sắc về các truyền thống phong phú và độc đáo nhất trong các thành tựu của văn hóa trong nước, về huyết thống, sự tham gia của bộ lạc vào nghệ thuật dân gian - thi pháp của nó, melos, nhiều hình thức khác nhau. Nhà soạn nhạc tuyên bố: “Nghệ thuật dân gian gợi lên mong muốn tái tạo lại hương thơm có một không hai của nó, bằng cách nào đó“ tương quan ”với sự giàu có của nó, để truyền tải những cảm xúc mà nó mang lại mà không thể diễn tả thành lời. Và trên hết, âm nhạc của anh ấy.

Quá trình “tái tạo dân gian” này dần dần được đào sâu trong tác phẩm của ông - từ sự cách điệu tao nhã của văn hóa dân gian trong vở ba lê đầu tiên “Con ngựa nhỏ lưng gù” đến bảng âm thanh đầy màu sắc của Mischievous Chastushkas, hệ thống khắc nghiệt đáng kể của “Rings” (1968) , phục hồi sự đơn giản và âm lượng nghiêm ngặt của các bài tụng Znamenny; từ hiện thân trong âm nhạc của một bức chân dung thể loại tươi sáng, hình ảnh mạnh mẽ của nhân vật chính của vở opera “Không chỉ tình yêu” đến lời tự sự trữ tình về tình yêu của những người bình thường dành cho Ilyich, về thái độ sâu thẳm của cá nhân họ đối với “điều trần gian nhất tất cả những người đã đi qua trái đất "trong bản oratorio" Lenin in the Heart "(1969) - hay nhất, chúng tôi đồng ý với ý kiến ​​của M. Tarakanov," hiện thân âm nhạc của chủ đề Lenin, xuất hiện vào đêm trước nhân kỷ niệm 100 năm ngày sinh của lãnh tụ. Từ đỉnh cao của việc tạo dựng hình ảnh nước Nga, đó chắc chắn là vở opera “Những linh hồn chết”, do B. Pokrovsky dàn dựng năm 1977 trên sân khấu của Nhà hát Bolshoi, mái vòm được chuyển sang “The Sealed Angel” - bản nhạc hợp xướng năm 9 phần theo N. Leskov (1988). Khi nhà soạn nhạc ghi chú trong chú thích, anh ta bị thu hút bởi câu chuyện của họa sĩ biểu tượng Sevastyan, “người đã in một biểu tượng thần kỳ cổ xưa bị ô uế bởi quyền năng của thế giới này, trước hết, ý tưởng về sự bất khả xâm phạm của vẻ đẹp nghệ thuật, sức mạnh kỳ diệu, thăng hoa của nghệ thuật. ” “The Captured Angel”, cũng như một năm trước đó được tạo ra cho dàn nhạc giao hưởng “Stikhira” (1987), dựa trên bản thánh ca Znamenny, dành riêng cho lễ kỷ niệm 1000 năm ngày lễ rửa tội của nước Nga.

Âm nhạc của Leskov tiếp tục một cách hợp lý những dự đoán và tình cảm văn học của Shchedrin, nhấn mạnh định hướng chủ yếu của ông: “… Tôi không thể hiểu các nhà soạn nhạc của chúng tôi chuyển sang văn học dịch. Chúng tôi có vô số của cải - văn học viết bằng tiếng Nga. Trong loạt bài này, một vị trí đặc biệt được dành cho Pushkin (“một trong những vị thần của tôi”) - ngoài hai dàn hợp xướng ban đầu, vào năm 1981, các bài thơ hợp xướng “Cuộc hành hình của Pugachev” đã được tạo ra trên văn bản văn xuôi từ “Lịch sử của Cuộc nổi dậy Pugachev ”và“ Những bông hoa của “Eugene Onegin” ”.

