Grigory Lipmanovich Sokolov (Grigory Sokolov) |

Grigory Sokolov

Có một câu chuyện ngụ ngôn xưa kể về một lữ khách và một nhà thông thái gặp nhau trên một con đường vắng vẻ. “Có xa đến thị trấn gần nhất không?” du khách hỏi. “Đi,” nhà hiền triết trả lời cộc lốc. Ngạc nhiên trước ông già ít nói, lữ khách định đi tiếp thì chợt nghe phía sau: “Một giờ nữa ông sẽ tới nơi”. “Sao em không trả lời anh ngay? “Lẽ ra tôi nên nhìn tốc độ cho dù bước của bạn.

• Nhạc piano trong cửa hàng trực tuyến Ozon →

Nó quan trọng như thế nào – bước đi nhanh như thế nào … Thật vậy, không phải ngẫu nhiên mà một nghệ sĩ chỉ được đánh giá qua thành tích của anh ta tại một cuộc thi nào đó: anh ta có thể hiện tài năng, kỹ thuật, đào tạo, v.v. đoán về tương lai của anh ấy, quên rằng điều chính là bước tiếp theo của anh ấy. Nó sẽ được trơn tru và đủ nhanh. Grigory Sokolov, huy chương vàng của cuộc thi Tchaikovsky lần thứ ba (1966), đã có một bước tiếp theo nhanh chóng và tự tin.

Màn trình diễn của anh ấy trên sân khấu Moscow sẽ còn lưu danh trong lịch sử thi đấu trong một thời gian dài. Điều này thực sự không xảy ra rất thường xuyên. Lúc đầu, ở vòng đầu tiên, một số chuyên gia đã không giấu giếm nghi ngờ: liệu có đáng để đưa một nhạc sĩ trẻ như vậy, học sinh lớp XNUMX của trường vào trong số các thí sinh? (Khi Sokolov đến Moscow để tham gia Cuộc thi Tchaikovsky lần thứ ba, anh ấy mới mười sáu tuổi.). Sau giai đoạn thứ hai của cuộc thi, tên của M. Dichter người Mỹ, đồng hương của anh ấy là J. Dick và E. Auer, người Pháp F.-J. Thiolier, nghệ sĩ piano Liên Xô N. Petrov và A. Slobodyanik; Sokolov chỉ được nhắc đến một cách ngắn gọn và thoáng qua. Sau vòng thứ ba, anh được tuyên bố là người chiến thắng. Hơn nữa, người chiến thắng duy nhất thậm chí không chia sẻ giải thưởng của mình với người khác. Đối với nhiều người, đây là một điều hoàn toàn bất ngờ, kể cả bản thân ông. (“Tôi nhớ rõ rằng tôi đã đến Moscow, đến cuộc thi, chỉ để chơi, để thử sức mình. Tôi không tính đến bất kỳ chiến tích giật gân nào. Có lẽ, đây là điều đã giúp tôi…”) (Một tuyên bố mang tính triệu chứng, theo nhiều cách lặp lại hồi ký của R. Kerer. Về mặt tâm lý học, những phán đoán kiểu này rất đáng quan tâm. – G. Ts.)

Một số người lúc đó đã không để lại nghi ngờ – có đúng như vậy không, quyết định của bồi thẩm đoàn có công bằng không? Tương lai trả lời có cho câu hỏi này. Nó luôn mang lại sự rõ ràng cuối cùng cho kết quả của các trận chiến cạnh tranh: điều gì hóa ra là hợp pháp trong đó, tự biện minh cho chính nó và điều gì thì không.

Grigory Lipmanovich Sokolov được giáo dục âm nhạc tại một trường đặc biệt tại Nhạc viện Leningrad. Giáo viên dạy piano của anh ấy là LI Zelikhman, anh ấy đã học với cô ấy khoảng mười một năm. Sau đó, anh học với nhạc sĩ nổi tiếng, Giáo sư M. Ya. Khalfin – anh ấy tốt nghiệp nhạc viện dưới sự hướng dẫn của mình, sau đó là cao học.

