Alfred Brendel |

Alfred Brandel

Bằng cách nào đó, dần dần, không còn cảm giác và sự ồn ào của quảng cáo, vào giữa những năm 70, Alfred Brendel đã trở thành bậc thầy của chủ nghĩa piano hiện đại. Cho đến gần đây, tên của ông được gọi cùng với tên của những người bạn đồng trang lứa và bạn học - I. Demus, P. Badur-Skoda, I. Hebler; ngày nay nó thường được tìm thấy kết hợp với tên của những công trình sáng như Kempf, Richter hoặc Gilels. Ông được gọi là một trong những người kế vị xứng đáng và có lẽ là xứng đáng nhất của Edwin Fisher.

Đối với những người đã quen thuộc với sự phát triển sáng tạo của nghệ sĩ, đề cử này không có gì bất ngờ: nó đã được định sẵn bởi sự kết hợp hài hòa giữa dữ liệu nghệ sĩ piano tuyệt vời, trí tuệ và khí chất, dẫn đến sự phát triển hài hòa của tài năng, thậm chí mặc dù Brendel không nhận được một nền giáo dục có hệ thống. Những năm thơ ấu của ông đã trải qua ở Zagreb, nơi cha mẹ của nghệ sĩ tương lai cất một khách sạn nhỏ, và con trai ông phục vụ một chiếc máy hát cũ trong một quán cà phê, nơi trở thành “người thầy” âm nhạc đầu tiên của ông. Trong nhiều năm, anh học theo giáo viên L. Kaan, nhưng đồng thời anh cũng thích vẽ tranh và đến năm 17 tuổi, anh vẫn chưa quyết định mình thích nghề nào trong số hai nghề. Brendle trao quyền lựa chọn… cho công chúng: ông đồng thời sắp xếp một cuộc triển lãm tranh của mình ở Graz, nơi gia đình chuyển đến, và tổ chức một buổi hòa nhạc cá nhân. Rõ ràng, thành công của nghệ sĩ piano hóa ra là rất lớn, bởi vì bây giờ sự lựa chọn đã được thực hiện.

• Nhạc piano trong cửa hàng trực tuyến Ozon →

Dấu mốc đầu tiên trên con đường nghệ thuật của Brendel là chiến thắng vào năm 1949 tại cuộc thi Piano Busoni mới thành lập ở Bolzano. Cô ấy đã mang lại cho anh ấy sự nổi tiếng (rất khiêm tốn), nhưng quan trọng nhất, cô ấy củng cố ý định cải thiện của anh ấy. Trong vài năm, ông đã tham gia các khóa học thành thạo do Edwin Fischer hướng dẫn ở Lucerne, học các bài học từ P. Baumgartner và E. Steuermann. Sống ở Vienna, Brendel gia nhập thiên hà gồm những nghệ sĩ dương cầm tài năng trẻ, những người đã nổi lên sau chiến tranh ở Áo, nhưng lúc đầu chiếm một vị trí kém nổi bật hơn các đại diện khác của nó. Trong khi tất cả chúng đều đã khá nổi tiếng ở châu Âu và hơn thế nữa, Brendle vẫn được coi là "hứa ​​hẹn". Và điều này là tự nhiên ở một mức độ nào đó. Không giống như những người bạn đồng trang lứa, có lẽ anh đã chọn con đường nghệ thuật trực tiếp nhất, nhưng xa nhất: anh không khép mình trong khuôn khổ hàn lâm thính phòng, như Badura-Skoda, không nhờ đến sự trợ giúp của các nhạc cụ cổ xưa, như Demus, không chuyên về một hoặc hai tác giả, như Hebler, anh không vội vã “chuyển từ Beethoven sang jazz và trở lại”, như Gulda. Anh ấy chỉ khao khát được là chính mình, tức là một nhạc sĩ “bình thường”. Và cuối cùng nó đã được đền đáp, nhưng không phải ngay lập tức.

