Alexander Konstantinovich Glazunov |

Alexander Glazunov

Glazunov đã tạo ra một thế giới hạnh phúc, vui vẻ, hòa bình, bay bổng, sung sướng, chu đáo và nhiều hơn thế nữa, luôn hạnh phúc, luôn rõ ràng và sâu sắc, luôn cao quý khác thường, có cánh… A.Lunacharsky

Một đồng nghiệp của các nhà soạn nhạc trong The Mighty Handful, một người bạn của A. Borodin, người đã hoàn thành những tác phẩm còn dang dở của mình từ trí nhớ, và một người thầy đã nâng đỡ cậu bé D. Shostakovich trong những năm tàn phá sau cách mạng… Số phận của A. Glazunov thể hiện rõ ràng tính liên tục của âm nhạc Nga và Xô Viết. Sức khỏe tinh thần mạnh mẽ, nội lực được kiềm chế và sự cao thượng không thay đổi - những nét tính cách này của nhà soạn nhạc đã thu hút các nhạc sĩ cùng chí hướng, thính giả và đông đảo sinh viên đến với ông. Được hình thành từ thời thanh niên của ông, họ xác định cấu trúc cơ bản của công việc của ông.

Sự phát triển âm nhạc của Glazunov rất nhanh chóng. Sinh ra trong gia đình một nhà xuất bản sách nổi tiếng, nhà soạn nhạc tương lai được nuôi dưỡng từ nhỏ trong bầu không khí say mê sáng tác âm nhạc, gây ấn tượng với người thân bằng khả năng phi thường của mình - niềm đam mê âm nhạc tuyệt vời và khả năng ghi nhớ ngay lập tức chi tiết bản nhạc. anh ấy đã từng nghe. Glazunov sau đó nhớ lại: “Chúng tôi đã chơi rất nhiều trong nhà của mình, và tôi nhớ chắc chắn tất cả các vở đã được biểu diễn. Thường vào ban đêm, thức dậy, tôi phục hồi tinh thần đến từng chi tiết nhỏ nhất mà tôi đã nghe trước đây… ”Những người thầy đầu tiên của cậu bé là nghệ sĩ dương cầm N. Kholodkova và E. Elenkovsky. Các lớp học với các nhà soạn nhạc lớn nhất của trường St.Petersburg - M. Balakirev và N. Rimsky-Korsakov đóng vai trò quyết định trong việc hình thành nhạc công. Giao tiếp với họ đã giúp Glazunov nhanh chóng đạt đến sự trưởng thành về mặt sáng tạo một cách đáng ngạc nhiên và nhanh chóng trở thành một tình bạn của những người cùng chí hướng.

Con đường của nhà soạn nhạc trẻ tuổi đến với người nghe bắt đầu bằng một chiến thắng. Bản giao hưởng đầu tiên của tác giả mười sáu tuổi (công chiếu năm 1882) đã được công chúng và báo chí hưởng ứng nhiệt tình, đồng thời được đồng nghiệp đánh giá cao. Cùng năm đó, một cuộc họp đã diễn ra phần lớn ảnh hưởng đến số phận của Glazunov. Tại buổi tổng duyệt Bản giao hưởng đầu tiên, nhạc sĩ trẻ đã gặp M. Belyaev, một người sành âm nhạc chân thành, một nhà buôn gỗ lớn và một nhà từ thiện, người đã hỗ trợ rất nhiều cho các nhà soạn nhạc Nga. Kể từ thời điểm đó, con đường của Glazunov và Belyaev liên tục cắt ngang. Ngay sau đó, nhạc sĩ trẻ đã trở thành một người thường xuyên trong các ngày thứ sáu của Belyaev. Những buổi tối âm nhạc hàng tuần này thu hút vào những năm 80 và 90. lực lượng tốt nhất của âm nhạc Nga. Cùng với Belyaev, Glazunov đã có một chuyến đi dài ngày ở nước ngoài, làm quen với các trung tâm văn hóa của Đức, Thụy Sĩ, Pháp, thu âm các làn điệu dân gian ở Tây Ban Nha và Maroc (1884). Trong chuyến đi này, một sự kiện đáng nhớ đã diễn ra: Glazunov đến thăm F. Liszt ở Weimar. Cũng tại nơi này, tại lễ hội dành riêng cho tác phẩm của Liszt, Bản giao hưởng đầu tiên của tác giả Nga đã được trình diễn thành công.

Trong nhiều năm, Glazunov gắn bó với những đứa con tinh thần yêu thích của Belyaev - một nhà xuất bản âm nhạc và những buổi hòa nhạc giao hưởng của Nga. Sau cái chết của người sáng lập công ty (1904), Glazunov, cùng với Rimsky-Korsakov và A. Lyadov, trở thành thành viên của Hội đồng quản trị vì sự khuyến khích của các nhà soạn nhạc và nhạc sĩ Nga, được tạo ra theo ý chí và chi phí của Belyaev . Trong lĩnh vực âm nhạc và công cộng, Glazunov có quyền hành rất lớn. Sự tôn trọng của các đồng nghiệp đối với kỹ năng và kinh nghiệm của ông dựa trên một nền tảng vững chắc: sự chính trực, kỹ lưỡng và trung thực như pha lê của một nhạc sĩ. Nhà soạn nhạc đánh giá tác phẩm của mình với độ chính xác đặc biệt, ông thường xuyên phải trải qua những nghi ngờ đau đớn. Những phẩm chất này đã tiếp thêm sức mạnh cho những sáng tác quên mình của một người bạn đã khuất: âm nhạc của Borodin, vốn đã được tác giả trình diễn, nhưng không được ghi lại vì cái chết đột ngột của ông, đã được lưu lại nhờ trí nhớ phi thường của Glazunov. Như vậy, vở opera Prince Igor đã hoàn thành (cùng với Rimsky-Korsakov), phần thứ 2 của Bản giao hưởng thứ ba được phục hồi từ trí nhớ và dàn dựng.

Năm 1899, Glazunov trở thành giáo sư, và vào tháng 1905 năm 1905, người đứng đầu Nhạc viện St.Petersburg, lâu đời nhất ở Nga. Việc bầu làm giám đốc của Glazunov đã diễn ra trước một thời gian thử thách. Nhiều cuộc họp sinh viên đã đưa ra yêu cầu đòi quyền tự trị của nhạc viện từ Hiệp hội Âm nhạc Hoàng gia Nga. Trước tình hình chia cắt giáo viên thành hai phe, Glazunov xác định rõ lập trường của mình, ủng hộ học sinh. Vào tháng 1905 năm XNUMX, khi Rimsky-Korsakov bị buộc tội kích động sinh viên nổi loạn và bị sa thải, Glazunov cùng với Lyadov từ chức giáo sư. Vài ngày sau, Glazunov biểu diễn Kashchei the Immortal của Rimsky-Korsakov, do các sinh viên Nhạc viện dàn dựng. Buổi biểu diễn với đầy đủ các hiệp hội chính trị mang tính thời sự, kết thúc bằng một cuộc mít tinh tự phát. Glazunov nhớ lại: “Sau đó tôi đã có nguy cơ bị đuổi khỏi St.Petersburg, nhưng tôi đã đồng ý với điều này.” Để hưởng ứng các sự kiện cách mạng năm XNUMX, bản chuyển thể của bài hát "Này, đi thôi!" đã xuất hiện. cho dàn hợp xướng và dàn nhạc. Chỉ sau khi nhạc viện được trao quyền tự chủ, Glazunov mới quay lại giảng dạy. Một lần nữa trở thành giám đốc, ông đi sâu vào tất cả các chi tiết của quá trình giáo dục với sự kỹ lưỡng thường thấy của mình. Và mặc dù nhà soạn nhạc phàn nàn trong những bức thư: “Tôi quá tải với công việc nhạc viện đến nỗi tôi không có thời gian để nghĩ về bất cứ điều gì, ngay cả khi về những lo lắng của thời đại ngày nay,” việc giao tiếp với sinh viên đã trở thành một nhu cầu cấp thiết đối với ông. Những người trẻ tuổi cũng bị cuốn hút bởi Glazunov, cảm thấy ở anh ta là một người thầy và người thầy thực sự.