Họ nói rằng từ thời thơ ấu, Sokolov đã nổi bật bởi sự cần cù hiếm có. Ngay từ khi còn ngồi trên ghế nhà trường, anh ấy đã tỏ ra ngoan cố và kiên trì trong học tập. Và hôm nay, nhân tiện, nhiều giờ làm việc bên bàn phím (mỗi ngày!) Là một quy tắc đối với anh ấy, mà anh ấy tuân thủ nghiêm ngặt. "Tài năng? Đây là tình yêu dành cho công việc của một người, ”Gorky từng nói. Từng cái một, như thế nào và bao nhiêu Sokolov đã làm việc và tiếp tục làm việc, rõ ràng đây là một tài năng thực sự, tuyệt vời.

Grigory Lipmanovich nói: “Các nhạc sĩ biểu diễn thường được hỏi họ dành bao nhiêu thời gian cho việc học của mình. “Theo tôi, các câu trả lời trong những trường hợp này có vẻ hơi giả tạo. Vì đơn giản là không thể tính toán tốc độ công việc, vốn sẽ ít nhiều phản ánh chính xác tình trạng thực sự của công việc. Rốt cuộc, sẽ thật ngây thơ khi nghĩ rằng một nhạc sĩ chỉ làm việc trong những giờ anh ta ở bên nhạc cụ. Anh ấy bận rộn với công việc của mình mọi lúc....

Tuy nhiên, nếu tiếp cận vấn đề này một cách trang trọng hơn hoặc ít hơn, thì tôi sẽ trả lời như sau: trung bình, tôi dành khoảng sáu giờ mỗi ngày cho cây đàn piano. Mặc dù, tôi nhắc lại, tất cả điều này là rất tương đối. Và không chỉ bởi vì ngày này qua ngày khác là không cần thiết. Trước hết, bởi vì chơi một nhạc cụ và công việc sáng tạo không giống nhau. Không có cách nào để đặt một dấu bằng giữa chúng. Cái đầu tiên chỉ là một phần của cái thứ hai.

Điều duy nhất tôi muốn thêm vào những gì đã nói là một nhạc sĩ càng làm nhiều - theo nghĩa rộng nhất của từ này - thì càng tốt.

Hãy quay trở lại một số sự thật về tiểu sử sáng tạo của Sokolov và những phản ánh liên quan đến chúng. Năm 12 tuổi, anh ấy đã cho clavierabend đầu tiên trong đời. Những ai đã có dịp đến thăm đều nhớ lại rằng vào thời điểm đó (anh ấy đang là học sinh lớp sáu) việc chơi đàn của anh ấy đã bị mê hoặc bởi sự kỹ lưỡng trong quá trình xử lý chất liệu. Dừng sự chú ý của kỹ thuật đó tính đầy đủ, mang đến một công việc lâu dài, siêng năng và thông minh - và không có gì khác ... Là một nghệ sĩ hòa nhạc, Sokolov luôn tôn trọng “quy luật của sự hoàn hảo” trong việc biểu diễn âm nhạc (biểu hiện của một trong những nhà phê bình Leningrad), đạt được sự tuân thủ nghiêm ngặt của nó trên sân khấu. Rõ ràng, đây không phải là lý do quan trọng nhất đảm bảo chiến thắng của anh ấy trong cuộc thi.

Còn một điều nữa – tính bền vững của các kết quả sáng tạo. Trong Diễn đàn biểu diễn nhạc sĩ quốc tế lần thứ ba ở Moscow, L. Oborin đã tuyên bố trên báo chí: “Không ai trong số những người tham gia, ngoại trừ G. Sokolov, trải qua tất cả các chuyến lưu diễn mà không bị tổn thất nghiêm trọng” (… Được đặt tên theo Tchaikovsky // Tuyển tập các bài báo và tài liệu về Cuộc thi Quốc tế lần thứ ba dành cho các Nhạc sĩ-Người biểu diễn mang tên PI Tchaikovsky. P. 200.). P. Serebryakov, người cùng với Oborin, là thành viên ban giám khảo, cũng thu hút sự chú ý đến hoàn cảnh tương tự: “Sokolov,” ông nhấn mạnh, “nổi bật giữa các đối thủ của mình ở chỗ tất cả các giai đoạn của cuộc thi đều diễn ra suôn sẻ đặc biệt.” (Sđd, tr. 198).