Nhờ những màn trình diễn âm nhạc dựa trên Chekhov - “The Seagull” (1979) và “Lady with a Dog” (1985), cũng như những cảnh trữ tình được viết trước đó dựa trên tiểu thuyết của L. Tolstoy “Anna Karenina” (1971), phòng trưng bày của những người thể hiện trên sân khấu ba lê đã được làm phong phú đáng kể các nữ anh hùng Nga. Đồng tác giả thực sự của những kiệt tác nghệ thuật biên đạo hiện đại này là Maya Plisetskaya, một nữ diễn viên ba lê xuất sắc của thời đại chúng ta. Cộng đồng này - sáng tạo và con người - đã hơn 30 năm tuổi. Dù âm nhạc của Shchedrin kể về điều gì, mỗi sáng tác của anh ấy đều mang một trọng trách là tìm kiếm tích cực và bộc lộ những nét đặc trưng của một cá nhân tươi sáng. Người sáng tác cảm nhận một cách nhạy bén nhịp đập của thời gian, cảm nhận một cách nhạy bén những động lực của cuộc sống ngày nay. Anh ta nhìn thế giới trong khối lượng, nắm bắt và ghi lại trong các hình ảnh nghệ thuật cả một đối tượng cụ thể và toàn bộ bức tranh toàn cảnh. Đây có thể là lý do cho định hướng cơ bản của anh ấy đối với phương pháp dựng phim kịch tính, giúp phác họa rõ ràng hơn sự tương phản của hình ảnh và trạng thái cảm xúc? Dựa trên phương pháp năng động này, Shchedrin cố gắng đạt được sự ngắn gọn, súc tích (“đưa thông tin mã vào người nghe”) của phần trình bày tài liệu, để có mối quan hệ chặt chẽ giữa các phần của tài liệu mà không có bất kỳ liên kết kết nối nào. Vì vậy, Bản giao hưởng thứ hai là một chu kỳ gồm 25 khúc dạo đầu, vở ba lê "The Seagull" được xây dựng trên nguyên tắc tương tự; Bản Concerto cho piano thứ ba, giống như một số tác phẩm khác, bao gồm một chủ đề và một loạt các biến đổi của nó theo nhiều biến thể khác nhau. Tính đa âm sống động của thế giới xung quanh được phản ánh trong khuynh hướng của nhà soạn nhạc đối với đa âm - cả như một nguyên tắc tổ chức chất liệu âm nhạc, một cách viết và một kiểu tư duy. "Đa âm là một phương thức tồn tại, đối với cuộc sống của chúng ta, tồn tại hiện đại đã trở thành đa âm." Ý tưởng này của người sáng tác được xác nhận trên thực tế. Trong khi thực hiện Dead Souls, anh đồng thời tạo ra các vở ballet Carmen Suite và Anna Karenina, Bản hòa tấu piano thứ ba, Sổ tay đa âm gồm 24 khúc dạo đầu, tập thứ hai gồm 80 khúc dạo đầu và fugues, Poria, và các tác phẩm khác. kèm theo các buổi biểu diễn của Shchedrin trên sân khấu hòa nhạc với tư cách là nghệ sĩ biểu diễn các sáng tác của chính mình - một nghệ sĩ dương cầm, và từ đầu những năm XNUMX. và là một nghệ sĩ chơi đàn organ, công việc của anh ấy được kết hợp hài hòa với những hoạt động công ích tràn đầy năng lượng.

Con đường của Shchedrin với tư cách là một nhà soạn nhạc luôn vượt qua; hàng ngày, sự vượt qua cứng đầu của vật chất, mà trong bàn tay vững chắc của bậc thầy biến thành những đường nét âm nhạc; khắc phục sức ì, thậm chí thiên lệch về cảm nhận của người nghe; cuối cùng, vượt qua chính mình, chính xác hơn là lặp lại những gì đã được khám phá, tìm thấy, thử nghiệm. Làm sao không nhớ lại ở đây V. Mayakovsky, người đã từng nhận xét về các kỳ thủ cờ vua: “Nước đi tuyệt vời nhất không thể lặp lại trong một tình huống nhất định trong một ván đấu tiếp theo. Chỉ có sự bất ngờ của chiêu thức mới đánh gục được kẻ thù.

