Alexander Alexandrovich Slobodyanik |

Alexander Slobodyanik

Alexander Alexandrovich Slobodyanik từ khi còn trẻ đã là tâm điểm chú ý của các chuyên gia và công chúng. Ngày nay, khi anh ấy đã có nhiều năm biểu diễn hòa nhạc, người ta có thể nói mà không sợ mắc lỗi rằng anh ấy đã và vẫn là một trong những nghệ sĩ piano nổi tiếng nhất trong thế hệ của anh ấy. Anh ấy thật ngoạn mục trên sân khấu, anh ấy có một vẻ ngoài oai nghiêm, trong game người ta có thể cảm nhận được một tài năng lớn, đặc biệt – người ta có thể cảm nhận được điều đó ngay lập tức, ngay từ những nốt nhạc đầu tiên anh ấy hát. Chưa hết, sự đồng cảm của công chúng dành cho anh có lẽ là do những lý do mang tính chất đặc biệt. Tài năng và hơn nữa là bề ngoài hoành tráng trên sân khấu hòa nhạc là quá đủ; Slobodianik thu hút những người khác, nhưng nhiều hơn về điều đó sau.

• Nhạc piano trong cửa hàng trực tuyến Ozon →

Slobodyanyk bắt đầu tập luyện thường xuyên ở Lviv. Cha của ông, một bác sĩ nổi tiếng, yêu thích âm nhạc từ khi còn nhỏ, có thời ông còn là cây vĩ cầm đầu tiên của dàn nhạc giao hưởng. Người mẹ chơi piano không tệ, và cô đã dạy con trai mình những bài học đầu tiên về chơi nhạc cụ này. Sau đó, cậu bé được gửi đến một trường âm nhạc, Lydia Veniaminovna Galembo. Ở đó, anh ấy nhanh chóng thu hút sự chú ý của mình: ở tuổi mười bốn, anh ấy đã chơi trong hội trường của Lviv Philharmonic Bản hòa tấu thứ ba của Beethoven cho Piano và Dàn nhạc, và sau đó biểu diễn với một ban nhạc solo clavier. Anh được chuyển đến Moscow, đến Trường Âm nhạc Mười Năm Trung ương. Trong một thời gian, anh học lớp của Sergei Leonidovich Dizhur, một nhạc sĩ nổi tiếng ở Moscow, một trong những học sinh của trường Neuhaus. Sau đó, anh được chính Heinrich Gustavovich Neuhaus nhận làm học trò.

Có thể nói, với Neuhaus, các lớp học của Slobodyanik không diễn ra suôn sẻ, mặc dù anh đã ở gần người thầy nổi tiếng trong khoảng sáu năm. “Tất nhiên, mọi chuyện đã không thành công, chỉ do lỗi của tôi,” nghệ sĩ dương cầm nói, “điều mà tôi không bao giờ ngừng hối tiếc cho đến ngày nay.” Slobodyannik (thành thật mà nói) không bao giờ thuộc về những người nổi tiếng là người có tổ chức, tập hợp, có thể giữ mình trong khuôn khổ sắt của kỷ luật tự giác. Thời trẻ ông học hành không đều, theo tâm trạng; những thành công ban đầu của anh ấy đến từ tài năng bẩm sinh dồi dào hơn là từ công việc có mục đích và có hệ thống. Neuhaus không ngạc nhiên về tài năng của anh. Những người trẻ tuổi có năng lực xung quanh anh luôn có rất nhiều. “Tài năng càng lớn,” anh ấy đã nhiều lần nhắc lại trong vòng kết nối của mình, “nhu cầu về trách nhiệm và sự độc lập sớm càng chính đáng” (Neigauz GG Về nghệ thuật chơi piano. – M., 1958. P. 195.). Với tất cả nghị lực và sự quyết liệt của mình, anh ấy đã nổi dậy chống lại điều mà sau này, khi nghĩ lại về Slobodyanik, anh ấy gọi một cách ngoại giao là “không hoàn thành các nhiệm vụ khác nhau”. (Neigauz GG Suy tư, ký ức, nhật ký. S. 114.).