Về sự ổn định của sân khấu, cần lưu ý rằng Sokolov có được điều này ở nhiều khía cạnh nhờ sự cân bằng tinh thần tự nhiên của anh ấy. Anh ấy được biết đến trong các phòng hòa nhạc như một người mạnh mẽ, toàn diện. Là một nghệ sĩ có thế giới nội tâm được sắp xếp hài hòa, không chia cắt; như vậy hầu như luôn ổn định trong sáng tạo. Sự đồng đều trong chính tính cách của Sokolov; nó thể hiện bản thân trong mọi thứ: trong giao tiếp với mọi người, cách cư xử và tất nhiên là trong hoạt động nghệ thuật. Ngay cả trong những thời khắc quan trọng nhất trên sân khấu, theo như người ta có thể đánh giá từ bên ngoài, sự bền bỉ và tự chủ đều không thể thay đổi anh ấy. Nhìn thấy anh ấy bên nhạc cụ – không vội vã, điềm tĩnh và tự tin – một số người đặt câu hỏi: anh ấy có quen với cảm giác phấn khích ớn lạnh khiến việc ở lại sân khấu gần như trở thành cực hình đối với nhiều đồng nghiệp của anh ấy … Có lần anh ấy được hỏi về điều đó. Anh ấy trả lời rằng anh ấy thường lo lắng trước khi biểu diễn. Và rất chu đáo, anh ấy nói thêm. Nhưng thường xuyên nhất là trước khi bước vào sân khấu, trước khi anh ấy bắt đầu chơi. Sau đó, sự phấn khích bằng cách nào đó biến mất dần dần và không thể nhận thấy, nhường chỗ cho sự nhiệt tình đối với quá trình sáng tạo, đồng thời, sự tập trung giống như kinh doanh. Anh ấy lao đầu vào công việc chơi piano, và thế là xong. Nói tóm lại, từ những lời của anh ấy, một bức tranh nổi lên có thể được nghe thấy từ tất cả những người sinh ra để dành cho sân khấu, những buổi biểu diễn mở và giao tiếp với công chúng.

Đó là lý do tại sao Sokolov đã “đặc biệt suôn sẻ” qua tất cả các vòng kiểm tra cạnh tranh vào năm 1966, vì lý do này, anh ấy tiếp tục chơi với sự đồng đều đáng ghen tị cho đến ngày nay …

Có thể đặt ra câu hỏi: tại sao sự công nhận tại Cuộc thi Tchaikovsky lần thứ ba lại đến với Sokolov ngay lập tức? Tại sao anh ấy trở thành người dẫn đầu chỉ sau vòng chung kết? Cuối cùng, làm thế nào để giải thích rằng sự ra đời của người đoạt huy chương vàng đi kèm với sự bất đồng quan điểm nổi tiếng? Điểm mấu chốt là Sokolov có một “khuyết điểm” đáng kể: anh ấy, với tư cách là một nghệ sĩ biểu diễn, hầu như không có… khuyết điểm nào. Thật khó để trách móc anh ta, một học sinh được đào tạo xuất sắc của một trường âm nhạc đặc biệt, theo một cách nào đó – trong mắt một số người, đây đã là một điều đáng trách. Người ta nói về “tính đúng đắn vô trùng” trong cách chơi của anh ấy; cô ấy làm phiền một số người… Anh ấy không phải là người sáng tạo để tranh luận – điều này đã dẫn đến các cuộc thảo luận. Công chúng, như bạn biết, không phải là không cảnh giác với những sinh viên được đào tạo bài bản gương mẫu; Cái bóng của mối quan hệ này cũng rơi xuống Sokolov. Nghe anh nói, họ nhớ lại những lời của VV Sofronitsky mà anh từng nói trong lòng về các thí sinh trẻ: “Sẽ rất tốt nếu tất cả chơi sai hơn một chút…” (Hồi ức về Sofronitsky. S. 75.). Có lẽ nghịch lý này thực sự có liên quan đến Sokolov – trong một thời gian rất ngắn.

Tuy nhiên, chúng tôi xin nhắc lại, những người quyết định số phận của Sokolov vào năm 1966 cuối cùng đã đúng. Thường được đánh giá hôm nay, bồi thẩm đoàn nhìn vào ngày mai. Và đoán nó.