Dần dần, các nhiệm vụ giáo dục, giáo dục trở thành nhiệm vụ chính đối với Glazunov, thúc đẩy ý tưởng của nhà soạn nhạc. Công việc sư phạm và xã hội-âm nhạc của ông đã phát triển đặc biệt rộng rãi trong những năm cách mạng và nội chiến. Bậc thầy quan tâm đến mọi thứ: các cuộc thi dành cho các nghệ sĩ nghiệp dư, và biểu diễn nhạc trưởng, và giao tiếp với sinh viên, và đảm bảo cuộc sống bình thường của các giáo sư và sinh viên trong điều kiện bị tàn phá. Hoạt động của Glazunov đã nhận được sự công nhận rộng rãi: năm 1921 ông được trao tặng danh hiệu Nghệ sĩ Nhân dân.

Liên lạc với nhạc viện không bị gián đoạn cho đến cuối đời của chủ nhân. Những năm cuối cùng (1928-36) nhà soạn nhạc lão thành đã ở nước ngoài. Bệnh tật ám ảnh anh, những chuyến du lịch khiến anh mệt mỏi. Nhưng Glazunov luôn đưa những suy nghĩ của mình về Tổ quốc, về những người đồng đội của mình, về những vấn đề bảo thủ. Anh ấy đã viết cho đồng nghiệp và bạn bè: "Tôi nhớ tất cả các bạn." Glazunov chết ở Paris. Năm 1972, tro cốt của ông được vận chuyển đến Leningrad và được chôn cất tại Alexander Nevsky Lavra.

Con đường của Glazunov trong âm nhạc trải dài khoảng nửa thế kỷ. Nó đã có những thăng trầm. Xa quê hương, Glazunov hầu như không sáng tác gì, ngoại trừ hai bản hòa tấu nhạc cụ (cho saxophone và cello) và hai bản tứ tấu. Sự nổi lên chính của công việc của ông rơi vào những năm 80-90. Thế kỷ thứ 1900 và đầu thế kỷ thứ 5. Bất chấp những giai đoạn khủng hoảng sáng tạo, số lượng các vấn đề âm nhạc, xã hội và sư phạm ngày càng tăng, trong những năm này, Glazunov đã tạo ra nhiều tác phẩm giao hưởng quy mô lớn (thơ, đảo ngược, tưởng tượng), bao gồm "Stenka Razin", "Rừng", "Biển", “Điện Kremlin”, một bộ giao hưởng “Từ thời Trung cổ”. Đồng thời, hầu hết các tứ tấu đàn dây (2 trong số bảy) và các tác phẩm hòa tấu khác đã xuất hiện. Ngoài ra còn có các bản hòa tấu nhạc cụ trong di sản sáng tạo của Glazunov (ngoài những thứ đã được đề cập - các bản hòa tấu piano XNUMX và một bản concerto cho violin đặc biệt phổ biến), các bản lãng mạn, dàn hợp xướng, cantatas. Tuy nhiên, những thành tựu chính của nhà soạn nhạc được kết nối với âm nhạc giao hưởng.

Không ai trong số các nhà soạn nhạc trong nước cuối thế kỷ XIX - đầu thế kỷ XX. không quan tâm nhiều đến thể loại giao hưởng như Glazunov: 8 bản giao hưởng của ông tạo thành một chu trình hoành tráng, sừng sững giữa các tác phẩm thuộc các thể loại khác như một dãy núi đồ sộ trên bối cảnh là những ngọn đồi. Phát triển cách giải thích cổ điển của bản giao hưởng như một chu trình gồm nhiều phần, đưa ra một bức tranh khái quát về thế giới bằng âm nhạc cụ, Glazunov đã có thể nhận ra năng khiếu giai điệu hào phóng của mình, tính logic hoàn hảo trong việc xây dựng các cấu trúc âm nhạc đa diện phức tạp. Sự khác biệt về nghĩa bóng giữa các bản giao hưởng của Glazunov chỉ nhấn mạnh sự thống nhất bên trong của chúng, bắt nguồn từ mong muốn bền bỉ của nhà soạn nhạc là hợp nhất hai nhánh của chủ nghĩa giao hưởng Nga tồn tại song song: trữ tình - kịch (P. Tchaikovsky) và tượng hình - sử thi (các nhà soạn nhạc của The Mighty Handful ). Kết quả của sự tổng hợp những truyền thống này, một hiện tượng mới nảy sinh - giao hưởng sử thi-trữ tình của Glazunov, thu hút người nghe bằng sự chân thành tươi sáng và sức mạnh anh hùng của nó. Những giai điệu trữ tình du dương, những áp lực kịch tính và những cảnh thể loại hấp dẫn trong các bản giao hưởng được cân bằng lẫn nhau, giữ được hương vị lạc quan tổng thể của âm nhạc. “Không có bất hòa nào trong âm nhạc của Glazunov. Cô ấy là hiện thân cân bằng của những tâm trạng và cảm giác quan trọng được phản ánh qua âm thanh… ”(B. Asafiev). Trong các bản giao hưởng của Glazunov, người ta bị ấn tượng bởi sự hài hòa và rõ ràng của kiến ​​trúc, khả năng sáng tạo không ngừng trong việc làm việc với các chuyên đề, và sự đa dạng phong phú của bảng dàn nhạc.

Các vở ballet của Glazunov cũng có thể được gọi là những bức tranh giao hưởng mở rộng, trong đó tính mạch lạc của cốt truyện lùi vào nền trước nhiệm vụ của một bản nhạc sống động. Nổi tiếng nhất trong số đó là "Raymonda" (1897). Trí tưởng tượng của nhà soạn nhạc, người từ lâu đã bị mê hoặc bởi sự rực rỡ của truyền thuyết hiệp sĩ, đã tạo ra những bức tranh trang nhã nhiều màu - một lễ hội trong lâu đài thời trung cổ, các điệu múa Tây Ban Nha-Ả Rập và Hungary khí chất… Hiện thân âm nhạc của ý tưởng là vô cùng hoành tráng và đầy màu sắc . Đặc biệt hấp dẫn là những cảnh đại chúng, trong đó những dấu hiệu mang màu sắc dân tộc được truyền tải một cách tinh tế. “Raymonda” đã có sức sống lâu dài cả trong nhà hát (bắt đầu từ tác phẩm đầu tiên của biên đạo múa nổi tiếng M. Petipa), và trên sân khấu hòa nhạc (dưới dạng một dãy phòng). Bí mật của sự nổi tiếng nằm ở vẻ đẹp cao quý của các giai điệu, trong sự tương ứng chính xác của nhịp điệu âm nhạc và âm thanh của dàn nhạc với sự uyển chuyển của vũ điệu.