Bản thân Slobodyanik cũng thành thật thừa nhận rằng, cần lưu ý rằng, nhìn chung, anh ấy cực kỳ thẳng thắn và chân thành khi tự đánh giá bản thân. “Nói một cách tế nhị hơn, tôi không phải lúc nào cũng chuẩn bị chu đáo cho các buổi học với Genrikh Gustavovich. Tôi có thể nói gì bây giờ để bào chữa cho mình? Moscow sau Lvov quyến rũ tôi với nhiều ấn tượng mới mẻ và mạnh mẽ… Nó khiến tôi quay đầu với những thuộc tính tươi sáng, dường như cực kỳ hấp dẫn của cuộc sống đô thị. Tôi bị mê hoặc bởi nhiều thứ – thường là gây bất lợi cho công việc.

Cuối cùng, anh phải chia tay Neuhaus. Tuy nhiên, ký ức về một nhạc sĩ tuyệt vời vẫn còn rất thân thương với anh cho đến ngày nay: “Có những người đơn giản là không thể quên được. Họ luôn ở bên bạn, cho đến hết cuộc đời. Người ta nói rất đúng: một nghệ sĩ còn sống chừng nào anh ta còn được nhớ đến… Nhân tiện, tôi đã cảm thấy ảnh hưởng của Henry Gustavovich trong một thời gian rất dài, ngay cả khi tôi không còn học cùng lớp với ông ấy nữa.”

Slobodyanik tốt nghiệp nhạc viện, rồi cao học, dưới sự hướng dẫn của một sinh viên Neuhaus – Vera Vasilievna Gornostaeva. “Một nhạc sĩ tuyệt vời,” anh ấy nói về người thầy cuối cùng của mình, “tinh tế, sâu sắc... Một người có văn hóa tinh thần tinh vi. Và điều đặc biệt quan trọng đối với tôi là một nhà tổ chức xuất sắc: tôi nợ ý chí và nghị lực của cô ấy không kém trí óc. Vera Vasilievna đã giúp tôi tìm thấy chính mình trong biểu diễn âm nhạc.

Với sự giúp đỡ của Gornostaeva, Slobodyanik đã hoàn thành xuất sắc mùa giải thi đấu. Thậm chí trước đó, trong quá trình học, anh đã được trao giải thưởng và bằng tốt nghiệp tại các cuộc thi ở Warsaw, Brussels và Praha. Năm 1966, anh xuất hiện lần cuối tại Cuộc thi Tchaikovsky lần thứ ba. Và anh đã được trao giải tư danh dự. Thời gian học nghề của anh ấy kết thúc, cuộc sống hàng ngày của một nghệ sĩ biểu diễn hòa nhạc chuyên nghiệp bắt đầu.

… Vì vậy, những phẩm chất của Slobodianik thu hút công chúng là gì? Nếu bạn nhìn vào báo chí của "anh ấy" từ đầu những năm sáu mươi đến nay, thì sự phong phú của những đặc điểm như “giàu cảm xúc”, “tràn đầy cảm xúc”, “tính tự phát của trải nghiệm nghệ thuật”, v.v. , không quá hiếm, được tìm thấy trong nhiều bài phê bình và phê bình âm nhạc. Đồng thời, rất khó để lên án các tác giả của các tài liệu về Slobodyanyk. Sẽ rất khó để chọn một người khác, nói về anh ấy.

Thật vậy, Slobodyanik chơi piano là sự trọn vẹn và hào phóng của kinh nghiệm nghệ thuật, sự tự phát của ý chí, sự chuyển mình mạnh mẽ và sắc bén của đam mê. Và không có gì ngạc nhiên. Cảm xúc sống động trong việc truyền tải âm nhạc là một dấu hiệu chắc chắn của tài năng biểu diễn; Slobodian, như đã nói, là một tài năng xuất chúng, thiên nhiên đã ban tặng cho anh ta một cách trọn vẹn, không chút giới hạn.