Sokolov quản lý để phát triển thành một nghệ sĩ vĩ đại. Trong quá khứ, từng là một cậu học sinh gương mẫu, người thu hút sự chú ý chủ yếu bằng lối chơi đặc biệt đẹp và mượt mà, anh ấy đã trở thành một trong những nghệ sĩ thú vị, sáng tạo có ý nghĩa nhất trong thế hệ của mình. Nghệ thuật của anh ấy bây giờ thực sự có ý nghĩa. Tiến sĩ Dorn trong tác phẩm The Seagull của Chekhov nói: “Chỉ có cái đẹp mới là nghiêm túc.” Các diễn giải của Sokolov luôn nghiêm túc, do đó họ tạo ấn tượng với người nghe. Thực ra, ông chưa bao giờ xem nhẹ và hời hợt với nghệ thuật, kể cả khi còn trẻ; ngày nay khuynh hướng triết học bắt đầu bộc lộ ngày càng rõ rệt ở ông.

Bạn có thể thấy điều đó từ cách anh ấy thi đấu. Trong các chương trình của mình, anh ấy thường đưa các bản sonata thứ hai mươi chín, ba mươi mốt và ba mươi hai của Bthoven, chu kỳ Art of Fugue của Bach, sonata giọng B giáng trưởng của Schubert … Bản thân thành phần tiết mục của anh ấy đã mang tính chất biểu thị, rất dễ nhận thấy một hướng nhất định trong đó, xu hướng trong sáng tạo.

Tuy nhiên, nó không chỉ việc này trong tiết mục của Grigory Sokolov. Bây giờ là về cách tiếp cận của anh ấy đối với việc giải thích âm nhạc, về thái độ của anh ấy đối với các tác phẩm anh ấy biểu diễn.

Một lần trong một cuộc trò chuyện, Sokolov nói rằng đối với anh ta không có tác giả, phong cách, tác phẩm yêu thích nào. “Tôi yêu mọi thứ có thể gọi là âm nhạc hay. Và tất cả những gì tôi yêu thích, tôi muốn chơi … ”Đây không chỉ là một cụm từ, như đôi khi vẫn xảy ra. Các chương trình của nghệ sĩ piano bao gồm âm nhạc từ đầu thế kỷ XNUMX đến giữa thế kỷ XNUMX. Cái chính là nó được phân bổ khá đồng đều trong các tiết mục của anh ấy, không có sự mất cân đối có thể do sự thống trị của bất kỳ một tên tuổi, phong cách, hướng sáng tạo nào. Trên đây là những nhà soạn nhạc có tác phẩm mà anh ấy đặc biệt sẵn sàng chơi (Bach, Beethoven, Schubert). Bạn có thể đặt bên cạnh họ Chopin (mazurkas, etudes, polonaises, v.v.), Ravel (“Night Gaspard”, “Alborada”), Scriabin (Bản sonata đầu tiên), Rachmaninoff (Bản hòa tấu thứ ba, khúc dạo đầu), Prokofiev (Bản hòa tấu đầu tiên, thứ bảy Sonata ), Stravinsky (“Petrushka”). Ở đây, trong danh sách trên, những gì thường được nghe nhất tại các buổi hòa nhạc của anh ấy ngày nay. Tuy nhiên, thính giả có quyền mong đợi những chương trình thú vị mới từ anh ấy trong tương lai. “Sokolov chơi rất nhiều,” nhà phê bình có thẩm quyền L. Gakkel làm chứng, “tiết mục của anh ấy đang tăng lên nhanh chóng…” (Gakkel L. Về các nghệ sĩ piano Leningrad // Sov. music. 1975. Số 4. P. 101.).