Trong các vở ballet sau, Glazunov đi theo con đường nén biểu diễn. Đây là cách The Young Maid, hay The Trial of Damis (1898) và The Four Seasons (1898) xuất hiện - những vở ballet một màn cũng được tạo ra với sự hợp tác của Petipa. Cốt truyện không đáng kể. Bức thứ nhất là một mục đồng tao nhã theo tinh thần của Watteau (một họa sĩ người Pháp ở thế kỷ XUMX), bức thứ hai là một câu chuyện ngụ ngôn về sự vĩnh cửu của thiên nhiên, thể hiện trong bốn bức tranh âm nhạc và vũ đạo: “Winter”, “Spring”, “Summer ", "Mùa thu". Mong muốn về sự ngắn gọn và tính trang trí được nhấn mạnh của các vở ba lê một màn của Glazunov, sự hấp dẫn của tác giả đối với thời đại của thế kỷ XNUMX, được tô màu bằng một chút mỉa mai - tất cả những điều này khiến người ta nhớ lại sở thích của các nghệ sĩ Thế giới Nghệ thuật.

Sự đồng điệu về thời gian, cảm nhận về quan điểm lịch sử vốn có ở Glazunov trong tất cả các thể loại. Tính chính xác và hợp lý hợp lý của việc xây dựng, sử dụng tích cực phức điệu - nếu không có những phẩm chất này thì không thể tưởng tượng được sự xuất hiện của nhà giao hưởng Glazunov. Các tính năng giống nhau trong các biến thể phong cách khác nhau đã trở thành đặc điểm quan trọng nhất của âm nhạc của thế kỷ XNUMX. Và mặc dù Glazunov vẫn phù hợp với truyền thống cổ điển, nhiều phát hiện của ông đã dần dần chuẩn bị cho những khám phá nghệ thuật của thế kỷ XNUMX. V. Stasov gọi Glazunov là “Sam-sôn người Nga”. Thật vậy, chỉ có một kẻ sa lầy mới có thể thiết lập mối liên hệ chặt chẽ giữa các tác phẩm kinh điển của Nga và âm nhạc mới nổi của Liên Xô, như Glazunov đã làm.

N. Zabolotnaya

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865–1936), một học trò và đồng nghiệp trung thành của NA Rimsky-Korsakov, chiếm một vị trí xuất sắc trong số các đại diện của “trường phái âm nhạc mới của Nga” và là một nhà soạn nhạc lớn, với tác phẩm là sự phong phú và tươi sáng của màu sắc. được kết hợp với kỹ năng cao nhất, hoàn hảo nhất, và với tư cách là một nghệ sĩ âm nhạc và công chúng tiến bộ, người kiên quyết bảo vệ lợi ích của nghệ thuật Nga. Ngay từ sớm đã thu hút sự chú ý của Bản giao hưởng đầu tiên (1882) một cách bất thường, gây ngạc nhiên cho một tuổi trẻ như vậy về sự rõ ràng và đầy đủ của nó, ở tuổi ba mươi, ông đã nổi tiếng rộng rãi và được công nhận là tác giả của năm bản giao hưởng tuyệt vời, bốn bản tứ tấu và nhiều tác phẩm khác. tác phẩm, được đánh dấu bằng sự phong phú về quan niệm và sự trưởng thành. việc thực hiện nó.

Sau khi thu hút sự chú ý của nghị sĩ từ thiện hào phóng Belyaev, nhà soạn nhạc đầy tham vọng đã sớm trở thành một người tham gia bất biến, và sau đó là một trong những nhà lãnh đạo của tất cả các chủ trương âm nhạc, giáo dục và tuyên truyền của ông, ở mức độ lớn chỉ đạo các hoạt động của các buổi hòa nhạc giao hưởng Nga, trong đó bản thân ông thường đóng vai trò là nhạc trưởng, cũng như nhà xuất bản Belyaev, bày tỏ ý kiến ​​quan trọng của họ trong vấn đề trao Giải thưởng Glinkin cho các nhà soạn nhạc Nga. Người thầy và người cố vấn của Glazunov, Rimsky-Korsakov, thường xuyên hơn những người khác, đã thu hút anh ta để giúp anh ta thực hiện công việc liên quan đến việc duy trì trí nhớ của những người đồng hương vĩ đại, đặt hàng và xuất bản di sản sáng tạo của họ. Sau cái chết đột ngột của AP Borodin, hai người họ đã làm việc chăm chỉ để hoàn thành vở opera còn dang dở Prince Igor, nhờ đó mà tạo vật xuất sắc này đã có thể nhìn thấy ánh sáng ban ngày và tìm thấy sự sống trên sân khấu. Vào những năm 900, Rimsky-Korsakov, cùng với Glazunov, đã chuẩn bị một ấn bản mới cho các bản nhạc giao hưởng của Glinka, A Life for the Tsar and Prince Kholmsky, đã được kiểm tra kỹ lưỡng. Từ năm 1899, Glazunov là giáo sư tại Nhạc viện St.Petersburg, và vào năm 1905, ông được nhất trí bầu làm giám đốc của trường, giữ chức vụ này trong hơn hai mươi năm.

Sau cái chết của Rimsky-Korsakov, Glazunov trở thành người thừa kế được công nhận và tiếp nối truyền thống của người thầy vĩ đại của mình, thay thế ông trong đời sống âm nhạc ở Petersburg. Thẩm quyền cá nhân và nghệ thuật của ông là không thể chối cãi. Vào năm 1915, liên quan đến lễ kỷ niệm lần thứ XNUMX của Glazunov, VG Karatygin đã viết: “Ai trong số các nhà soạn nhạc Nga còn sống được yêu thích nhất? Không thể nghi ngờ chút nào về tay nghề thủ công hạng nhất của ai? Về việc ai trong số những người đương thời của chúng ta từ lâu đã không còn tranh cãi, không thể chối cãi khi công nhận nghệ thuật của ông tính nghiêm túc trong nội dung nghệ thuật và trường phái công nghệ âm nhạc cao nhất? Chỉ riêng cái tên có thể ở trong tâm trí của người đặt ra câu hỏi như vậy và trên môi của người muốn trả lời nó. Tên này là AK Glazunov.

Vào thời điểm những tranh chấp gay gắt nhất và sự đấu tranh của nhiều trào lưu khác nhau, khi mà dường như không chỉ cái mới mà nhiều cái dường như đã đồng hóa từ lâu, đã đi vào ý thức, gây ra những nhận định và đánh giá rất trái ngược nhau, dường như “không thể chối cãi” như vậy. bất thường và thậm chí đặc biệt. Nó minh chứng cho sự tôn trọng cao độ đối với nhân cách của nhà soạn nhạc, kỹ năng xuất sắc và gu thẩm mỹ hoàn hảo của anh ấy, nhưng đồng thời, thái độ trung lập nhất định đối với công việc của anh ấy như một thứ vốn đã không liên quan, không đứng quá nhiều “trên các cuộc chiến”, nhưng "Tránh xa các cuộc chiến". Âm nhạc của Glazunov không quyến rũ, không khơi dậy tình yêu và sự tôn sùng nhiệt tình, nhưng nó không chứa đựng những đặc điểm mà bất kỳ bên tranh chấp nào cũng không thể chấp nhận được. Nhờ sự rõ ràng, hài hòa và cân bằng khôn ngoan mà nhà soạn nhạc có thể kết hợp các khuynh hướng khác nhau, đôi khi đối lập với nhau, tác phẩm của ông có thể dung hòa “những người theo chủ nghĩa truyền thống” và “những người đổi mới”.