Đến giữa những năm 60, Brendel đã đi du lịch nhiều nước, thăm Hoa Kỳ, và thậm chí ghi vào hồ sơ ở đó, theo gợi ý của công ty Vox, gần như là bộ sưu tập hoàn chỉnh các tác phẩm piano của Beethoven. Vòng tròn sở thích của chàng nghệ sĩ trẻ vào thời điểm đó đã khá rộng. Trong số các bản thu âm của Brendle, chúng ta sẽ tìm thấy những tác phẩm khác xa tiêu chuẩn cho một nghệ sĩ piano ở thế hệ của ông - Bức tranh của Mussorgsky tại một cuộc triển lãm, Islamey của Balakirev. Petrushka của Stravinsky, Pieces (op. 19) và Concerto (op. 42) của Schoenberg, các tác phẩm của R. Strauss và Contrapuntal Fantasy của Busoni, và cuối cùng là Concerto thứ năm của Prokofiev. Cùng với đó, Brendle tham gia rất nhiều và sẵn sàng tham gia vào các buổi hòa tấu thính phòng: ông đã thu âm chu trình Schubert “Cô gái của Miller xinh đẹp” với G. Prey, Bản Sonata của Bartok cho hai cây đàn piano với bộ gõ, Beethoven và Mozart's Piano và Wind Quintets, Brahms 'Hungary Dances and Stravinsky's Concerto for Two Pianos ... Nhưng trung tâm của tiết mục của ông, về tất cả những điều đó, là những tác phẩm kinh điển của Vienna - Mozart, Beethoven, Schubert, cũng như - Liszt và Schumann. Trở lại năm 1962, buổi tối Beethoven của ông đã được công nhận là đỉnh cao của Liên hoan Vienna tiếp theo. Nhà phê bình F. Vilnauer vào thời điểm đó viết: “Brandl chắc chắn là đại diện quan trọng nhất của trường phái trẻ Vienna. “Beethoven nghe như thể ông đã quen thuộc với những thành tựu của các tác giả đương thời. Nó cung cấp bằng chứng đáng khích lệ rằng giữa trình độ sáng tác hiện tại và trình độ ý thức của người phiên dịch có một mối liên hệ nội tâm sâu sắc, điều hiếm thấy giữa các nghệ sĩ và nghệ sĩ thông thường biểu diễn trong phòng hòa nhạc của chúng tôi. Đó là sự thừa nhận tư duy diễn giải hiện đại sâu sắc của nghệ sĩ. Chẳng bao lâu, ngay cả một chuyên gia như I. Kaiser cũng gọi ông là “triết gia piano trong lĩnh vực Beethoven, Liszt, Schubert”, và sự kết hợp giữa tính khí bão táp và chủ nghĩa trí tuệ thận trọng khiến ông có biệt danh “triết gia piano hoang dã”. Trong số những giá trị không thể nghi ngờ về cách chơi của ông, các nhà phê bình cho rằng cường độ suy nghĩ và cảm giác quyến rũ, sự hiểu biết tuyệt vời về các quy luật của hình thức, kiến ​​trúc, logic và quy mô của sự phân cấp động, và sự chu đáo của kế hoạch biểu diễn. “Bản này được chơi bởi một người đàn ông đã nhận ra và nói rõ tại sao và theo hướng nào mà hình thức sonata phát triển,” Kaiser viết khi đề cập đến cách giải thích của mình về Beethoven.

Cùng với đó, nhiều khuyết điểm trong cách chơi của Brendle cũng lộ rõ ​​vào thời điểm đó - cách phối khí, cách diễn đạt cố ý, giọng cantilena yếu kém, không có khả năng truyền tải vẻ đẹp của thứ âm nhạc giản dị, không phô trương; Không phải vô cớ mà một trong những nhà phê bình đã khuyên anh nên chăm chú lắng nghe cách giải thích của E. Gilels về bản sonata của Beethoven (Op. 3, No. 2) “để hiểu những gì ẩn chứa trong bản nhạc này.” Rõ ràng, người nghệ sĩ tự phê bình và thông minh đã chú ý đến những lời khuyên này, bởi vì cách chơi của anh ấy trở nên đơn giản hơn, nhưng đồng thời biểu cảm hơn, hoàn hảo hơn.

