Jules Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Bi kịch (F. Chaliapin / 1931)

Chưa bao giờ M. Massenet thể hiện tốt như trong “Werther” những phẩm chất mê hoặc của tài năng đã khiến ông trở thành một nhà sử học âm nhạc của tâm hồn phụ nữ. C. Debussy

Ôi làm sao buồn nôn Massenet!!! Và điều khó chịu nhất là trong này buồn nôn Tôi cảm thấy một cái gì đó liên quan đến tôi. P. Tchaikovsky

Debussy làm tôi ngạc nhiên khi bảo vệ món bánh kẹo này (Massenet's Manon). I. Stravinsky

Mỗi nhạc sĩ Pháp đều có một chút Massenet trong tim, cũng như mỗi người Ý đều có một chút Verdi và Puccini. F. Poulenc

Ý kiến ​​​​khác nhau của những người đương thời! Chúng không chỉ chứa đựng cuộc đấu tranh về thị hiếu và khát vọng, mà còn chứa đựng sự mơ hồ trong tác phẩm của J. Massenet. Ưu điểm chính trong âm nhạc của anh ấy là ở giai điệu, mà theo nhà soạn nhạc A. Bruno, “bạn sẽ nhận ra giữa hàng nghìn người”. Thông thường, chúng được kết nối chặt chẽ với từ này, do đó tính linh hoạt và biểu cảm phi thường của chúng. Ranh giới giữa giai điệu và phần ngâm thơ gần như không thể nhận thấy, và do đó, các cảnh opera của Massenet không được chia thành các số khép kín và các tập "phục vụ" kết nối chúng, như trường hợp của những người tiền nhiệm - Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Yêu cầu hành động xuyên suốt, tính hiện thực âm nhạc là yêu cầu thực tế của thời đại. Massenet thể hiện chúng theo một cách rất Pháp, theo nhiều cách làm sống lại những truyền thống có từ thời JB Lully. Tuy nhiên, phần ngâm thơ của Massenet không dựa trên phần ngâm thơ trang trọng, hơi khoa trương của các diễn viên bi kịch, mà dựa trên lối nói hàng ngày không nghệ thuật của một người giản dị. Đây là điểm mạnh và độc đáo chính trong lời bài hát của Massenet, đây cũng là nguyên nhân dẫn đến những thất bại của anh khi chuyển sang thể loại bi kịch cổ điển (“The Sid” theo P. Corneille). Là một nhà thơ trữ tình bẩm sinh, một ca sĩ của những chuyển động thầm kín của tâm hồn, có khả năng mang đến chất thơ đặc biệt cho những hình ảnh phụ nữ, anh ta thường đảm nhận những âm mưu bi thảm và khoa trương của vở opera “lớn”. Nhà hát Opera Comique là không đủ đối với anh ấy, anh ấy còn phải thống trị Grand Opera, nơi mà anh ấy đã nỗ lực gần như Meyerbeerian. Vì vậy, tại một buổi hòa nhạc từ âm nhạc của nhiều nhà soạn nhạc khác nhau, Massenet, bí mật từ các đồng nghiệp của mình, đã thêm một ban nhạc kèn đồng lớn vào bản nhạc của mình và khiến khán giả điếc tai, hóa ra là người hùng của thời đại. Massenet dự đoán một số thành tựu của C. Debussy và M. Ravel (phong cách ngâm thơ trong opera, điểm nổi bật của hợp âm, cách điệu của âm nhạc Pháp thời kỳ đầu), nhưng, hoạt động song song với họ, vẫn nằm trong thẩm mỹ của thế kỷ XNUMX.