Một vài năm trước khi xuất hiện bài báo được trích dẫn của Karatygin, một nhà phê bình nổi tiếng khác là AV Ossovsky, trong nỗ lực xác định vị trí lịch sử của Glazunov trong âm nhạc Nga, đã gán ông vào loại nghệ sĩ - "người hoàn thành", trái ngược với những “nhà cách mạng” trong nghệ thuật, những người khám phá ra những con đường mới: “Tâm trí“ những nhà cách mạng ”bị phá hủy bởi nghệ thuật lỗi thời với sự sắc bén của sự phân tích, nhưng đồng thời, trong tâm hồn họ, có vô số nguồn cung cấp năng lượng sáng tạo cho hiện thân về những ý tưởng mới, để tạo ra những hình thức nghệ thuật mới, mà họ đã thấy trước, như nó vốn có, trong những đường viền bí ẩn của buổi bình minh ló dạng <...> Nhưng có những thời điểm khác trong nghệ thuật - những kỷ nguyên chuyển tiếp, trái ngược với những kỷ nguyên đầu tiên đó có thể được định nghĩa là những kỷ nguyên quyết định. Nghệ sĩ, mà số phận lịch sử của họ nằm trong sự tổng hợp của những ý tưởng và hình thức được tạo ra trong thời đại bùng nổ cách mạng, tôi gọi tên đã nói ở trên là những người hoàn thiện.

Tính hai mặt của vị trí lịch sử của Glazunov với tư cách là một nghệ sĩ của thời kỳ quá độ được xác định, một mặt, bởi mối liên hệ chặt chẽ của ông với hệ thống quan điểm, tư tưởng và chuẩn mực thẩm mỹ chung của thời đại trước, mặt khác, bởi sự trưởng thành. trong công việc của mình về một số xu hướng mới đã phát triển đầy đủ vào thời gian sau đó. Ông bắt đầu hoạt động vào thời điểm mà “thời kỳ hoàng kim” của âm nhạc cổ điển Nga, tiêu biểu là các tên tuổi của Glinka, Dargomyzhsky và những người kế nhiệm họ thuộc thế hệ “sáu mươi”, vẫn chưa qua đi. Năm 1881, Rimsky-Korsakov, dưới sự hướng dẫn của Glazunov, đã nắm được những kiến ​​thức cơ bản của kỹ thuật sáng tác, đã sáng tác The Snow Maiden, một tác phẩm đánh dấu bước khởi đầu cho sự trưởng thành sáng tạo cao của tác giả. Những năm 80 và đầu những năm 90 là thời kỳ thịnh vượng nhất đối với Tchaikovsky. Đồng thời, Balakirev, trở lại với sự sáng tạo âm nhạc sau một cuộc khủng hoảng tinh thần nghiêm trọng mà anh phải chịu đựng, tạo ra một số sáng tác hay nhất của mình.

Hoàn toàn tự nhiên khi một nhà soạn nhạc đầy tham vọng, chẳng hạn như Glazunov, đã thành hình dưới ảnh hưởng của bầu không khí âm nhạc xung quanh anh ta và không thoát khỏi ảnh hưởng của những người thầy và đồng đội lớn tuổi của anh ta. Các tác phẩm đầu tiên của ông mang dấu ấn đáng chú ý của khuynh hướng "Kuchkist". Đồng thời, một số tính năng mới đã xuất hiện trong chúng. Trong một bài đánh giá về buổi biểu diễn Bản giao hưởng đầu tiên của mình trong buổi hòa nhạc của Trường Âm nhạc Tự do vào ngày 17 tháng 1882 năm 16, do Balakirev thực hiện, Cui ghi nhận sự rõ ràng, đầy đủ và đủ tin tưởng vào sự thể hiện ý định của anh ấy bởi một cậu bé XNUMX tuổi. tác giả: “Anh ấy hoàn toàn có khả năng thể hiện những gì anh ấy muốn, và sonhư anh ấy muốn. ” Sau đó, Asafiev thu hút sự chú ý đến "sự xác định trước, dòng chảy vô điều kiện" mang tính xây dựng trong âm nhạc của Glazunov như một thể loại được cho sẵn, vốn có trong bản chất tư duy sáng tạo của ông: "Cứ như thể Glazunov không tạo ra âm nhạc, nhưng Nó có được tạo ra, để những kết cấu phức tạp nhất của âm thanh do chính họ đưa ra và không được tìm thấy, chúng chỉ đơn giản được viết ra (“cho trí nhớ”), và không được thể hiện như kết quả của cuộc đấu tranh với những tài liệu mơ hồ kiên cường. Sự đều đặn hợp lý chặt chẽ này của dòng tư tưởng âm nhạc không bị ảnh hưởng bởi tốc độ và sự dễ dàng trong sáng tác, điều đặc biệt nổi bật ở chàng trai trẻ Glazunov trong suốt hai thập kỷ hoạt động sáng tác đầu tiên của anh.

Từ đó sẽ là sai lầm khi kết luận rằng quá trình sáng tạo của Glazunov diễn ra hoàn toàn không suy nghĩ, không có bất kỳ nỗ lực nội tại nào. Ông có được khuôn mặt của chính tác giả của mình là kết quả của quá trình làm việc chăm chỉ và chăm chỉ để cải thiện kỹ thuật của nhà soạn nhạc và làm phong phú thêm các phương tiện sáng tác âm nhạc. Sự quen thuộc với Tchaikovsky và Taneyev đã giúp khắc phục sự đơn điệu của các kỹ thuật được nhiều nhạc sĩ chú ý trong các tác phẩm đầu tiên của Glazunov. Cảm xúc cởi mở và kịch tính bùng nổ trong âm nhạc của Tchaikovsky vẫn xa lạ với sự gò bó, hơi khép kín và ức chế trong những khám phá tâm linh của ông Glazunov. Trong một bài tiểu luận hồi ký ngắn gọn, “Sự quen biết của tôi với Tchaikovsky,” được viết sau này rất nhiều, Glazunov nhận xét: “Về bản thân tôi, tôi sẽ nói rằng quan điểm của tôi về nghệ thuật khác với quan điểm của Tchaikovsky. Tuy nhiên, nghiên cứu các tác phẩm của anh ấy, tôi thấy ở họ rất nhiều điều mới mẻ và mang tính hướng dẫn cho chúng tôi, những nhạc sĩ trẻ lúc bấy giờ. Tôi thu hút sự chú ý của thực tế rằng, chủ yếu là một nhà thơ trữ tình giao hưởng, Pyotr Ilyich đã đưa các yếu tố của opera vào trong bản giao hưởng. Tôi bắt đầu không cúi đầu trước chất liệu chuyên đề của những sáng tạo của anh ấy, mà là sự phát triển đầy cảm hứng của suy nghĩ, tính khí và sự hoàn thiện của kết cấu nói chung.