…Ở đây anh ấy được thể hiện từ phía sau hậu trường. Từ từ đi qua sân khấu theo hướng của cây đàn piano. Sau khi cúi chào khán giả một cách có kiềm chế, anh ấy thoải mái ngồi xuống với sự nhàn nhã thường thấy bên bàn phím của nhạc cụ. Lúc đầu, anh ấy chơi nhạc, vì nó có vẻ như đối với một người nghe thiếu kinh nghiệm, hơi đờ đẫn, gần như “lười biếng”; những người không phải là lần đầu tiên đến buổi hòa nhạc của anh ấy, đoán rằng đây phần lớn là một hình thức thể hiện anh ấy từ chối mọi ồn ào, một sự thể hiện cảm xúc hoàn toàn bên ngoài. Giống như mọi bậc thầy kiệt xuất, thật thú vị khi theo dõi anh ấy trong quá trình chơi – điều này giúp ích rất nhiều cho việc hiểu được bản chất bên trong nghệ thuật của anh ấy. Toàn bộ dáng người của anh ấy trước nhạc cụ - chỗ ngồi, cử chỉ biểu diễn, hành vi trên sân khấu - tạo cảm giác vững chắc. (Có những nghệ sĩ được tôn trọng chỉ vì cách họ thể hiện bản thân trên sân khấu. Nhân tiện, điều đó xảy ra và ngược lại.) Và bởi bản chất của âm thanh piano của Sokolov, và bởi vẻ ngoài vui tươi đặc biệt của anh ấy, đó là dễ dàng nhận ra ở anh một nghệ sĩ thiên về “sử thi trong biểu diễn âm nhạc. “Theo tôi, Sokolov là một hiện tượng của dòng sáng tạo “Glazunov”,,” Ya. I. Zak đã từng nói. Với tất cả các quy ước, có lẽ là tính chủ quan của hiệp hội này, nó dường như không phát sinh một cách tình cờ.

Các nghệ sĩ thuộc nhóm sáng tạo như vậy thường không dễ dàng xác định được điều gì “tốt hơn” và điều gì “tồi tệ hơn”, sự khác biệt của chúng gần như không thể nhận ra. Chưa hết, nếu bạn xem lại các buổi hòa nhạc của nghệ sĩ piano Leningrad trong những năm trước, người ta không thể không nói về màn trình diễn các tác phẩm của Schubert (sonata, ngẫu hứng, v.v.). Cùng với những tác phẩm muộn của Beethoven, theo tất cả các tài khoản, chúng chiếm một vị trí đặc biệt trong tác phẩm của nghệ sĩ.

Các tác phẩm của Schubert, đặc biệt là Impromptu Op. 90 là một trong những ví dụ phổ biến về tiết mục piano. Đó là lý do tại sao chúng khó khăn; đảm nhận chúng, bạn cần có khả năng thoát khỏi những khuôn mẫu, khuôn mẫu đang thịnh hành. sokolov Biết như thế nào. Trong Schubert của anh ấy, thực sự, cũng như trong mọi thứ khác, sự tươi mới thực sự và sự phong phú của trải nghiệm âm nhạc làm say đắm. Không có bóng dáng của thứ được gọi là nhạc pop “poshib” – nhưng hương vị của nó thường có thể được cảm nhận trong các vở kịch quá nhiều.

Tất nhiên, có những đặc điểm khác đặc trưng cho màn trình diễn của Sokolov đối với các tác phẩm của Schubert – và không chỉ chúng … Đây là một cú pháp âm nhạc tuyệt vời thể hiện chính nó trong phần phác thảo nhẹ nhõm của các cụm từ, động cơ, ngữ điệu. Hơn nữa, đó là sự ấm áp của tông màu và màu sắc sặc sỡ. Và tất nhiên, sự mềm mại đặc trưng của anh ấy trong việc tạo ra âm thanh: khi chơi, Sokolov dường như đang vuốt ve cây đàn piano …

Kể từ chiến thắng tại cuộc thi, Sokolov đã đi lưu diễn rộng rãi. Nó đã được nghe ở Phần Lan, Nam Tư, Hà Lan, Canada, Hoa Kỳ, Nhật Bản và ở một số quốc gia khác trên thế giới. Nếu chúng ta thêm vào đây những chuyến đi thường xuyên đến các thành phố của Liên Xô, thì không khó để hình dung về quy mô buổi hòa nhạc và luyện tập biểu diễn của anh ấy. Báo chí của Sokolov trông rất ấn tượng: các tài liệu được xuất bản về ông trên báo chí Liên Xô và nước ngoài trong hầu hết các trường hợp đều có tông màu chính. Công đức của nó, trong một từ, không bị bỏ qua. Khi nói đến “nhưng”… Có lẽ, người ta thường nghe thấy rằng nghệ thuật của một nghệ sĩ piano – với tất cả những giá trị không thể phủ nhận của nó – đôi khi khiến người nghe yên tâm phần nào. Nó không mang lại, như đối với một số nhà phê bình, những trải nghiệm âm nhạc quá mạnh mẽ, sắc sảo, cháy bỏng.

