Lev Nikolaevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Có những thành phố có giá trị đặc biệt trước thế giới âm nhạc, chẳng hạn như Odessa. Biết bao tên tuổi chói lọi góp mặt trên sân khấu văn nghệ những năm tiền chiến. Tbilisi, nơi sinh của Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze và một số nhạc sĩ nổi tiếng khác, có một điều đáng tự hào. Lev Nikolaevich Vlasenko cũng bắt đầu con đường nghệ thuật của mình tại thủ đô Georgia – thành phố có truyền thống nghệ thuật lâu đời và giàu bản sắc.

Như thường lệ với các nhạc sĩ tương lai, người thầy đầu tiên của anh là mẹ anh, người đã từng tự học tại khoa piano của Nhạc viện Tbilisi. Sau một thời gian, Vlasenko đến gặp giáo viên nổi tiếng người Gruzia Anastasia Davidovna Virsaladze, sinh viên tốt nghiệp, học trong lớp của cô, một trường âm nhạc mười năm, sau đó là năm đầu tiên của nhạc viện. Và, theo con đường của nhiều tài năng, anh chuyển đến Moscow. Từ năm 1948, ông là một trong những học sinh của Yakov Vladimirovich Flier.

Những năm này không dễ dàng đối với anh ấy. Anh ấy là sinh viên của hai cơ sở giáo dục đại học cùng một lúc: ngoài nhạc viện, Vlasenko học (và hoàn thành xuất sắc việc học của mình đúng hạn) tại Học viện Ngoại ngữ; Nghệ sĩ piano thông thạo tiếng Anh, Pháp, Ý. Tuy nhiên, chàng trai trẻ có đủ năng lượng và sức mạnh cho mọi thứ. Tại nhạc viện, anh ấy ngày càng biểu diễn trong các bữa tiệc của sinh viên, tên tuổi của anh ấy được biết đến trong giới âm nhạc. Tuy nhiên, nhiều hơn được mong đợi của anh ta. Thật vậy, vào năm 1956, Vlasenko đã giành giải nhất tại Cuộc thi Liszt ở Budapest.

Hai năm sau, anh lại tham gia cuộc thi của các nhạc sĩ biểu diễn. Lần này, tại nhà riêng ở Moscow, tại Cuộc thi Tchaikovsky quốc tế lần thứ nhất, nghệ sĩ piano đã giành giải nhì, chỉ bỏ lại Van Cliburn, người lúc đó đang ở đỉnh cao của tài năng to lớn.

Vlasenko nói: “Ngay sau khi tốt nghiệp nhạc viện, tôi được gọi vào hàng ngũ của Quân đội Liên Xô. Trong khoảng một năm, tôi không chạm vào nhạc cụ – tôi sống với những suy nghĩ, hành động, lo lắng hoàn toàn khác. Và, tất nhiên, khá hoài niệm về âm nhạc. Khi tôi xuất ngũ, tôi bắt đầu làm việc với năng lượng gấp ba lần. Rõ ràng, trong diễn xuất của tôi khi đó có một sự tươi mới nào đó về cảm xúc, sức mạnh nghệ thuật chưa từng có, khát khao sáng tạo trên sân khấu. Nó luôn giúp ích trên sân khấu: nó cũng giúp ích cho tôi vào thời điểm đó.

Nghệ sĩ piano nói rằng anh ấy từng được đặt câu hỏi: trong bài kiểm tra nào – ở Budapest hay Moscow – anh ấy gặp khó khăn hơn? “Tất nhiên, ở Moscow,” anh ấy trả lời trong những trường hợp như vậy, “Cuộc thi Tchaikovsky mà tôi đã biểu diễn lần đầu tiên được tổ chức ở nước ta. Lần đầu tiên - điều đó nói lên tất cả. Anh ấy đã thu hút được sự quan tâm lớn – anh ấy đã tập hợp các nhạc sĩ nổi tiếng nhất, cả Liên Xô và nước ngoài, vào ban giám khảo, thu hút lượng khán giả đông đảo nhất, thu hút sự chú ý của đài phát thanh, truyền hình và báo chí. Chơi ở cuộc thi này cực kỳ khó khăn và có trách nhiệm – mỗi lần dự thi piano đều đáng giá rất căng thẳng…”

Chiến thắng tại các cuộc thi âm nhạc danh tiếng - và giải "vàng" mà Vlasenko giành được ở Budapest, và giải "bạc" giành được ở Moscow được coi là những chiến thắng lớn - đã mở ra cánh cửa bước vào sân khấu lớn cho anh ấy. Anh ấy trở thành một nghệ sĩ biểu diễn hòa nhạc chuyên nghiệp. Các buổi biểu diễn của anh ấy ở cả trong nước và ở các quốc gia khác đều thu hút rất nhiều thính giả. Tuy nhiên, anh ta không chỉ được chú ý với tư cách là một nhạc sĩ, chủ nhân của những vương giả đoạt giải có giá trị. Thái độ đối với anh ta ngay từ đầu được xác định khác nhau.