Sự nghiệp âm nhạc của Massenet bắt đầu khi anh vào nhạc viện năm 1866 tuổi. Chẳng mấy chốc, gia đình chuyển đến Chambéry, nhưng Jules không thể sống thiếu Paris và bỏ nhà đi hai lần. Chỉ có nỗ lực thứ hai là thành công, nhưng cậu bé mười bốn tuổi biết tất cả cuộc sống bất ổn của nghệ thuật phóng túng được mô tả trong Những cảnh ... của A. Murger (người mà cậu biết cá nhân, cũng như các nguyên mẫu của Schoenard và Musetta). Vượt qua nhiều năm nghèo khó, nhờ làm việc chăm chỉ, Massenet đã đạt được Giải thưởng Great Rome, giải thưởng giúp anh có quyền thực hiện chuyến đi kéo dài 1867 năm tới Ý. Từ nước ngoài, ông trở về vào năm 1872 với hai franc trong túi và cùng với một sinh viên piano, người sau đó trở thành vợ ông. Tiểu sử xa hơn của Massenet là một chuỗi liên tục những thành công ngày càng tăng. Năm 1877, vở opera đầu tiên của ông, The Great Dì, được dàn dựng, một năm sau, ông có một nhà xuất bản cố định, và các dãy phòng dành cho dàn nhạc của ông đã thành công rực rỡ. Và sau đó Massenet đã tạo ra những tác phẩm ngày càng trưởng thành và có ý nghĩa hơn: vở opera Don Cesar de Bazan (1873), The King of Lahore (1873), vở oratorio-opera Mary Magdalene (1866), nhạc cho Erinyes của C. Leconte de Lily (1878) với bản “Elegy” nổi tiếng, giai điệu của bản này xuất hiện sớm nhất vào năm 1883 với tư cách là một trong Mười bản nhạc cho piano – tác phẩm xuất bản đầu tiên của Massenet. Năm 1886, Massenet trở thành giáo sư tại Nhạc viện Paris và được bầu làm thành viên của Viện Pháp. Anh ấy là trung tâm của sự chú ý của công chúng, được công chúng yêu mến, được biết đến với sự lịch thiệp và hóm hỉnh vĩnh cửu. Đỉnh cao trong công việc của Massenet là vở opera Manon (1894) và Werther (1902), và cho đến ngày nay chúng vẫn vang lên trên sân khấu của nhiều nhà hát trên khắp thế giới. Cho đến cuối đời, nhà soạn nhạc vẫn không làm chậm hoạt động sáng tạo của mình: không nghỉ ngơi cho bản thân hoặc người nghe, ông đã viết hết vở opera này đến vở opera khác. Kỹ năng phát triển, nhưng thời gian thay đổi, và phong cách của anh ấy vẫn không thay đổi. Năng khiếu sáng tạo giảm đi rõ rệt, đặc biệt là trong thập kỷ qua, mặc dù Massenet vẫn được tôn trọng, tôn vinh và mọi lời chúc phúc của thế gian. Trong những năm này, vở opera Thais (1910) với tác phẩm nổi tiếng Thiền, Người tung hứng của Đức Mẹ (XNUMX) và Don Quixote (XNUMX, sau J. Lorrain), được viết riêng cho F. Chaliapin.

Massenet nông cạn, được coi là kẻ thù không đội trời chung và đối thủ K. Saint-Saens, “nhưng điều đó không thành vấn đề.” “… Nghệ thuật cần các loại nghệ sĩ … Anh ấy có sức quyến rũ, khả năng quyến rũ và tính khí lo lắng, mặc dù nông cạn … Về lý thuyết, tôi không thích thể loại âm nhạc này … Nhưng làm sao bạn có thể cưỡng lại khi nghe thấy Manon dưới chân của de Grieux trong phòng áo thánh của Saint-Sulpice? Làm sao để không bị những tiếng thổn thức yêu thương này thu hút đến tận sâu thẳm tâm hồn? Làm thế nào để suy nghĩ và phân tích nếu bạn cảm động?

E. Áo sơ mi

Là con trai của một chủ mỏ sắt, Massenet được mẹ dạy những bài học âm nhạc đầu tiên; tại Nhạc viện Paris, anh ấy đã học với Savard, Lauren, Bazin, Reber và Thomas. Năm 1863, ông được trao Giải thưởng Rome. Cống hiến hết mình cho nhiều thể loại, anh ấy cũng chăm chỉ làm việc trong lĩnh vực sân khấu. Năm 1878, sau thành công của The King of Lahore, ông được bổ nhiệm làm giáo sư sáng tác tại nhạc viện, vị trí mà ông giữ cho đến năm 1896, khi đã đạt được danh tiếng thế giới, ông rời bỏ mọi chức vụ, kể cả giám đốc của Institut de France.