Chà, không phải tất cả mọi người, ngay cả trong số những bậc thầy vĩ đại, nổi tiếng, đều có cơ hội nổ súng … Tuy nhiên, có thể những phẩm chất kiểu này vẫn sẽ bộc lộ trong tương lai: Sokolov, người ta phải nghĩ, đã có một thời gian dài và con đường sáng tạo phía trước không đơn giản chút nào. Và ai biết được liệu sẽ đến lúc quang phổ cảm xúc của anh ấy lấp lánh với sự kết hợp màu sắc mới, bất ngờ, tương phản rõ rệt hay không. Khi có thể nhìn thấy những va chạm bi thảm cao độ trong nghệ thuật của anh ấy, để cảm nhận được nỗi đau, sự sắc bén và xung đột tinh thần phức tạp trong nghệ thuật này. Sau đó, có lẽ, những tác phẩm như E-flat-minor polonaise (Op. 26) hoặc C-minor Etude (Op. 25) của Chopin sẽ có âm thanh hơi khác. Cho đến nay, chúng gần như gây ấn tượng trước hết với độ tròn đẹp của hình thức, tính dẻo của mô hình âm nhạc và chủ nghĩa dương cầm cao quý.

Bằng cách nào đó, khi trả lời câu hỏi điều gì đã thôi thúc anh ấy trong công việc, điều gì đã kích thích tư tưởng nghệ thuật của anh ấy, Sokolov đã nói như sau: “Đối với tôi, dường như tôi sẽ không nhầm nếu nói rằng tôi nhận được những động lực hiệu quả nhất từ ​​​​những lĩnh vực không liên quan trực tiếp đến nghề nghiệp của tôi. Đó là, một số “hậu quả” âm nhạc do tôi bắt nguồn không phải từ những ấn tượng và ảnh hưởng âm nhạc thực sự, mà từ một nơi nào khác. Nhưng cụ thể ở đâu thì tôi không biết. Tôi không thể nói bất cứ điều gì chắc chắn về điều này. Tôi chỉ biết rằng nếu không có những dòng tiền vào, những khoản thu từ bên ngoài, nếu không có đủ “dưỡng chất” – sự phát triển của nghệ sĩ tất yếu sẽ dừng lại.

Và tôi cũng biết rằng một người tiến về phía trước không chỉ tích lũy những gì đã lấy được, lượm lặt được từ bên cạnh; anh ấy chắc chắn tạo ra những ý tưởng của riêng mình. Đó là, anh ta không chỉ hấp thụ, mà còn tạo ra. Và đây có lẽ là điều quan trọng nhất. Cái thứ nhất mà không có cái thứ hai sẽ không có ý nghĩa gì trong nghệ thuật.”

Về bản thân Sokolov, có thể nói chắc chắn rằng anh ấy thực sự tạo ra âm nhạc trên cây đàn piano, tạo ra theo nghĩa đen và xác thực của từ này - "tạo ra ý tưởng", để sử dụng cách diễn đạt của riêng anh ấy. Bây giờ nó thậm chí còn đáng chú ý hơn trước. Hơn nữa, nguyên tắc sáng tạo trong cách chơi của nghệ sĩ piano “đột phá”, tự bộc lộ – đây là điều đáng chú ý nhất! – bất chấp sự kiềm chế nổi tiếng, sự nghiêm khắc trong học tập trong phong cách biểu diễn của anh ấy. Điều này đặc biệt ấn tượng…