Bước nhảy vọt về chất lượng diễn ra đã mang lại sự công nhận phổ biến cho Brendle vào cuối những năm 60. Điểm khởi đầu của sự nổi tiếng của anh ấy là một buổi hòa nhạc tại Hội trường Wigmore ở London, sau đó danh tiếng và các hợp đồng rơi vào tay nghệ sĩ theo đúng nghĩa đen. Kể từ đó, anh đã chơi và thu âm rất nhiều, không thay đổi, tuy nhiên, anh vốn có sự kỹ lưỡng trong việc lựa chọn và nghiên cứu tác phẩm.

Brendle, với tất cả những sở thích của mình, không cố gắng trở thành một nghệ sĩ piano phổ thông, mà ngược lại, giờ đây đang có xu hướng tự kiềm chế trong lĩnh vực biểu diễn. Các chương trình của ông bao gồm Beethoven (những bản sonata mà ông đã hai lần ghi vào đĩa hát), hầu hết các tác phẩm của Schubert, Mozart, Liszt, Brahms, Schumann. Nhưng anh ấy hoàn toàn không chơi Bach (tin rằng điều này đòi hỏi các nhạc cụ cổ) và Chopin (“Tôi yêu âm nhạc của anh ấy, nhưng nó đòi hỏi quá nhiều chuyên môn, và điều này khiến tôi mất liên lạc với các nhà soạn nhạc khác”).

Vẫn luôn biểu cảm, thấm đẫm cảm xúc, cách chơi của anh giờ đây đã trở nên hài hòa hơn rất nhiều, âm thanh đẹp hơn, giai điệu phong phú hơn. Nổi bật về mặt này là buổi biểu diễn bản concerto của Schoenberg, nhà soạn nhạc đương đại duy nhất, cùng với Prokofiev, người vẫn còn trong các tiết mục của nghệ sĩ dương cầm. Theo một trong những nhà phê bình, ông đã đến gần với lý tưởng, cách giải thích của nó hơn Gould, "bởi vì ông đã cố gắng cứu lấy vẻ đẹp mà Schoenberg muốn, nhưng không thể loại bỏ."

Alfred Brendel đã trải qua một con đường cực kỳ trực tiếp và tự nhiên từ một nghệ sĩ mới vào nghề trở thành một nhạc sĩ vĩ đại. “Thành thật mà nói, anh ấy là người duy nhất biện minh đầy đủ cho những hy vọng được đặt vào anh ấy khi đó,” I. Harden viết, đề cập đến tuổi trẻ của thế hệ nghệ sĩ piano Vienna mà Brendel thuộc về. Tuy nhiên, con đường thẳng mà Brendle lựa chọn không hề dễ dàng chút nào, nên hiện tại tiềm năng của nó vẫn còn lâu mới cạn kiệt. Điều này được chứng minh một cách thuyết phục không chỉ qua các buổi hòa nhạc và thu âm solo của anh ấy, mà còn bởi các hoạt động không ngừng và đa dạng của Brendel trong nhiều lĩnh vực khác nhau. Anh ấy tiếp tục biểu diễn trong các hòa tấu thính phòng, hoặc thu âm tất cả các sáng tác bằng tay bốn của Schubert với Evelyn Crochet, người đoạt giải của Cuộc thi Tchaikovsky mà chúng ta biết, hoặc biểu diễn các chu kỳ thanh nhạc của Schubert với D. Fischer-Dieskau tại các hội trường lớn nhất ở châu Âu và Mỹ; ông viết sách và bài báo, các bài giảng về các vấn đề diễn giải âm nhạc của Schumann và Beethoven. Tất cả điều này theo đuổi một mục tiêu chính - tăng cường mối liên hệ với âm nhạc và với người nghe, và người nghe của chúng tôi cuối cùng đã có thể “tận mắt chứng kiến” điều này trong chuyến lưu diễn của Brendel tại Liên Xô năm 1988.

Grigoriev L., Platek Ya., 1990