Tuy nhiên, tôi nghĩ, đây không chỉ là về âm nhạc bẩm sinh. Đằng sau cường độ cảm xúc cao trong màn trình diễn của Slobodyanik, sự máu lửa và phong phú trong trải nghiệm sân khấu của anh ấy là khả năng nhận thức thế giới trong tất cả sự phong phú và sự đa dạng vô tận của màu sắc. Khả năng sống động và nhiệt tình đáp ứng với môi trường, để làm cho tạp nham: để nhìn rộng rãi, tiếp thu mọi thứ mà bất kỳ ai quan tâm, để thở, như người ta nói, với một bộ ngực đầy đặn … Slobodianik nói chung là một nhạc sĩ rất tự phát. Không một vết hằn, không phai mờ theo năm tháng hoạt động sân khấu khá dài của anh. Đó là lý do tại sao người nghe bị thu hút bởi nghệ thuật của anh ấy.

Thật dễ dàng và dễ chịu khi ở cùng với Slobodyanik – cho dù bạn gặp anh ấy trong phòng thay đồ sau buổi biểu diễn hay bạn xem anh ấy trên sân khấu, bên bàn phím của một nhạc cụ. Một số cao quý bên trong được cảm nhận bằng trực giác trong anh ta; “Bản chất sáng tạo tuyệt đẹp,” họ đã viết về Slobodyanik trong một trong những bài đánh giá – và với lý do chính đáng. Có vẻ như: liệu có thể nắm bắt, nhận ra, cảm nhận được những phẩm chất này (vẻ đẹp tinh thần, sự cao thượng) ở một người đang ngồi trước cây đàn piano hòa nhạc, chơi một bản nhạc đã học trước đó? Nó chỉ ra - nó có thể. Bất kể Slobodyanik đưa vào chương trình của mình những gì, cho đến những gì ngoạn mục nhất, chiến thắng nhất, hấp dẫn nhất về mặt cảnh quan, ở anh ấy với tư cách là một nghệ sĩ biểu diễn, người ta không thể nhận thấy dù chỉ một bóng dáng của lòng tự ái. Ngay cả trong những khoảnh khắc mà bạn có thể thực sự ngưỡng mộ anh ấy: khi anh ấy ở trạng thái tốt nhất và mọi thứ anh ấy làm, như người ta nói, đều thành công và xuất sắc. Không có gì nhỏ nhặt, tự phụ, vô ích trong nghệ thuật của anh ấy. “Với dữ liệu sân khấu vui vẻ của anh ấy, không có một chút tự ái nghệ thuật nào,” những người thân thiết với Slobodyanik ngưỡng mộ. Đúng vậy, không phải là một gợi ý nhỏ nhất. Trên thực tế, điều này bắt nguồn từ đâu: người ta đã hơn một lần nói rằng người nghệ sĩ luôn “tiếp tục” một người, dù muốn hay không, biết về nó hay không.