Trên sân khấu, cũng như trong cuộc sống, có những bản chất nhận được sự đồng cảm của mọi người – thẳng thắn, cởi mở, chân thành. Vlasenko là một nghệ sĩ trong số đó. Bạn luôn tin anh ấy: nếu anh ấy say mê diễn giải một tác phẩm, anh ấy say mê thực sự, hào hứng – rất hào hứng; nếu không, anh ta không thể che giấu nó. Cái gọi là nghệ thuật biểu diễn không phải là lĩnh vực của anh ấy. Anh ta không hành động và không phổ biến; phương châm của anh ấy có thể là: “Tôi nói những gì tôi nghĩ, tôi bày tỏ cảm xúc của mình.” Hemingway có những lời tuyệt vời mà anh ấy mô tả về một trong những anh hùng của mình: “Anh ấy thực sự đẹp đẽ về mặt con người từ bên trong: nụ cười của anh ấy xuất phát từ chính trái tim hay từ thứ được gọi là tâm hồn của một người, rồi vui vẻ và cởi mở đến với mọi người. bề mặt , nghĩa là chiếu sáng khuôn mặt ” (Hemingway E. Bên kia sông, dưới bóng cây. – M., 1961. S. 47.). Lắng nghe Vlasenko trong những khoảnh khắc đẹp nhất của anh ấy, bạn sẽ nhớ những từ này.

Và một điều nữa khiến công chúng ấn tượng khi gặp gỡ nghệ sĩ piano – sân khấu của anh tính xã hội. Có ít người khép mình trên sân khấu, rút ​​​​lui khỏi sự phấn khích? Những người khác thì lạnh lùng, bản tính gò bó, điều này thể hiện trong nghệ thuật của họ: theo cách diễn đạt thông thường, họ không “hòa đồng” cho lắm, họ giữ người nghe như thể ở khoảng cách xa với chính họ. Với Vlasenko, do đặc thù tài năng của anh ấy (dù là nghệ thuật hay con người), việc thiết lập mối liên hệ với khán giả như thể một mình là điều dễ dàng. Những người nghe anh ấy lần đầu tiên đôi khi bày tỏ sự ngạc nhiên – ấn tượng là họ đã biết anh ấy từ lâu và nổi tiếng với tư cách là một nghệ sĩ.

Những người biết rõ về giáo viên của Vlasenko, Giáo sư Yakov Vladimirovich Flier, cho rằng họ có nhiều điểm chung - khí chất pop tươi sáng, hào phóng trong việc bộc lộ cảm xúc, lối chơi táo bạo, càn quét. Nó thực sự là. Không phải ngẫu nhiên mà khi đến Mátxcơva, Vlasenko trở thành học trò của Flier, và là một trong những học trò thân cận nhất; sau đó mối quan hệ của họ phát triển thành tình bạn. Tuy nhiên, mối quan hệ họ hàng về bản chất sáng tạo của hai nhạc sĩ đã được thể hiện rõ ràng ngay cả từ các tiết mục của họ.

Những người lâu năm của phòng hòa nhạc nhớ rõ Flier đã từng tỏa sáng như thế nào trong các chương trình của Liszt; có một khuôn mẫu là Vlasenko cũng ra mắt tác phẩm của Liszt (cuộc thi năm 1956 tại Budapest).

Lev Nikolaevich nói: “Tôi yêu tác giả này,” Lev Nikolaevich nói, “tư thế nghệ thuật đáng tự hào, những nét bệnh hoạn cao quý, sự lãng mạn ngoạn mục, phong cách diễn đạt hùng biện. Tình cờ là trong âm nhạc của Liszt, tôi luôn dễ dàng tìm thấy chính mình … Tôi nhớ rằng từ khi còn nhỏ, tôi đã chơi nó với niềm vui đặc biệt.