Sự đồng ý với Taneyev và Laroche vào cuối những năm 80 đã góp phần thúc đẩy Glazunov quan tâm đến phức âm, hướng ông nghiên cứu công việc của các bậc thầy cũ của các thế kỷ XNUMXth-XNUMX. Sau đó, khi phải dạy một lớp phức điệu tại Nhạc viện St. Một trong những sinh viên yêu thích của ông, MO Steinberg, đã viết, nhớ lại những năm tháng học nhạc viện của mình: “Ở đây chúng tôi đã làm quen với các tác phẩm của những nhà phản bác vĩ đại của trường học Hà Lan và Ý… Tôi nhớ rõ AK Glazunov đã ngưỡng mộ kỹ năng vô song của Josquin, Orlando Lasso như thế nào. , Palestrina, Gabrieli, anh ta đã lây nhiễm cho chúng ta như thế nào, những chú gà con trẻ, những người vẫn còn kém thành thạo trong tất cả những mánh khóe này, với sự nhiệt tình.

Những sở thích mới này đã khiến các cố vấn của Glazunov tại St. Rimsky-Korsakov trong “Biên niên sử” một cách thận trọng và hạn chế, nhưng khá rõ ràng, nói về các xu hướng mới trong vòng kết nối Belyaev, được kết nối với nhà hàng “ngồi” của Glazunov và Lyadov với Tchaikovsky, kéo dài sau nửa đêm, về mức độ thường xuyên hơn cuộc họp với Laroche. “Thời gian mới - chim mới, chim mới - bài hát mới,” ông lưu ý về vấn đề này. Những câu nói bằng miệng của ông trong vòng kết nối bạn bè và những người cùng chí hướng thì thẳng thắn và rõ ràng hơn. Trong ghi chú của VV Yastrebtsev, có những nhận xét về “ảnh hưởng rất mạnh mẽ của những ý tưởng của Laroshev (của Taneev?) Đối với Glazunov, về“ Glazunov người đã hoàn toàn phát điên ”, khiển trách rằng anh ta“ chịu ảnh hưởng của S. Taneyev (và có thể Laroche) có phần nguội lạnh về phía Tchaikovsky.

Những lời buộc tội như vậy khó có thể được coi là công bằng. Mong muốn mở rộng tầm nhìn âm nhạc của Glazunov không liên quan đến việc từ bỏ những thiện cảm và tình cảm trước đây của ông: nó được gây ra bởi một mong muốn hoàn toàn tự nhiên vượt ra khỏi những quan điểm hạn hẹp "chỉ thị" hoặc vòng tròn, để vượt qua sức ì của các chuẩn mực thẩm mỹ định kiến ​​và Tiêu chí đánh giá. Glazunov kiên quyết bảo vệ quyền độc lập và độc lập phán xét của mình. Quay sang SN Kruglikov với yêu cầu báo cáo về buổi biểu diễn Serenade của anh ấy cho dàn nhạc trong buổi hòa nhạc của Moscow RMO, anh ấy viết: “Hãy viết về buổi biểu diễn và kết quả của tôi tại buổi tối với Taneyev. Balakirev và Stasov khiển trách tôi về điều này, nhưng tôi kiên quyết không đồng ý với họ và không đồng ý, ngược lại, tôi coi đây là một số loại cuồng tín về phía họ. Nói chung, trong những vòng kết nối khép kín, “không thể tiếp cận được”, như vòng kết nối của chúng tôi, có rất nhiều thiếu sót nhỏ và những lỗi lầm của phụ nữ.

Theo đúng nghĩa của từ này, sự quen biết của Glazunov với Der Ring des Nibelungen của Wagner, được biểu diễn bởi một đoàn opera Đức đã đi lưu diễn ở St.Petersburg vào mùa xuân năm 1889, là một điều mặc khải. Sự kiện này buộc ông phải thay đổi hoàn toàn thái độ hoài nghi trước đây đối với Wagner, mà trước đây ông đã chia sẻ với các nhà lãnh đạo của “trường học Nga mới”. Sự ngờ vực và xa lánh được thay thế bằng một niềm đam mê nóng bỏng, cuồng nhiệt. Glazunov, như anh ta thừa nhận trong một bức thư gửi Tchaikovsky, "tin tưởng vào Wagner." Tuy nhiên, bị mắc kẹt bởi “sức mạnh nguyên bản” của âm thanh của dàn nhạc Wagner, theo cách nói của riêng mình, anh ấy “đã đánh mất sở thích của bất kỳ nhạc cụ nào khác”, mà không quên đặt trước một điều quan trọng: “tất nhiên, trong một thời gian. ” Lần này, niềm đam mê của Glazunov được chia sẻ bởi người thầy Rimsky-Korsakov, người đã chịu ảnh hưởng của bảng âm thanh sang trọng, đa dạng về màu sắc của tác giả The Ring.

Luồng ấn tượng mới tràn qua người nhạc sĩ trẻ với một cá tính sáng tạo vẫn chưa định hình và còn mỏng manh đôi khi khiến anh ta bối rối: phải mất thời gian để trải nghiệm và thấu hiểu tất cả những điều này trong nội tâm, để tìm ra con đường của mình giữa sự phong phú của các trào lưu, quan điểm nghệ thuật khác nhau. và thẩm mỹ đã mở ra trước mắt anh ta. Điều này gây ra những khoảnh khắc do dự và tự nghi ngờ về bản thân, về bài viết mà ông viết vào năm 1890 cho Stasov, người đã nhiệt tình chào đón những buổi biểu diễn đầu tiên của ông với tư cách là một nhà soạn nhạc: “Ban đầu mọi thứ đều dễ dàng đối với tôi. Bây giờ, từng chút một, sự khéo léo của tôi có phần bị thui chột, và tôi thường trải qua những khoảnh khắc đau đớn về sự nghi ngờ và do dự, cho đến khi tôi dừng lại ở một điều gì đó, và rồi mọi thứ vẫn tiếp tục như trước… “. Đồng thời, trong một bức thư gửi Tchaikovsky, Glazunov thừa nhận những khó khăn mà ông đã trải qua trong quá trình thực hiện các ý tưởng sáng tạo của mình vì “sự khác biệt trong quan điểm của cái cũ và cái mới”.

Glazunov cảm thấy nguy hiểm của việc tuân theo các mô hình “Kuchkist” trong quá khứ một cách mù quáng và thiếu cân nhắc, điều này đã khiến tác phẩm của một nhà soạn nhạc kém tài năng hơn phải lặp lại một cách phiến diện về những gì đã được thông qua và làm chủ. “Mọi thứ mới mẻ và tài năng trong những năm 60 và 70,” ông viết cho Kruglikov, “bây giờ, nói một cách gay gắt (thậm chí là quá đáng), đều bị nhại lại, và do đó những người theo trường phái tài năng trước đây của các nhà soạn nhạc Nga làm điều đó sau này một dịch vụ rất tệ ”. Rimsky-Korsakov cũng bày tỏ những nhận định tương tự dưới hình thức cởi mở và dứt khoát hơn, khi so sánh tình trạng của “trường học Nga mới” vào đầu những năm 90 với “một gia đình sắp tàn” hay “một khu vườn khô héo”. “… Tôi hiểu rồi,” anh ấy viết cho cùng một người nhận địa chỉ mà Glazunov đã nói chuyện với những phản ánh không vui của anh ấy, “rằng trường học tiếng Nga mới hoặc một nhóm hùng mạnh chết, hoặc bị biến đổi thành một thứ khác, hoàn toàn không mong muốn.