Anh ấy có một phong cách vui tươi, dường như anh ấy đã đặt ra một quy tắc cho bản thân: bất kể bạn làm gì trên bàn phím, mọi thứ đều được thực hiện từ từ. Tiết mục của Slobodyanik bao gồm một số tác phẩm điêu luyện xuất sắc (Liszt, Rachmaninoff, Prokofiev…); thật khó để nhớ rằng anh ấy đã vội vàng, “điều khiển” ít nhất một trong số họ - như thường xảy ra, và thường xuyên, với sự dũng cảm của cây đàn piano. Không phải ngẫu nhiên mà các nhà phê bình đôi khi trách móc anh ta vì tốc độ hơi chậm, không bao giờ quá cao. Đây có lẽ là cách một nghệ sĩ nên nhìn trên sân khấu, tôi nghĩ trong một số khoảnh khắc khi quan sát anh ấy: không được mất bình tĩnh, không được mất bình tĩnh, ít nhất là trong những gì liên quan đến cách cư xử thuần túy bên ngoài. Trong mọi hoàn cảnh, hãy bình tĩnh, với phẩm giá bên trong. Ngay cả trong những khoảnh khắc biểu diễn nóng bỏng nhất – bạn không bao giờ biết có bao nhiêu trong số đó là trong thứ âm nhạc lãng mạn mà Slobodyanik đã ưa thích từ lâu – đừng rơi vào trạng thái phấn khích, phấn khích, ồn ào … Giống như tất cả những nghệ sĩ biểu diễn phi thường, Slobodyanik có một đặc điểm, đặc điểm duy nhất phong cách Trò chơi; cách chính xác nhất, có lẽ, là chỉ định phong cách này với thuật ngữ Grave (chậm rãi, hoành tráng, đáng kể). Theo cách này, hơi nặng nề về âm thanh, phác thảo các bức phù điêu kết cấu theo cách lớn và lồi lõm, mà Slobodyanik chơi bản sonata cung F thứ của Brahms, Bản hòa tấu thứ năm của Beethoven, Bản đầu tiên của Tchaikovsky, Những bức tranh của Mussorgsky tại một Triển lãm, các bản sonata của Myaskovsky. Tất cả những gì bây giờ được gọi là những con số hay nhất trong tiết mục của anh ấy.

Một lần, vào năm 1966, trong Cuộc thi Báo chí Tchaikovsky lần thứ ba, khi nói một cách hào hứng về cách diễn giải bản concerto của Rachmaninov ở cung Rê thứ, bà đã viết: “Slobodianik chơi thực sự bằng tiếng Nga.” “Ngữ điệu Slavic” thực sự hiện rõ ở anh ấy - trong bản chất, ngoại hình, thế giới quan nghệ thuật, trò chơi của anh ấy. Anh ấy thường không khó để cởi mở, thể hiện bản thân một cách triệt để trong các tác phẩm thuộc về đồng bào của mình – đặc biệt là trong những tác phẩm lấy cảm hứng từ hình ảnh của không gian rộng mở vô biên … Một lần, một trong những đồng nghiệp của Slobodyanik đã nhận xét: “Có những thứ tươi sáng, bão tố, khí chất bùng nổ. Ở đây khí chất, đúng hơn, từ phạm vi và bề rộng. Các quan sát là chính xác. Đó là lý do tại sao các tác phẩm của Tchaikovsky và Rachmaninov rất hay đối với nghệ sĩ piano, và rất nhiều ở Prokofiev quá cố. Đó là lý do tại sao (một tình huống đáng chú ý!) anh ấy được chú ý ở nước ngoài như vậy. Đối với người nước ngoài, nó thú vị như một hiện tượng điển hình của Nga trong biểu diễn âm nhạc, như một bản sắc dân tộc đầy màu sắc và hấp dẫn trong nghệ thuật. Anh ấy đã được hoan nghênh nhiệt liệt hơn một lần ở các quốc gia thuộc Thế giới cũ, và nhiều chuyến lưu diễn nước ngoài của anh ấy cũng thành công.

Một lần trong một cuộc trò chuyện, Slobodyanik đã đề cập đến một thực tế rằng đối với anh ấy, với tư cách là một nghệ sĩ biểu diễn, các tác phẩm có hình thức lớn được ưu tiên hơn. “Ở thể loại hoành tráng, phần nào tôi cảm thấy thoải mái hơn. Có lẽ bình tĩnh hơn trong thu nhỏ. Có lẽ ở đây bản năng tự bảo tồn của nghệ thuật tự cảm nhận – có như vậy… Nếu trong quá trình chơi mà tôi bỗng “vấp” vào đâu đó, “đánh mất” một điều gì đó, thì tác phẩm – ý tôi là một tác phẩm lớn có sức lan tỏa sâu rộng trong không gian âm thanh – nhưng nó sẽ không bị hủy hoại hoàn toàn. Vẫn còn thời gian để cứu anh ta, để phục hồi bản thân vì một lỗi vô tình, để làm tốt một việc khác. Nếu bạn làm hỏng một bức tranh thu nhỏ ở một nơi duy nhất, bạn sẽ phá hủy nó hoàn toàn.