Vlasenko, tuy nhiên, không chỉ bắt đầu từ Liszt theo cách của bạn đến sân khấu hòa nhạc lớn. Và ngày nay, nhiều năm sau, các tác phẩm của nhà soạn nhạc này là trung tâm trong các chương trình của ông – từ etudes, rhapsodies, bản chép lời, các tác phẩm từ chu kỳ “Những năm lang thang” cho đến các bản sonata và các tác phẩm lớn khác. Vì vậy, một sự kiện đáng chú ý trong đời sống giao hưởng của Moscow vào mùa giải 1986/1987 là màn trình diễn của Vlasenko đối với cả hai bản hòa tấu piano, “Dance of Death” và “Fantasy on Hungary Themes” của Liszt; cùng với dàn nhạc do M. Pletnev chỉ huy. (Buổi tối hôm nay được dành riêng để kỷ niệm 175 năm ngày sinh của nhà soạn nhạc.) Thành công với công chúng thực sự tuyệt vời. Và không có gì ngạc nhiên. Tiếng đàn piano lấp lánh, giai điệu phấn khích chung, “bài phát biểu” trên sân khấu lớn, bức bích họa, phong cách chơi mạnh mẽ – tất cả những điều này là yếu tố thực sự của Vlasenko. Ở đây, nghệ sĩ dương cầm xuất hiện từ phía có lợi nhất cho chính mình.

Có một tác giả khác không kém phần thân thiết với Vlasenko, cũng như chính tác giả đó đã thân thiết với người thầy của mình, Rachmaninov. Trên áp phích của Vlasenko, bạn có thể thấy các bản hòa tấu piano, khúc dạo đầu và các tác phẩm khác của Rachmaninoff. Khi một nghệ sĩ piano “bắt nhịp”, anh ấy thực sự thể hiện rất tốt tiết mục này: anh ấy khiến khán giả tràn ngập cảm xúc dạt dào, “choáng ngợp”, như một trong những nhà phê bình đã nói, với niềm đam mê mãnh liệt và sắc nét. Vlasenko sở hữu một cách thuần thục và những âm sắc “cello” dày, đóng một vai trò quan trọng như vậy trong âm nhạc piano của Rachmaninov. Anh ấy có đôi bàn tay nặng nề và mềm mại: bức tranh có âm thanh bằng “dầu” gần với bản chất của anh ấy hơn là “đồ họa” có âm thanh khô khan; – người ta có thể nói, theo phép loại suy bắt đầu với hội họa, rằng một chiếc bút lông rộng sẽ thuận tiện hơn cho anh ta so với một chiếc bút chì vót nhọn. Nhưng, có lẽ, điều chính ở Vlasenko, vì chúng ta nói về cách diễn giải của anh ấy về các vở kịch của Rachmaninov, là anh ấy có thể nắm lấy hình thức âm nhạc như một tổng thể. Ôm một cách tự do và tự nhiên, có lẽ không bị phân tâm bởi một số điều nhỏ nhặt; Nhân tiện, đây chính xác là cách mà Rachmaninov và Flier đã thực hiện.

Cuối cùng là nhà soạn nhạc, người mà theo Vlasenko, gần như đã trở thành người thân thiết nhất với ông trong những năm qua. Đây là Beethoven. Thật vậy, các bản sonata của Beethoven, chủ yếu là Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, các chu kỳ biến thể, Fantasia (Op. 77), đã tạo nên nền tảng cho các tiết mục của Vlasenko những năm XNUMX và XNUMX. Một chi tiết thú vị: không coi mình là một chuyên gia trong các cuộc trò chuyện dài dòng về âm nhạc – với những người biết cách và thích diễn giải nó bằng lời, tuy nhiên, Vlasenko đã nhiều lần nói chuyện với những câu chuyện về Beethoven trên Đài truyền hình trung ương.

Nghệ sĩ dương cầm nói: “Cùng với tuổi tác, tôi thấy ở nhà soạn nhạc này ngày càng hấp dẫn mình hơn. “Từ lâu tôi đã có một ước mơ – được chơi một chu kỳ năm bản concerto dành cho piano của anh ấy.” Lev Nikolaevich đã hoàn thành giấc mơ này một cách xuất sắc trong một trong những mùa giải trước.