Tất cả những đánh giá và phản ánh quan trọng này đều dựa trên ý thức về sự cạn kiệt của một loạt hình ảnh và chủ đề nhất định, nhu cầu tìm kiếm những ý tưởng và cách thể hiện nghệ thuật mới của chúng. Nhưng phương tiện để đạt được mục tiêu này, thầy và trò đã tìm kiếm trên những con đường khác nhau. Tin tưởng vào mục đích tinh thần cao cả của nghệ thuật, nhà dân chủ-giáo dục Rimsky-Korsakov, trước hết, nỗ lực để làm chủ những nhiệm vụ mới có ý nghĩa, khám phá những khía cạnh mới trong đời sống con người và nhân cách con người. Đối với Glazunov thụ động hơn về mặt tư tưởng, điều chính yếu là không việc này, as, nhiệm vụ của một kế hoạch âm nhạc cụ thể đã được đưa lên hàng đầu. Ossovsky, người hiểu rõ về nhà soạn nhạc, viết: “Nhiệm vụ văn học, khuynh hướng triết học, đạo đức hoặc tôn giáo, những ý tưởng về hình ảnh đều xa lạ với anh ấy. AK Glazunov chỉ quan tâm đến âm nhạc và duy nhất thơ ca của riêng cô - vẻ đẹp của cảm xúc tinh thần.

Nếu trong nhận định này có một phần sắc bén mang tính luận chiến có chủ đích, gắn liền với sự phản cảm mà chính Glazunov đã nhiều lần bày tỏ với những lời giải thích chi tiết về ý đồ âm nhạc, thì về tổng thể, vị trí của nhà soạn nhạc đã được Ossovsky đặc tả một cách chính xác. Trải qua khoảng thời gian tìm kiếm và sở thích trái ngược nhau trong suốt những năm tự quyết định sáng tạo, Glazunov trong những năm trưởng thành của mình đã đến với một nghệ thuật trí tuệ có tính khái quát cao, không thoát khỏi quán tính hàn lâm, mà hoàn toàn khắt khe về thị hiếu, rõ ràng và toàn bộ nội tâm.

Âm nhạc của Glazunov chủ yếu là những âm điệu nhẹ nhàng, nam tính. Ông không được đặc trưng bởi sự nhạy cảm thụ động nhẹ nhàng vốn là đặc điểm của Tchaikovsky, hay kịch tính sâu sắc và mạnh mẽ của tác giả Pathetique. Nếu những tia hào hứng kịch tính nồng nàn đôi khi xuất hiện trong các tác phẩm của ông, thì chúng nhanh chóng biến mất, nhường chỗ cho sự chiêm nghiệm bình lặng, hài hòa về thế giới, và sự hài hòa này đạt được không phải bằng cách chiến đấu và vượt qua những xung đột tinh thần gay gắt, mà là , được thiết lập trước. (“Điều này hoàn toàn trái ngược với Tchaikovsky!” Ossovsky nhận xét về Bản giao hưởng thứ tám của Glazunov..

Glazunov thường được gán cho những nghệ sĩ thuộc loại khách quan, những người mà cá nhân không bao giờ đề cao, được thể hiện dưới hình thức hạn chế, im lặng. Tự nó, tính khách quan của thế giới quan nghệ thuật không loại trừ cảm giác về tính năng động của các quá trình sống và thái độ tích cực, hiệu quả đối với chúng. Nhưng không giống như Borodin, chẳng hạn, chúng ta không tìm thấy những phẩm chất này trong cá tính sáng tạo của Glazunov. Trong dòng chảy đều đặn và mượt mà của tư tưởng âm nhạc của ông, chỉ đôi khi bị xáo trộn bởi những biểu hiện mang tính chất trữ tình mãnh liệt hơn, đôi khi người ta cảm thấy một chút ức chế nội tâm. Sự phát triển theo chủ đề cường độ cao được thay thế bằng một loại trò chơi gồm các phân đoạn giai điệu nhỏ, có nhiều biến thể nhịp điệu và âm sắc khác nhau hoặc được đan xen liên tục, tạo thành một trang trí ren phức tạp và đầy màu sắc.

Vai trò của phức âm như một phương tiện phát triển chuyên đề và xây dựng một dạng hoàn chỉnh tích hợp ở Glazunov là vô cùng to lớn. Ông sử dụng rộng rãi các kỹ thuật khác nhau của nó, cho đến những loại phức tạp nhất của đối âm có thể di chuyển theo chiều dọc, về mặt này, ông là một học trò trung thành và là môn đồ của Taneyev, người mà ông thường có thể cạnh tranh về kỹ năng đa âm. Mô tả Glazunov là “nhà đối lập vĩ đại của Nga, đứng trên hành trình từ thế kỷ XNUMX đến thế kỷ thứ XNUMX”, Asafiev nhận thấy bản chất của “thế giới quan âm nhạc” trong thiên hướng viết đa âm của ông. Mức độ bão hòa cao của vải nhạc với polyphony mang lại cho nó một dòng chảy mượt mà đặc biệt, nhưng đồng thời cũng có độ nhớt nhất định và không hoạt động. Như chính Glazunov nhớ lại, khi được hỏi về những thiếu sót trong cách viết của mình, Tchaikovsky đã trả lời ngắn gọn: "Một số đoạn dài và thiếu khoảng dừng." Chi tiết được Tchaikovsky nắm bắt một cách khéo léo có được một ý nghĩa cơ bản quan trọng trong bối cảnh này: tính linh hoạt liên tục của kết cấu âm nhạc dẫn đến sự suy yếu của sự tương phản và che khuất ranh giới giữa các cấu trúc chủ đề khác nhau.

Một trong những đặc điểm của âm nhạc Glazunov, đôi khi khiến người ta khó cảm nhận, Karatygin cho rằng “tính gợi ý tương đối thấp” của nó ”hoặc, như nhà phê bình giải thích,“ sử dụng thuật ngữ của Tolstoy, khả năng hạn chế của Glazunov trong việc 'lây nhiễm' cho người nghe với những điểm nhấn 'thảm hại' trong nghệ thuật của anh ấy. " Cảm xúc trữ tình cá nhân không được tuôn ra trong âm nhạc của Glazunov một cách dữ dội và trực tiếp, chẳng hạn như trong Tchaikovsky hay Rachmaninoff. Và đồng thời, người ta khó có thể đồng ý với Karatygin rằng cảm xúc của tác giả “luôn bị đè bẹp bởi một bề dày khổng lồ của kỹ xảo thuần túy.” Âm nhạc của Glazunov không xa lạ với sự chân thành và ấm áp trữ tình, phá vỡ lớp giáp của những phức điệu phức tạp và khéo léo nhất, nhưng lời bài hát của ông vẫn giữ được những nét đặc trưng của sự kiềm chế, trong sáng và sự yên bình chiêm nghiệm vốn có trong toàn bộ hình ảnh sáng tạo của nhà soạn nhạc. Giai điệu của nó, không có điểm nhấn biểu cảm sắc nét, được phân biệt bởi vẻ đẹp dẻo và độ tròn, đều và triển khai nhanh chóng.