Anh ấy biết rằng bất cứ lúc nào anh ấy cũng có thể “đánh mất” thứ gì đó trên sân khấu – điều này đã xảy ra với anh ấy hơn một lần, ngay từ khi còn nhỏ. “Trước đây, tôi thậm chí còn tệ hơn. Bây giờ thực hành sân khấu được tích lũy trong nhiều năm, kiến ​​​​thức về kinh doanh của một người giúp đỡ … ”Và thực sự, những người tham gia buổi hòa nhạc nào đã không phải lạc lối trong trò chơi, quên, rơi vào tình huống nguy cấp? Slobodyaniku, có lẽ thường xuyên hơn nhiều nhạc sĩ cùng thế hệ với ông. Điều đó cũng xảy ra với anh ấy: như thể một đám mây nào đó bất ngờ được tìm thấy trong buổi biểu diễn của anh ấy, nó đột nhiên trở nên trơ, tĩnh, bị khử từ bên trong … Và ngày nay, ngay cả khi một nghệ sĩ dương cầm đang ở trong thời kỳ đỉnh cao của cuộc đời, được trang bị đầy đủ kinh nghiệm đa dạng, điều đó vẫn xảy ra. rằng những đoạn nhạc sống động và đầy màu sắc rực rỡ xen kẽ vào buổi tối của anh ấy với những đoạn nhạc buồn tẻ, thiếu biểu cảm. Như thể anh ta mất hứng thú với những gì đang xảy ra trong một thời gian, lao vào một trạng thái xuất thần bất ngờ và không thể giải thích được. Và rồi đột nhiên nó lại bùng lên, cuốn hút, tự tin dẫn dắt khán giả.

Có một tình tiết như vậy trong tiểu sử của Slobodyanik. Anh ấy đã chơi ở Moscow một sáng tác phức tạp và hiếm khi được biểu diễn của Reger – Variations và Fugue on a Theme của Bach. Lúc đầu, nó không thú vị lắm đối với nghệ sĩ piano. Rõ ràng là anh ta đã không thành công. Thất vọng vì thất bại, anh ấy kết thúc buổi tối bằng cách lặp lại các biến thể encore của Reger. Và lặp đi lặp lại (không cường điệu) lộng lẫy - tươi sáng, đầy cảm hứng, nóng bỏng. Clavirabend dường như đã chia thành hai phần không giống nhau lắm – đây là toàn bộ Slobodyanik.

Bây giờ có thiệt thòi không? Có lẽ. Ai sẽ tranh luận: một nghệ sĩ hiện đại, một người chuyên nghiệp theo nghĩa cao của từ này, có nghĩa vụ quản lý nguồn cảm hứng của mình. Phải có thể gọi nó theo ý muốn, ít nhất là ổn định trong sự sáng tạo của bạn. Chỉ có điều, nói một cách thẳng thắn, có phải mỗi người trong số những người đi xem hòa nhạc, ngay cả những người được biết đến rộng rãi nhất, đều có thể làm được điều này? Và chẳng phải, bất chấp mọi thứ, một số nghệ sĩ “không ổn định”, những người hoàn toàn không được phân biệt bởi khả năng sáng tạo không ngừng của họ, chẳng hạn như V. Sofronitsky hay M. Polyakin, có phải là vật trang trí và niềm tự hào của sân khấu chuyên nghiệp hay không?

Có những bậc thầy (trong nhà hát, trong phòng hòa nhạc) có thể hành động với độ chính xác của các thiết bị tự động được điều chỉnh hoàn hảo – hãy vinh danh và khen ngợi họ, một phẩm chất xứng đáng với thái độ tôn trọng nhất. Co nhung nguoi khac. Những dao động trong hạnh phúc sáng tạo là điều tự nhiên đối với họ, giống như trò chơi chiaroscuro vào một buổi chiều mùa hè, giống như dòng nước lên xuống của biển, giống như hơi thở của một sinh vật sống. Nhà tâm lý học và sành sỏi về biểu diễn âm nhạc, GG Neuhaus (anh ấy đã có điều gì đó để nói về sự thay đổi thất thường của vận may sân khấu - cả thành công rực rỡ và thất bại), chẳng hạn, không thấy có gì đáng chê trách khi một nghệ sĩ biểu diễn buổi hòa nhạc cụ thể không thể để ” sản xuất các sản phẩm tiêu chuẩn với độ chính xác xuất xưởng – xuất hiện trước công chúng” (Neigauz GG Suy tư, ký ức, nhật ký. S. 177.).