Tất nhiên, Vlasenko, với tư cách là một nghệ sĩ khách mời chuyên nghiệp, nên chuyển sang nhiều thể loại âm nhạc. Kho vũ khí biểu diễn của anh ấy bao gồm Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich… Tuy nhiên, thành công của anh ấy trong tiết mục này, nơi có thứ gì đó gần gũi với anh ấy hơn, và thứ gì đó xa hơn, không giống nhau, không phải lúc nào cũng ổn định và thậm chí. Tuy nhiên, người ta không nên ngạc nhiên: Vlasenko có một phong cách biểu diễn khá rõ ràng, nền tảng của nó là kỹ thuật điêu luyện rộng lớn; anh ấy chơi thực sự như một người đàn ông - mạnh mẽ, rõ ràng và đơn giản. Ở đâu đó nó thuyết phục, và hoàn toàn, ở đâu đó không hoàn toàn. Không phải ngẫu nhiên mà nếu bạn xem kỹ các chương trình của Vlasenko, bạn sẽ nhận thấy rằng anh ấy tiếp cận Chopin một cách thận trọng …

Nói về thứо được thực hiện bởi nghệ sĩ, không thể không ghi nhận thành công nhất trong các chương trình của anh ấy trong những năm gần đây. Đây là sonata cung Đô thứ của Liszt và các bức tranh etudes của Rachmaninov, Sonata thứ ba của Scriabin và Sonata của Ginastera, Images và Island of Joy của Debussy, Rondo in E giáng trưởng của Hummel và Cordova của Albeniz… Từ năm 1988, các áp phích của Vlasenko đã được xem Sonata thứ hai của BA Arapov, được anh ấy học gần đây, cũng như Bagatelles, Op. 126 Beethoven, Khúc dạo đầu, Op. 11 và 12 Scriabin (cũng là tác phẩm mới). Trong cách diễn giải của những tác phẩm này và những tác phẩm khác, có lẽ người ta đặc biệt thấy rõ những nét đặc trưng trong phong cách hiện đại của Vlasenko: sự trưởng thành và chiều sâu của tư tưởng nghệ thuật, kết hợp với cảm xúc âm nhạc sống động, mạnh mẽ không phai mờ theo thời gian.

Từ năm 1952, Lev Nikolaevich đã giảng dạy. Lúc đầu, tại Trường hợp xướng Moscow, sau đó tại Trường Gnessin. Từ năm 1957, ông là một trong những giáo viên của Nhạc viện Moscow; trong lớp của mình, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko và các nghệ sĩ piano khác đã nhận được một vé bước vào cuộc sống trên sân khấu. M. Pletnev đã học với Vlasenko trong vài năm - trong năm cuối cùng của anh ấy tại nhạc viện và với tư cách là trợ lý thực tập sinh. Có lẽ đây là những trang sáng sủa và thú vị nhất trong tiểu sử sư phạm của Lev Nikolaevich …

Dạy nghĩa là không ngừng trả lời một số câu hỏi, giải quyết vô số vấn đề bất ngờ mà cuộc sống, thực tiễn giáo dục và tuổi trẻ học sinh đặt ra. Ví dụ, điều gì nên được tính đến khi lựa chọn một tiết mục giáo dục và sư phạm? Làm thế nào để bạn xây dựng mối quan hệ với sinh viên? làm thế nào để tiến hành một bài học để nó có hiệu quả nhất có thể? Nhưng có lẽ nỗi lo lắng lớn nhất nảy sinh đối với bất kỳ giáo viên nhạc viện nào liên quan đến các buổi biểu diễn trước công chúng của học sinh mình. Và bản thân các nhạc sĩ trẻ cũng kiên trì đi tìm câu trả lời từ các giáo sư: để thành công trên sân khấu cần điều gì? có thể bằng cách nào đó chuẩn bị, "cung cấp" nó? Đồng thời, những sự thật hiển nhiên – chẳng hạn như họ nói rằng chương trình phải được học đầy đủ, “hoàn thành” về mặt kỹ thuật, và “mọi thứ phải hoạt động hiệu quả và thành công” – ít người có thể hài lòng. Vlasenko biết rằng trong những trường hợp như vậy, người ta chỉ có thể nói điều gì đó thực sự hữu ích và cần thiết dựa trên kinh nghiệm của bản thân. Chỉ khi bạn bắt đầu từ kinh nghiệm và kinh nghiệm của mình. Trên thực tế, đây chính là điều mà những người mà anh ấy dạy mong đợi ở anh ấy. “Nghệ thuật là trải nghiệm của cuộc sống cá nhân, được kể bằng hình ảnh, bằng cảm giác,” AN Tolstoy viết, “ kinh nghiệm cá nhân tuyên bố là một khái quát» (Tolstykh VI Nghệ thuật và Đạo đức. – M., 1973. S. 265, 266.). Nghệ thuật giảng dạy, thậm chí còn hơn thế. Do đó, Lev Nikolaevich sẵn sàng đề cập đến hoạt động biểu diễn của chính mình – cả trong lớp học, giữa các sinh viên, cũng như trong các cuộc trò chuyện và phỏng vấn công khai:

“Một số điều không thể đoán trước, không thể giải thích được liên tục xảy ra trên sân khấu. Ví dụ, tôi có thể đến phòng hòa nhạc trong trạng thái nghỉ ngơi đầy đủ, chuẩn bị cho buổi biểu diễn, tự tin vào bản thân – và clavierabend sẽ trôi qua mà không cần nhiều nhiệt huyết. Và ngược lại. Tôi có thể lên sân khấu trong tình trạng dường như không thể trích xuất một nốt nhạc nào từ nhạc cụ – và trò chơi sẽ đột nhiên “đi”. Và mọi thứ sẽ trở nên dễ dàng, dễ chịu … Có chuyện gì ở đây vậy? Không biết. Và có lẽ không ai biết.

Mặc dù có điều gì đó có thể thấy trước để tạo điều kiện thuận lợi cho những phút đầu tiên bạn ở trên sân khấu – và chúng là những phút khó khăn nhất, bồn chồn, không đáng tin cậy … – tôi nghĩ điều đó vẫn có thể xảy ra. Ví dụ, điều quan trọng là cấu trúc của chương trình, bố cục của nó. Mọi người biểu diễn đều biết tầm quan trọng của điều này – và chính xác là liên quan đến vấn đề hạnh phúc của nhạc pop. Về nguyên tắc, tôi có xu hướng bắt đầu một bản concerto bằng một đoạn mà tôi cảm thấy bình tĩnh và tự tin nhất có thể. Khi chơi, tôi cố gắng lắng nghe âm thanh của đàn piano càng kỹ càng tốt; thích nghi với âm thanh của căn phòng. Nói tóm lại, tôi cố gắng tham gia đầy đủ, đắm mình trong quá trình biểu diễn, trở nên hứng thú với những gì tôi làm. Đây là điều quan trọng nhất – hứng thú, bị cuốn theo, hoàn toàn tập trung vào trò chơi. Sau đó, sự phấn khích bắt đầu giảm dần. Hoặc có thể bạn chỉ ngừng chú ý đến nó. Từ đây đã là một bước đến trạng thái sáng tạo cần thiết.

Vlasenko rất coi trọng mọi thứ bằng cách này hay cách khác trước một bài phát biểu trước công chúng. “Tôi nhớ có lần tôi đang nói chuyện về chủ đề này với nghệ sĩ piano tuyệt vời người Hungary, Annie Fischer. Cô ấy có một thói quen đặc biệt vào ngày diễn ra buổi hòa nhạc. Cô ấy hầu như không ăn gì cả. Một quả trứng luộc không muối, thế là xong. Điều này giúp cô tìm được trạng thái tâm sinh lý cần thiết trên sân khấu – hồi hộp, phấn khích vui vẻ, thậm chí có thể hơi phấn chấn. Sự tinh tế và sắc nét đặc biệt của cảm xúc xuất hiện, điều hoàn toàn cần thiết đối với một nghệ sĩ biểu diễn hòa nhạc.

Tất cả điều này, nhân tiện, được giải thích dễ dàng. Con người no rồi thì thường có xu hướng rơi vào trạng thái thoải mái tự mãn, phải vậy không? Bản thân nó có thể vừa dễ chịu vừa “thoải mái”, nhưng nó không phù hợp lắm để biểu diễn trước khán giả. Vì chỉ một người được truyền điện từ bên trong, người có tất cả các sợi dây tinh thần của mình rung động căng thẳng, mới có thể gợi lên phản ứng từ khán giả, đẩy nó đến sự đồng cảm …

Do đó, đôi khi điều tương tự cũng xảy ra, như tôi đã đề cập ở trên. Có vẻ như mọi thứ đều có lợi cho một buổi biểu diễn thành công: người nghệ sĩ cảm thấy dễ chịu, nội tâm anh ta bình tĩnh, cân bằng, gần như tự tin vào khả năng của mình. Và buổi hòa nhạc không màu. Không có dòng cảm xúc. Và phản hồi của người nghe, tất nhiên, quá…

Nói tóm lại, cần phải gỡ lỗi, suy nghĩ về thói quen hàng ngày trước buổi biểu diễn – cụ thể là chế độ ăn kiêng – là cần thiết.