Điều đầu tiên nảy sinh khi nghe nhạc của Glazunov là cảm giác về mật độ bao trùm, sự phong phú và phong phú của âm thanh, và chỉ khi đó, khả năng tuân theo sự phát triển thường xuyên nghiêm ngặt của một cấu trúc đa âm phức tạp và tất cả các biến thể thay đổi trong các chủ đề chính mới xuất hiện. . Không phải vai cuối cùng trong lĩnh vực này được diễn bởi ngôn ngữ hài hòa đầy màu sắc và dàn nhạc Glazunov đầy đủ âm thanh phong phú. Tư duy hòa âm phối khí của nhà soạn nhạc, được hình thành dưới ảnh hưởng của cả những người tiền nhiệm người Nga gần gũi nhất của ông (chủ yếu là Borodin và Rimsky-Korsakov), và tác giả của Der Ring des Nibelungen, cũng có một số nét riêng. Trong một cuộc trò chuyện về “Hướng dẫn sử dụng nhạc cụ”, Rimsky-Korsakov từng nhận xét: “Dàn nhạc của tôi rõ ràng hơn và mang tính hình tượng hơn của Alexander Konstantinovich, nhưng mặt khác, hầu như không có ví dụ nào về một“ bản nhạc giao hưởng tuyệt vời, ”Trong khi Glazunov chỉ có những ví dụ về công cụ như vậy và như vậy. bao nhiêu tùy thích, bởi vì, nói chung, dàn nhạc của anh ấy dày đặc hơn và sáng sủa hơn của tôi.

Dàn nhạc của Glazunov không lấp lánh và tỏa sáng, lung linh với nhiều màu sắc khác nhau như của Korsakov: vẻ đẹp đặc biệt của nó là ở độ đều và độ chuyển dần dần, tạo ấn tượng về sự lắc lư uyển chuyển của khối âm thanh lớn, nhỏ gọn. Nhà soạn nhạc không cố gắng quá nhiều để phân biệt và đối lập của các âm sắc nhạc cụ, mà là sự kết hợp của chúng, suy nghĩ trong các lớp dàn nhạc lớn, sự so sánh giữa chúng giống như sự thay đổi và luân phiên của các thanh ghi khi chơi đàn organ.

Với tất cả các nguồn văn phong đa dạng, tác phẩm của Glazunov là một hiện tượng khá toàn vẹn và hữu cơ. Bất chấp những đặc điểm cố hữu của nó là sự cô lập trong học thuật nổi tiếng và tách rời khỏi những vấn đề thực tế của thời đại, nó có thể gây ấn tượng bằng sức mạnh bên trong, sự lạc quan vui vẻ và sự phong phú về màu sắc, chưa kể đến kỹ năng tuyệt vời và suy nghĩ cẩn thận của tất cả các thông tin chi tiết.

Người sáng tác đã không đi đến sự thống nhất và hoàn chỉnh của phong cách này ngay lập tức. Thập kỷ sau Bản giao hưởng đầu tiên đối với anh ta là khoảng thời gian tìm kiếm và làm việc chăm chỉ cho bản thân, lang thang giữa nhiều nhiệm vụ và mục tiêu thu hút anh ta mà không có một sự hỗ trợ vững chắc nhất định, và đôi khi rõ ràng là ảo tưởng và thất bại. Chỉ đến khoảng giữa những năm 90, anh mới vượt qua được những cám dỗ và cám dỗ dẫn đến những sở thích cực đoan một chiều và bước vào con đường rộng lớn của hoạt động sáng tạo độc lập. Khoảng thời gian tương đối ngắn từ mười đến mười hai năm vào đầu thế kỷ 1905 và 1906 đối với Glazunov là thời kỳ phát triển sáng tạo cao nhất, khi hầu hết các tác phẩm hay nhất, trưởng thành nhất và có ý nghĩa nhất của ông được tạo ra. Trong số đó có năm bản giao hưởng (bao gồm từ bản thứ tư đến thứ tám), bản tứ tấu thứ tư và thứ năm, Violin Concerto, cả hai bản sonata cho piano, cả ba bản ba lê và một số bản khác. Khoảng sau XNUMX – XNUMX, sự sụt giảm đáng kể trong hoạt động sáng tạo bắt đầu và tăng đều đặn cho đến cuối cuộc đời của nhà soạn nhạc. Một phần, sự sụt giảm năng suất đột ngột như vậy có thể được giải thích bởi hoàn cảnh bên ngoài và trên hết là do công việc giáo dục, tổ chức và hành chính lớn, tốn nhiều thời gian đã đổ lên vai Glazunov liên quan đến việc ông được bầu vào chức vụ giám đốc Nhạc viện St.Petersburg. Nhưng có những lý do của trật tự nội tại, chủ yếu bắt nguồn từ việc bác bỏ mạnh mẽ những xu hướng mới nhất đã khẳng định mình một cách kiên quyết và nghiêm túc trong tác phẩm và trong đời sống âm nhạc của đầu thế kỷ XNUMX, và một phần, có lẽ, trong một số động cơ cá nhân đã vẫn chưa được làm sáng tỏ đầy đủ. .

Trong bối cảnh các quá trình nghệ thuật đang phát triển, các vị trí của Glazunov ngày càng có tính học thuật và bảo vệ. Hầu như tất cả âm nhạc châu Âu thời hậu Wagnerian đều bị ông từ chối một cách dứt khoát: trong tác phẩm của Richard Strauss, ông không tìm thấy gì ngoài “những bản giao hưởng ghê tởm”, những người theo trường phái Ấn tượng Pháp vừa xa lạ vừa phản cảm đối với ông. Trong số các nhà soạn nhạc Nga, Glazunov có thiện cảm ở một mức độ nhất định với Scriabin, người được đón nhận nồng nhiệt trong giới Belyaev, ngưỡng mộ Bản Sonata thứ tư của ông, nhưng không thể chấp nhận Bài thơ của Ecstasy, một tác phẩm gây “chán nản” đối với ông. Ngay cả Rimsky-Korsakov cũng bị Glazunov đổ lỗi vì trong các bài viết của mình, ông “ở một mức độ nào đó đã tỏ lòng tôn kính thời đại của mình”. Và hoàn toàn không thể chấp nhận được đối với Glazunov là tất cả những gì Stravinsky và Prokofiev thời trẻ đã làm, chưa kể đến những xu hướng âm nhạc sau này của những năm 20.

Thái độ như vậy đối với mọi thứ mới mẻ nhất định mang lại cho Glazunov cảm giác cô đơn trong sáng tạo, điều này không góp phần tạo ra bầu không khí thuận lợi cho công việc sáng tác của chính ông. Cuối cùng, có thể là sau một số năm “tự hiến thân” cho công việc của Glazunov, ông chỉ đơn giản là không thể tìm thấy điều gì khác để nói nếu không tự hát lại chính mình. Trong những điều kiện này, ở một mức độ nào đó, làm việc tại nhạc viện có thể làm suy yếu và xoa dịu cảm giác trống trải đó, điều không thể nhưng nảy sinh do năng suất sáng tạo sụt giảm nghiêm trọng. Có thể là như vậy, kể từ năm 1905, trong những bức thư của ông, người ta liên tục nhận được những lời phàn nàn về khó khăn trong việc sáng tác, thiếu suy nghĩ mới, “thường xuyên nghi ngờ” và thậm chí không muốn viết nhạc.