Trên đây liệt kê các tác giả có liên quan đến hầu hết các thành tựu diễn giải của Slobodyanik – Tchaikovsky, Rachmaninov, Prokofiev, Beethoven, Brahms … Bạn có thể bổ sung cho loạt bài này tên của các nhà soạn nhạc như Liszt (trong tiết mục của Slobodyanik, Sonata B-minor, Sixth Rhapsody, Campanella, Mephisto Waltz và các tác phẩm khác của Liszt), Schubert (Sonata giọng giáng trưởng), Schumann (Carnival, Symphonic Etudes), Ravel (Bản hòa tấu cho tay trái), Bartok (Piano Sonata, 1926), Stravinsky (“Rau mùi tây ”).

Slobodianik kém thuyết phục hơn ở Chopin, mặc dù anh ấy rất yêu thích tác giả này, thường nhắc đến tác phẩm của anh ấy – áp phích của nghệ sĩ piano có các khúc dạo đầu, etudes, scherzos, ballad của Chopin. Như một quy luật, thế kỷ 1988 bỏ qua chúng. Scarlatti, Haydn, Mozart – những cái tên này khá hiếm trong các chương trình hòa nhạc của ông. (Đúng vậy, vào mùa thứ XNUMX, Slobodyanik đã chơi công khai bản concerto của Mozart ở cung B giáng trưởng mà anh ấy đã học được ngay trước đó. Nhưng nhìn chung, điều này không đánh dấu những thay đổi cơ bản trong chiến lược tiết mục của anh ấy, không khiến anh ấy trở thành một nghệ sĩ piano “cổ điển”. ). Có lẽ, vấn đề ở đây là ở một số đặc điểm và tính chất tâm lý vốn dĩ vốn có trong bản chất nghệ thuật của anh ấy. Nhưng trong một số tính năng đặc trưng của “bộ máy piano” của anh ấy – cũng vậy.

Anh ấy có đôi bàn tay mạnh mẽ có thể phá vỡ mọi khó khăn khi biểu diễn: kỹ thuật hợp âm tự tin và mạnh mẽ, quãng tám ngoạn mục, v.v. Nói cách khác, tài năng cận cảnh. Cái gọi là "thiết bị nhỏ" của Slobodyanik trông khiêm tốn hơn. Có cảm giác rằng đôi khi cô ấy thiếu sự tinh tế trong nét vẽ, sự nhẹ nhàng và duyên dáng, theo đuổi nét thư pháp trong các chi tiết. Có thể một phần nguyên nhân là do thiên nhiên – chính cấu trúc của bàn tay Slobodyanik, “cấu trúc” piano của họ. Tuy nhiên, có thể chính anh ta là người đáng trách. Hay đúng hơn, điều mà GG Neuhaus vào thời của ông gọi là việc không hoàn thành các loại “nhiệm vụ” giáo dục khác nhau: một số thiếu sót và thiếu sót từ thời thơ ấu. Nó chưa bao giờ đi mà không có hậu quả cho bất cứ ai.

Slobodyanik đã chứng kiến ​​rất nhiều điều trong những năm anh ấy đứng trên sân khấu. Đối mặt với nhiều vấn đề, hãy nghĩ về chúng. Anh ấy lo ngại rằng công chúng nói chung, như anh ấy tin tưởng, đang có sự suy giảm nhất định về hứng thú với cuộc sống hòa nhạc. “Đối với tôi, có vẻ như thính giả của chúng tôi cảm thấy thất vọng nhất định từ các buổi tối giao hưởng. Hãy để không phải tất cả người nghe, nhưng, trong mọi trường hợp, một phần đáng kể. Hay có lẽ bản thân thể loại hòa nhạc đã “mệt mỏi”? Tôi cũng không loại trừ khả năng đó.”