Nhưng, tất nhiên, đây chỉ là một mặt của vấn đề. Thay vì bên ngoài. Nói chung, toàn bộ cuộc đời của một nghệ sĩ - lý tưởng nhất - phải như vậy mà anh ta luôn sẵn sàng, bất cứ lúc nào, sẵn sàng đáp lại bằng tâm hồn mình trước cái đẹp cao cả, tâm linh, thơ mộng. Có lẽ, không cần phải chứng minh rằng một người quan tâm đến nghệ thuật, yêu thích văn học, thơ ca, hội họa, sân khấu, có khuynh hướng hướng đến những cảm xúc cao cả hơn nhiều so với một người bình thường, tất cả những sở thích của họ đều tập trung vào lĩnh vực này của cái bình thường, vật chất, hàng ngày.

Các nghệ sĩ trẻ thường nghe trước khi biểu diễn: “Đừng nghĩ đến khán giả! Nó can thiệp! Trên sân khấu chỉ nghĩ về những gì bản thân bạn đang làm … “. Vlasenko nói về điều này: “Thật dễ dàng để tư vấn…”. Anh ấy nhận thức rõ về sự phức tạp, mơ hồ, hai mặt của tình huống này:

“Có khán giả cho cá nhân tôi trong một buổi biểu diễn không? Tôi có để ý cô ấy không? Có và không. Một mặt, khi bạn hoàn toàn tập trung vào quá trình biểu diễn, như thể bạn không nghĩ đến khán giả. Bạn hoàn toàn quên đi mọi thứ ngoại trừ những gì bạn làm trên bàn phím. Chưa hết… Mỗi nhạc sĩ hòa nhạc đều có một giác quan thứ sáu nhất định – tôi có thể nói là “cảm giác về khán giả”. Và do đó, bạn liên tục cảm nhận được phản ứng của những người có mặt trong hội trường, thái độ của mọi người đối với bạn và trò chơi của bạn.

Bạn có biết điều gì là quan trọng nhất đối với tôi trong một buổi hòa nhạc không? Và tiết lộ nhất? Im lặng. Vì mọi thứ đều có thể được tổ chức - cả quảng cáo, và việc chiếm dụng cơ sở, vỗ tay, tặng hoa, chúc mừng, vân vân và vân vân, mọi thứ ngoại trừ sự im lặng. Nếu hội trường đông cứng, nín thở, điều đó có nghĩa là có điều gì đó đang thực sự diễn ra trên sân khấu – điều gì đó quan trọng, thú vị …

Khi tôi cảm thấy trong trò chơi rằng tôi đã thu hút được sự chú ý của khán giả, điều đó mang lại cho tôi một nguồn năng lượng rất lớn. Phục vụ như một loại dope. Những khoảnh khắc như vậy là một niềm hạnh phúc lớn lao đối với người biểu diễn, là điều tuyệt vời nhất trong những giấc mơ của anh ta. Tuy nhiên, giống như bất kỳ niềm vui lớn nào, điều này không thường xuyên xảy ra.

Tình cờ Lev Nikolayevich được hỏi: anh ấy có tin vào cảm hứng sân khấu không – anh ấy, một nghệ sĩ chuyên nghiệp, người mà biểu diễn trước công chúng về cơ bản là một công việc đã được thực hiện thường xuyên, trên quy mô lớn, trong nhiều năm … “Của tất nhiên, bản thân từ “cảm hứng” » đã hoàn toàn mòn, dập, mòn do sử dụng thường xuyên. Với tất cả những điều đó, tin tôi đi, mọi nghệ sĩ đều sẵn sàng gần như cầu nguyện cho cảm hứng. Cảm giác ở đây là có một không hai: như thể bạn là tác giả của bản nhạc đang được biểu diễn; như thể mọi thứ trong đó đều do chính bạn tạo ra. Và có bao nhiêu điều mới mẻ, bất ngờ, thực sự thành công được sinh ra vào những khoảnh khắc như vậy trên sân khấu! Và theo nghĩa đen trong mọi thứ – trong màu sắc của âm thanh, cách viết, trong các sắc thái nhịp điệu, v.v.