“Massenet hoàn toàn nhận ra bản thân, và người muốn chọc ghẹo anh ấy, đã bí mật nói về anh ấy với tư cách là học trò của nhạc sĩ thời trang Paul Delmay, đã bắt đầu một trò đùa ác ý. Ngược lại, Massenet bị bắt chước rất nhiều, đó là sự thật… phần hòa âm của anh ấy giống như những cái ôm, và giai điệu của anh ấy giống như những chiếc cổ cong… Có vẻ như Massenet đã trở thành nạn nhân của những thính giả xinh đẹp của anh ấy, những người hâm mộ cuồng nhiệt trong một thời gian dài. các buổi biểu diễn… Thú thực là tôi không hiểu tại sao lại thích những bà già, những người yêu thích Wagner và những phụ nữ quốc tế, hơn là những cô gái trẻ thơm tho không chơi piano giỏi. Những khẳng định này của Debussy, trớ trêu thay, là một dấu hiệu tốt về công việc của Massenet và tầm quan trọng của nó đối với văn hóa Pháp.

Khi Manon được tạo ra, các nhà soạn nhạc khác đã xác định đặc điểm của opera Pháp trong suốt thế kỷ. Hãy xem Faust của Gounod (1859), Les Troyens (1863) chưa hoàn thành của Berlioz, Người phụ nữ châu Phi (1865) của Meyerbeer, Mignon của Thomas (1866), Carmen của Bizet (1875), Samson và Delilah của Saint-Saens (1877), “Truyện kể”. của Hoffmann” của Offenbach (1881), “Lakme” của Delibes (1883). Ngoài việc sản xuất opera, những tác phẩm quan trọng nhất của César Franck, được viết từ năm 1880 đến 1886, đóng vai trò quan trọng trong việc tạo ra bầu không khí huyền bí gợi cảm trong âm nhạc cuối thế kỷ, rất đáng được nhắc đến. Đồng thời, Lalo đã nghiên cứu kỹ văn hóa dân gian, và Debussy, người đã được trao Giải thưởng Rome năm 1884, đã gần đạt đến sự hình thành cuối cùng về phong cách của mình.

Đối với các loại hình nghệ thuật khác, chủ nghĩa ấn tượng trong hội họa đã không còn hữu ích, và các nghệ sĩ đã chuyển sang mô tả các hình thức theo cả chủ nghĩa tự nhiên và tân cổ điển, mới và ấn tượng, chẳng hạn như Cezanne. Degas và Renoir chuyển sang mô tả cơ thể con người theo chủ nghĩa tự nhiên một cách dứt khoát hơn, trong khi Seurat vào năm 1883 đã trưng bày bức tranh “Tắm” của mình, trong đó sự bất động của các hình tượng đánh dấu sự chuyển sang một cấu trúc dẻo mới, có lẽ mang tính biểu tượng, nhưng vẫn cụ thể và rõ ràng. . Chủ nghĩa tượng trưng chỉ mới bắt đầu xuất hiện trong các tác phẩm đầu tiên của Gauguin. Ngược lại, khuynh hướng tự nhiên (với những nét đặc trưng của chủ nghĩa tượng trưng trên nền tảng xã hội), rất rõ ràng vào thời điểm này trong văn học, đặc biệt là trong tiểu thuyết của Zola (năm 1880, Nana xuất hiện, một cuốn tiểu thuyết về cuộc đời của một kỹ nữ). Xung quanh nhà văn, một nhóm được thành lập hướng đến hình ảnh của một thực tế khó coi hơn hoặc ít nhất là khác thường đối với văn học: từ năm 1880 đến 1881, Maupassant chọn một nhà chứa làm bối cảnh cho những câu chuyện của mình trong tuyển tập “Ngôi nhà của Tellier”.