Anh ấy không ngừng suy nghĩ về những gì có thể thu hút công chúng đến Philharmonic Hall ngày nay. Cao cấp biểu diễn? Không còn nghi ngờ gì nữa. Nhưng Slobodyanik tin rằng có những trường hợp khác không ảnh hưởng đến việc tính đến. Ví dụ. Trong thời đại năng động của chúng tôi, các chương trình dài hạn, dài hạn được coi là khó khăn. Ngày xửa ngày xưa, 50-60 năm trước, các nghệ sĩ hòa nhạc đã tổ chức các buổi tối trong ba phần; bây giờ nó sẽ giống như lỗi thời – rất có thể, người nghe sẽ đơn giản rời khỏi phần thứ ba … Slobodyanik tin chắc rằng các chương trình hòa nhạc ngày nay nên nhỏ gọn hơn. Không dài! Vào nửa sau của những năm tám mươi, anh ấy đã chơi clavirabends liên tục trong một phần. “Đối với khán giả ngày nay, nghe nhạc từ mười đến một giờ mười lăm phút là quá đủ. Theo tôi, sự gián đoạn không phải lúc nào cũng cần thiết. Đôi khi nó chỉ làm nhụt chí, mất tập trung…”

Ông cũng nghĩ về một số khía cạnh khác của vấn đề này. Thực tế là đã đến lúc, rõ ràng, để thực hiện một số thay đổi trong chính hình thức, cấu trúc, tổ chức các buổi biểu diễn hòa nhạc. Theo Alexander Alexandrovich, việc giới thiệu các số hòa tấu thính phòng vào các chương trình độc tấu truyền thống – như các thành phần là rất hiệu quả. Ví dụ, nghệ sĩ dương cầm nên kết hợp với nghệ sĩ vĩ cầm, nghệ sĩ cello, ca sĩ, v.v. Có lẽ vì thế mà công việc sáng tác nhạc hòa tấu ngày càng thu hút anh trong những năm gần đây. (Nhân tiện, một hiện tượng thường là đặc điểm của nhiều nghệ sĩ biểu diễn tại thời điểm trưởng thành trong sáng tạo.) Vào năm 1984 và 1988, anh ấy thường biểu diễn cùng với Liana Isakadze; họ biểu diễn các tác phẩm dành cho violin và piano của Beethoven, Ravel, Stravinsky, Schnittke…

Mỗi nghệ sĩ đều có những buổi biểu diễn ít nhiều bình thường, như người ta nói, trôi qua, và có những buổi hòa nhạc-sự kiện mà ký ức về nó được lưu giữ rất lâu. Nếu nói về như vậy Trong các buổi biểu diễn của Slobodyanik vào nửa cuối những năm tám mươi, người ta không thể không nhắc đến buổi biểu diễn chung của ông với Bản hòa tấu cho Violon, Piano và Dàn nhạc dây của Mendelssohn (1986, kèm theo Dàn nhạc Thính phòng Nhà nước Liên Xô), Bản hòa tấu cho Violon, Piano và Đàn dây của Chausson. Bộ tứ (1985) với V. Tretyakov (cùng với V. Tretyakov và Bộ tứ Borodin), bản concerto cho piano của Schnittke (1986 và 1988, kèm theo Dàn nhạc Thính phòng Nhà nước).