Năng lượng sáng tạo của Sokolov được cảm nhận rõ ràng khi nói về các buổi biểu diễn gần đây của anh ấy tại một buổi hòa nhạc ở Hội trường tháng 1988 của Nhà Công đoàn ở Moscow (tháng 2 năm 111), chương trình bao gồm Tổ khúc tiếng Anh số XNUMX cung La thứ của Bach, Bản tình ca thứ tám của Prokofiev và Bản tình ca thứ ba mươi giây của Beethoven. Tác phẩm cuối cùng trong số này đã thu hút sự chú ý đặc biệt. Sokolov đã biểu diễn nó trong một thời gian dài. Tuy nhiên, anh ấy vẫn tiếp tục tìm thấy những góc độ mới và thú vị trong cách diễn giải của mình. Ngày nay, cách chơi của nghệ sĩ dương cầm gợi lên mối liên hệ với một thứ gì đó, có lẽ, vượt ra ngoài những cảm giác và ý tưởng âm nhạc thuần túy. (Chúng ta hãy nhớ lại những gì anh ấy đã nói trước đó về “sự thúc đẩy” và “ảnh hưởng” rất quan trọng đối với anh ấy, để lại dấu ấn đáng chú ý như vậy trong nghệ thuật của anh ấy – vì tất cả những gì chúng đến từ những lĩnh vực không kết nối trực tiếp với âm nhạc.) Rõ ràng. , đây là điều mang lại giá trị đặc biệt cho cách tiếp cận hiện tại của Sokolov đối với Beethoven nói chung và tác phẩm XNUMX của ông nói riêng.

Vì vậy, Grigory Lipmanovich sẵn sàng trở lại với những tác phẩm mà ông đã thực hiện trước đây. Ngoài Bản Sonata thứ ba mươi hai, người ta có thể kể tên các Biến thể Golberg của Bach và Nghệ thuật Fugue, Ba mươi ba Biến tấu trên một điệu Waltz của Diabelli (Op. 120) của Beethoven, cũng như một số thứ khác đã vang lên trong các buổi hòa nhạc của ông ở giữa và cuối những năm tám mươi. Tuy nhiên, tất nhiên, anh ấy đang làm việc trên một cái mới. Anh ấy liên tục và kiên trì làm chủ các lớp tiết mục mà trước đây anh ấy chưa từng chạm tới. “Đây là cách duy nhất để tiến về phía trước,” anh nói. “Đồng thời, theo ý kiến ​​​​của tôi, bạn cần phải làm việc ở giới hạn sức lực của mình – tinh thần và thể chất. Bất kỳ sự “nhẹ nhõm”, bất kỳ sự nuông chiều nào đối với bản thân sẽ tương đương với việc xa rời nghệ thuật thực sự, vĩ đại. Vâng, kinh nghiệm tích lũy theo năm tháng; tuy nhiên, nếu nó tạo điều kiện thuận lợi cho việc giải quyết một vấn đề cụ thể, thì nó chỉ giúp chuyển đổi nhanh hơn sang nhiệm vụ khác, sang một vấn đề sáng tạo khác.

Đối với tôi, học một tác phẩm mới luôn là một công việc căng thẳng và hồi hộp. Có lẽ đặc biệt căng thẳng – bên cạnh mọi thứ khác – còn bởi vì tôi không chia quá trình làm việc thành bất kỳ giai đoạn và giai đoạn nào. Vở kịch “phát triển” trong quá trình học từ con số không – và cho đến thời điểm nó được đưa lên sân khấu. Nghĩa là, tác phẩm có tính chất xuyên suốt, không phân biệt – bất kể thực tế là tôi hiếm khi học được một tác phẩm mà không bị gián đoạn, liên quan đến các chuyến tham quan hoặc với sự lặp lại của các vở kịch khác, v.v.

Sau buổi biểu diễn đầu tiên của tác phẩm trên sân khấu, công việc tiếp tục với nó, nhưng đã ở trạng thái của tài liệu đã học. Và cứ thế miễn là tôi chơi bản nhạc này.

… Tôi nhớ rằng vào giữa những năm sáu mươi – người nghệ sĩ trẻ mới bước vào sân khấu – một trong những bài đánh giá dành cho anh ấy đã nói: “Nhìn chung, nhạc sĩ Sokolov gây được sự đồng cảm hiếm có … anh ấy chắc chắn có rất nhiều cơ hội phong phú, và từ nghệ thuật của anh ấy, bạn vô tình mong đợi rất nhiều vẻ đẹp. Nhiều năm đã trôi qua kể từ đó. Những khả năng phong phú mà nghệ sĩ piano Leningrad được lấp đầy đã mở ra rộng rãi và vui vẻ. Nhưng, quan trọng nhất, nghệ thuật của anh ấy không bao giờ ngừng hứa hẹn nhiều vẻ đẹp hơn nữa…

G.Tsypin, 1990