Khi khán giả Matxcơva lần đầu tiên được giới thiệu với The Musical Giving (1983), phản ứng với âm nhạc mới của Shchedrin giống như một quả bom. Cuộc tranh cãi đã không lắng xuống trong một thời gian dài. Nhà soạn nhạc, trong tác phẩm của mình, cố gắng đạt được sự ngắn gọn nhất, cách diễn đạt theo ngôn ngữ cách ngôn (“phong cách điện báo”), đột nhiên dường như đã chuyển sang một chiều hướng nghệ thuật khác. Thành phần chuyển động đơn của anh ấy cho organ, 3 sáo, 3 bassoon và 3 tromb kéo dài… hơn 2 giờ. Cô ấy, theo chủ ý của tác giả, chẳng qua là một cuộc trò chuyện. Và không phải là một cuộc trò chuyện hỗn loạn mà đôi khi chúng ta không lắng nghe nhau, vội vàng bày tỏ ý kiến ​​cá nhân, mà là một cuộc trò chuyện khi mọi người có thể kể về những nỗi buồn, niềm vui, những rắc rối, những tiết lộ của họ… “Tôi tin rằng với sự vội vàng của cuộc sống của chúng ta, điều này là vô cùng quan trọng. Dừng lại và suy nghĩ." Chúng ta hãy nhớ lại rằng "Music Giving" được viết vào đêm trước kỷ niệm 300 năm ngày sinh của JS Bach ("Echo Sonata" dành cho độc tấu violin - 1984 cũng được dành riêng cho ngày này).

Nhà soạn nhạc có thay đổi nguyên tắc sáng tạo của mình không? Ngược lại, với nhiều năm kinh nghiệm của mình trong nhiều lĩnh vực và thể loại khác nhau, anh đã khắc sâu những gì mình đã giành được. Ngay cả khi còn trẻ, anh ấy đã không tìm cách gây bất ngờ, không mặc quần áo của người khác, “không chạy quanh nhà ga với một chiếc vali sau chuyến tàu khởi hành, nhưng đã phát triển theo cách… nó được tạo ra bởi di truyền, khuynh hướng, thích và không thích. " Nhân tiện, sau “Cung cấp âm nhạc”, tỷ lệ nhịp độ chậm, nhịp độ phản xạ, trong âm nhạc của Shchedrin đã tăng lên đáng kể. Nhưng vẫn không có khoảng trống nào trong đó. Như trước đây, nó tạo ra một lĩnh vực ý nghĩa cao và căng thẳng cảm xúc cho nhận thức. Và phản ứng với bức xạ mạnh mẽ của thời gian. Ngày nay, nhiều nghệ sĩ đang lo lắng về sự mất giá rõ ràng của nghệ thuật chân chính, nghiêng về giải trí, đơn giản hóa và khả năng tiếp cận chung, điều này minh chứng cho sự nghèo nàn về đạo đức và thẩm mỹ của con người. Trong hoàn cảnh “văn hóa không liên tục” này, người sáng tạo ra các giá trị nghệ thuật đồng thời trở thành nhà truyền bá của họ. Về vấn đề này, kinh nghiệm của Shchedrin và tác phẩm của chính ông là những ví dụ sống động về sự kết nối của thời đại, “âm nhạc khác nhau” và tính liên tục của truyền thống.

Nhận thức rõ ràng rằng đa nguyên quan điểm và ý kiến ​​là cơ sở cần thiết cho cuộc sống và giao tiếp trong thế giới hiện đại, ông là người tích cực ủng hộ đối thoại. Những cuộc gặp gỡ rất hướng dẫn của anh ấy với đông đảo khán giả, với những người trẻ tuổi, đặc biệt là với những tín đồ cuồng nhiệt của nhạc rock - những cuộc gặp gỡ này đã được phát sóng trên Đài Truyền hình Trung ương. Một ví dụ về cuộc đối thoại quốc tế do đồng bào của chúng tôi khởi xướng là lần đầu tiên trong lịch sử của lễ hội quan hệ văn hóa Xô-Mỹ của Liên Xô tại Boston với phương châm: “Cùng nhau làm nên âm nhạc”, mở ra một bức tranh toàn cảnh rộng lớn và đầy màu sắc về công việc của Liên Xô các nhà soạn nhạc (1988).

Đối thoại với những người có ý kiến ​​khác nhau, Rodion Shchedrin luôn có quan điểm riêng của mình. Trong hành động và việc làm - niềm tin nghệ thuật và con người của chính họ dưới dấu hiệu của điều chính: “Bạn không thể chỉ sống cho ngày hôm nay. Chúng ta cần xây dựng văn hóa cho tương lai, vì lợi ích của thế hệ mai sau ”.

A. Grigorieva