Và tôi muốn đề cập đến một khía cạnh nữa trong hoạt động của anh ấy. Trong những năm qua, anh ấy ngày càng sẵn sàng chơi trong các cơ sở giáo dục âm nhạc – trường âm nhạc, trường âm nhạc, nhạc viện. “Ở đó, ít nhất bạn cũng biết rằng họ sẽ lắng nghe bạn một cách thực sự chăm chú, quan tâm và hiểu biết về vấn đề này. Và họ sẽ hiểu bạn, với tư cách là một nghệ sĩ biểu diễn, muốn nói gì. Tôi nghĩ đây là điều quan trọng nhất đối với một nghệ sĩ: được hiểu. Hãy để một số nhận xét quan trọng đến sau. Ngay cả khi bạn không thích một cái gì đó. Nhưng mọi thứ diễn ra thành công, rằng bạn thành công, cũng sẽ không được chú ý.

Điều tồi tệ nhất đối với một nhạc sĩ hòa nhạc là sự thờ ơ. Và trong các cơ sở giáo dục đặc biệt, như một quy luật, không có người thờ ơ và thờ ơ.

Theo tôi, chơi trong các trường âm nhạc và trường âm nhạc là một điều gì đó khó khăn và có trách nhiệm hơn so với việc chơi trong nhiều hội trường giao hưởng. Và cá nhân tôi thích nó. Ngoài ra, người nghệ sĩ được coi trọng ở đây, họ đối xử với anh ta một cách tôn trọng, họ không bắt anh ta phải trải qua những khoảnh khắc nhục nhã mà đôi khi anh ta phải gánh chịu trong mối quan hệ với chính quyền của hiệp hội triết học.

Giống như mọi nghệ sĩ, Slobodyanik đã đạt được một số thứ trong nhiều năm, nhưng đồng thời cũng mất đi một thứ khác. Tuy nhiên, khả năng vui vẻ của anh ấy để "bốc cháy một cách tự nhiên" trong các buổi biểu diễn vẫn được bảo tồn. Tôi nhớ có lần chúng tôi nói chuyện với anh ấy về nhiều chủ đề khác nhau; chúng tôi đã nói về những khoảnh khắc trong bóng tối và những thăng trầm trong cuộc đời của một nghệ sĩ khách mời; Tôi hỏi anh ấy: về nguyên tắc, có thể chơi tốt không, nếu mọi thứ xung quanh nghệ sĩ thúc đẩy anh ấy chơi tệ: cả hội trường (nếu bạn có thể gọi hội trường là những phòng hoàn toàn không phù hợp cho các buổi hòa nhạc, trong đó đôi khi bạn có để biểu diễn), và khán giả (nếu có thể coi những cuộc tụ tập ngẫu nhiên và cực kỳ ít người là một khán giả giao hưởng thực sự), và một nhạc cụ bị hỏng, v.v., v.v. “Bạn có biết không,” Alexander Alexandrovich trả lời, “ngay cả trong những , có thể nói, “điều kiện mất vệ sinh” chơi khá tốt. Vâng, vâng, bạn có thể, hãy tin tôi. Nhưng – nếu chỉ có thể thưởng thức âm nhạc. Đừng để niềm đam mê này đến ngay lập tức, hãy dành 20-30 phút để thích nghi với hoàn cảnh. Nhưng sau đó, khi âm nhạc thực sự thu hút bạn, khi được bật, – mọi thứ xung quanh trở nên thờ ơ, không quan trọng. Và sau đó bạn có thể chơi rất tốt … “

Chà, đây là tài sản của một nghệ sĩ thực thụ – đắm chìm trong âm nhạc đến mức anh ấy ngừng chú ý đến mọi thứ xung quanh mình. Và Slobodianik, như họ đã nói, đã không mất đi khả năng này.

Chắc chắn, trong tương lai, những niềm vui và niềm vui mới khi gặp gỡ công chúng đang chờ đợi anh ấy – sẽ có những tràng pháo tay và những thuộc tính thành công khác mà anh ấy đã biết. Chỉ có điều không chắc rằng đây là điều chính đối với anh ấy ngày hôm nay. Marina Tsvetaeva đã từng bày tỏ một ý kiến ​​​​rất đúng đắn rằng khi một nghệ sĩ bước vào nửa sau của cuộc đời sáng tạo, điều đó đã trở nên quan trọng đối với anh ta rồi. không phải thành công, mà là thời gian...

G.Tsypin, 1990