Để đáp lại một bức thư từ Rimsky-Korsakov chưa gửi cho chúng tôi, dường như đang chỉ trích người học trò yêu quý của mình vì hành động không sáng tạo của anh ấy, Glazunov đã viết vào tháng 1905 năm 80: Bạn, người yêu quý của tôi, người mà tôi ghen tị vì pháo đài sức mạnh, và cuối cùng, Tôi chỉ sống đến 60 tuổi… Tôi cảm thấy rằng qua nhiều năm tôi ngày càng trở nên không thích hợp để phục vụ mọi người hoặc ý tưởng. Lời thú nhận cay đắng này phản ánh hậu quả của căn bệnh kéo dài của Glazunov và tất cả những gì ông trải qua liên quan đến các sự kiện của năm 40. Nhưng ngay cả khi đó, khi độ sắc nét của những trải nghiệm này trở nên mờ nhạt, ông không cảm thấy cần phải sáng tạo âm nhạc gấp. Với tư cách là một nhà soạn nhạc, Glazunov đã thể hiện hoàn toàn bản thân ở tuổi bốn mươi, và tất cả những gì ông viết trong ba mươi năm còn lại chỉ thêm chút ít vào những gì ông đã tạo ra trước đó. Trong một báo cáo về Glazunov, được đọc vào năm 1905, Ossovsky ghi nhận “sự suy giảm sức mạnh sáng tạo” của nhà soạn nhạc kể từ năm 1949, nhưng trên thực tế, sự suy giảm này đến sớm hơn một thập kỷ. Danh sách các sáng tác nguyên bản mới của Glazunov từ cuối Bản giao hưởng thứ tám (1917–1905) đến mùa thu năm XNUMX được giới hạn trong một chục bản hòa tấu, chủ yếu ở dạng nhỏ. (Tác phẩm về Bản giao hưởng thứ chín, được hình thành vào đầu năm 1904, cùng tên với Bản thứ tám, không tiến triển ngoài bản phác thảo của phong trào đầu tiên.), và âm nhạc cho hai buổi biểu diễn kịch - "Vua của người Do Thái" và "Lễ hội hóa trang". Hai bản hòa tấu piano, ngày 1911 và 1917, là sự thực hiện của những ý tưởng trước đó.

Sau Cách mạng Tháng Mười, Glazunov vẫn là giám đốc Nhạc viện Petrograd-Leningrad, tham gia tích cực vào các sự kiện âm nhạc và giáo dục khác nhau, và tiếp tục biểu diễn với tư cách là nhạc trưởng. Nhưng sự bất hòa của ông với các xu hướng đổi mới trong lĩnh vực sáng tạo âm nhạc ngày càng sâu sắc và ngày càng có nhiều hình thức gay gắt hơn. Các xu hướng mới đã nhận được sự đồng tình và ủng hộ của một bộ phận giáo sư nhạc viện, những người đã tìm cách cải cách trong quá trình giáo dục và đổi mới các tiết mục mà các sinh viên trẻ được nuôi dưỡng. Về vấn đề này, các tranh chấp và bất đồng nảy sinh, kết quả là lập trường của Glazunov, người kiên quyết bảo vệ sự trong sạch và bất khả xâm phạm của các nền tảng truyền thống của trường phái Rimsky-Korsakov, ngày càng trở nên khó khăn hơn và thường là mơ hồ.

Đây là một trong những lý do tại sao, khi rời đến Vienna vào năm 1928 với tư cách là thành viên ban giám khảo của Cuộc thi Quốc tế được tổ chức nhân kỷ niệm một trăm năm ngày mất của Schubert, ông không bao giờ trở về quê hương của mình. Việc tách khỏi môi trường quen thuộc và những người bạn cũ Glazunov đã trải qua nhiều khó khăn. Bất chấp thái độ tôn trọng của các nhạc sĩ nước ngoài lớn nhất đối với ông, cảm giác cô đơn cá nhân và sáng tạo vẫn không khiến nhà soạn nhạc trẻ ốm yếu và không còn trẻ, người buộc phải có một lối sống bận rộn và mệt mỏi với tư cách là một nhạc trưởng lưu diễn. Ở nước ngoài, Glazunov đã viết một số tác phẩm, nhưng chúng không mang lại cho ông nhiều sự hài lòng. Tâm trí của ông trong những năm cuối đời có thể được đặc trưng bởi những dòng trong bức thư gửi MO Steinberg ngày 26 tháng 1929 năm XNUMX: “Như Poltava nói về Kochubey, tôi cũng có ba điều quý giá - sự sáng tạo, sự kết nối với tổ chức và buổi hòa nhạc yêu thích của tôi các buổi biểu diễn. Có điều gì đó không ổn với tác phẩm trước, và sự quan tâm đến các tác phẩm sau đang nguội dần, có lẽ một phần là do sự xuất hiện muộn màng của chúng trên bản in. Quyền hạn của tôi với tư cách là một nhạc sĩ cũng đã giảm đáng kể… Vẫn còn hy vọng cho “thuyết colporterism” (Từ colporterism tiếng Pháp - để truyền bá, phân phối. Glazunov có nghĩa là những lời của Glinka, nói trong một cuộc trò chuyện với Meyerbeer: “Tôi không có xu hướng phân phát sáng tác của tôi ”) về âm nhạc của chính tôi và của người khác mà tôi vẫn giữ được sức lực và năng lực làm việc của mình. Đây là nơi tôi đặt dấu chấm hết cho nó ”.

* * *

Tác phẩm của Glazunov từ lâu đã được công nhận rộng rãi và trở thành một phần không thể thiếu trong di sản âm nhạc cổ điển Nga. Nếu tác phẩm của ông không gây chấn động cho người nghe, không chạm đến tầng sâu thẳm nhất của đời sống tinh thần, thì chúng có thể mang lại niềm vui và thú vị thẩm mỹ bằng sức mạnh nguyên tố và tính toàn vẹn bên trong, kết hợp với sự sáng suốt sáng suốt của tư tưởng, sự hài hòa và trọn vẹn của hiện thân. Nhà soạn nhạc của ban nhạc “chuyển tiếp”, nằm giữa hai thời đại hoàng kim tươi sáng của âm nhạc Nga, ông không phải là người đổi mới, người khám phá ra những con đường mới. Nhưng kỹ năng đồ sộ, hoàn hảo nhất, cùng tài năng thiên bẩm, sự giàu có và lòng hào hiệp sáng tạo đã cho phép ông tạo ra nhiều tác phẩm có giá trị nghệ thuật cao, vẫn không mất đi tính thời sự sôi nổi. Là một giáo viên và người của công chúng, Glazunov đã đóng góp rất nhiều vào sự phát triển và củng cố nền tảng của văn hóa âm nhạc Nga. Tất cả những điều này xác định tầm quan trọng của ông như một trong những nhân vật trung tâm của văn hóa âm nhạc Nga vào đầu thế kỷ XNUMX.

Yu. Nào