Tôi sẽ nói điều này: hoàn toàn có thể tổ chức một buổi hòa nhạc hay, chuyên nghiệp vững chắc ngay cả khi không có cảm hứng. Có rất nhiều trường hợp như vậy. Nhưng nếu cảm hứng đến với người nghệ sĩ, buổi hòa nhạc có thể trở nên khó quên…”

Như bạn đã biết, không có cách nào đáng tin cậy để khơi gợi cảm hứng trên sân khấu. Nhưng Lev Nikolayevich tin rằng có thể tạo ra những điều kiện có lợi cho anh ta trong mọi trường hợp, sẽ chuẩn bị mặt bằng thích hợp.

“Trước hết, một sắc thái tâm lý rất quan trọng ở đây. Bạn cần biết và tin rằng: những gì bạn có thể làm trên sân khấu, không ai khác sẽ làm được. Đừng để nó ở khắp mọi nơi, mà chỉ trong một số tiết mục nhất định, trong các tác phẩm của một hoặc hai hoặc ba tác giả – không quan trọng, đó không phải là vấn đề. Điều chính, tôi nhắc lại, là cảm giác: cách bạn chơi, người khác sẽ không chơi. Anh ta, “người khác” tưởng tượng này có thể có kỹ thuật mạnh hơn, vốn tiết mục phong phú hơn, kinh nghiệm phong phú hơn – bất cứ thứ gì. Tuy nhiên, anh ấy sẽ không hát cụm từ theo cách của bạn, anh ấy sẽ không tìm thấy một sắc thái âm thanh thú vị và tinh tế như vậy …

Cảm giác mà tôi đang nói đến bây giờ hẳn là quen thuộc đối với một nhạc sĩ hòa tấu. Nó truyền cảm hứng, nâng đỡ, giúp đỡ trong những khoảnh khắc khó khăn trên sân khấu.

Tôi thường nghĩ đến người thầy Yakov Vladimirovich Flier của mình. Anh ấy luôn cố gắng cổ vũ các học trò – khiến họ tin vào chính mình. Trong những khoảnh khắc nghi ngờ, khi mọi thứ không suôn sẻ với chúng tôi, bằng cách nào đó, anh ấy đã truyền cho chúng tôi tinh thần tốt, sự lạc quan và tâm trạng sáng tạo tốt. Và điều này đã mang lại cho chúng tôi, những học sinh trong lớp của anh ấy, một lợi ích không thể nghi ngờ.

Tôi nghĩ rằng hầu hết mọi nghệ sĩ khi biểu diễn trên một sân khấu hòa nhạc lớn đều tin chắc trong sâu thẳm tâm hồn rằng mình chơi tốt hơn những người khác một chút. Hoặc, trong mọi trường hợp, có thể anh ấy có thể chơi tốt hơn… Và không cần phải đổ lỗi cho ai về điều này – có lý do cho sự tự điều chỉnh này.

… Năm 1988, một lễ hội âm nhạc quốc tế lớn diễn ra tại Santander (Tây Ban Nha). Nó đã thu hút sự chú ý đặc biệt của công chúng – trong số những người tham gia có I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy và các nghệ sĩ nổi tiếng khác ở châu Âu và hải ngoại. Các buổi hòa nhạc của Lev Nikolaevich Vlasenko đã được tổ chức thành công rực rỡ trong khuôn khổ lễ hội âm nhạc này. Các nhà phê bình đã nói một cách ngưỡng mộ về tài năng, kỹ năng, khả năng vui vẻ của anh ấy để “cuốn hút và say mê…” Các buổi biểu diễn ở Tây Ban Nha, cũng như các chuyến lưu diễn khác của Vlasenko vào nửa sau những năm XNUMX, đã khẳng định một cách thuyết phục rằng niềm yêu thích nghệ thuật của anh ấy vẫn chưa hề giảm sút. Ông vẫn ở một vị trí nổi bật trong cuộc sống hòa nhạc hiện đại, Liên Xô và nước ngoài. Nhưng để giữ được vị trí này khó hơn nhiều so với giành được nó.

G.Tsypin, 1990