Tất cả những ý tưởng, ý định và xu hướng này có thể dễ dàng tìm thấy ở Manon, nhờ đó nhà soạn nhạc đã đóng góp cho nghệ thuật opera. Sự khởi đầu đầy sóng gió này được theo sau bởi một thời gian dài phục vụ cho vở opera, trong thời gian đó không phải lúc nào chất liệu phù hợp cũng được tìm thấy để bộc lộ công lao của nhà soạn nhạc và sự thống nhất trong quan niệm sáng tạo không phải lúc nào cũng được bảo tồn. Kết quả là, các loại mâu thuẫn khác nhau được quan sát thấy ở cấp độ phong cách. Đồng thời, chuyển từ verismo sang suy đồi, từ một câu chuyện cổ tích sang một câu chuyện lịch sử hoặc kỳ lạ với cách sử dụng đa dạng các bộ phận thanh nhạc và dàn nhạc, Massenet không bao giờ làm khán giả thất vọng, nếu chỉ nhờ vào chất liệu âm thanh được chế tạo xuất sắc. Trong bất kỳ vở opera nào của anh ấy, ngay cả khi chúng không thành công về tổng thể, thì vẫn có một trang đáng nhớ sống một cuộc sống độc lập bên ngoài bối cảnh chung. Tất cả những trường hợp này đã đảm bảo cho sự thành công rực rỡ của Massenet trên thị trường đĩa hát. Cuối cùng, những ví dụ điển hình nhất của anh ấy là những ví dụ mà nhà soạn nhạc sống thật với chính mình: trữ tình và nồng nàn, dịu dàng và gợi cảm, truyền tải sự kính trọng của anh ấy đến những phần của các nhân vật chính đồng điệu nhất với anh ấy, những người tình, những người có đặc điểm không xa lạ với sự tinh tế. của các giải pháp giao hưởng, đạt được một cách dễ dàng và không có giới hạn của học sinh.

G. Marchesi (dịch bởi E. Greceanii)

Là tác giả của 70 vở opera, ba vở ballet, dàn nhạc giao hưởng nổi tiếng (Neapolitan, Alsatian, Scenes Picturesque) và nhiều tác phẩm khác thuộc mọi thể loại nghệ thuật âm nhạc, Massenet là một trong những nhà soạn nhạc mà cuộc đời không biết đến những thử thách nghiêm trọng. Tài năng tuyệt vời, trình độ chuyên môn cao và sự tinh tế trong nghệ thuật đã giúp ông được công chúng biết đến vào đầu những năm XNUMX.

Anh sớm phát hiện ra những gì phù hợp với tính cách của mình; đã chọn chủ đề của mình, anh ấy không ngại lặp lại chính mình; Ông viết một cách dễ dàng, không do dự, và để thành công, ông sẵn sàng thỏa hiệp một cách sáng tạo với thị hiếu thịnh hành của công chúng tư sản.

Jules Massenet sinh ngày 12 tháng 1842 năm 1863, khi còn nhỏ ông vào Nhạc viện Paris, từ đó ông tốt nghiệp năm 1866. Sau khi ở lại với tư cách là người đoạt giải trong ba năm ở Ý, ông trở lại Paris vào năm XNUMX. Một cuộc tìm kiếm dai dẳng để tìm đường đến vinh quang bắt đầu. Massenet viết cả opera và suite cho dàn nhạc. Nhưng cá tính của anh được thể hiện rõ nét hơn trong các vở thanh nhạc (“Bài thơ mục đồng”, “Bài thơ mùa đông”, “Bài thơ tháng tư”, “Bài thơ tháng mười”, “Bài thơ tình yêu”, “Bài thơ ký ức”). Những vở kịch này được viết dưới ảnh hưởng của Schumann; họ phác thảo kho đặc trưng của phong cách thanh nhạc nổi tiếng của Massenet.

Năm 1873, cuối cùng ông cũng được công nhận - đầu tiên là với âm nhạc cho vở bi kịch "Erinnia" của Aeschylus (do Leconte de Lisle dịch tự do), và sau đó - "vở kịch thiêng liêng" "Mary Magdalene", được biểu diễn trong buổi hòa nhạc. Với những lời chân thành, Bizet đã chúc mừng thành công của Massenet: “Trường học mới của chúng tôi chưa bao giờ tạo ra bất cứ thứ gì như thế này. Bạn đã khiến tôi phát sốt, nhân vật phản diện! Ồ, bạn, một nhạc sĩ nặng ký … Chết tiệt, bạn đang làm phiền tôi vì điều gì đó! ..». “Chúng ta phải chú ý đến người bạn này,” Bizet viết cho một trong những người bạn của mình. “Hãy nhìn xem, anh ấy sẽ cắm chúng ta vào thắt lưng.”

Bizet đã nhìn thấy trước tương lai: chẳng mấy chốc, chính ông đã kết thúc một cuộc đời ngắn ngủi, và Massenet trong những thập kỷ tới đã chiếm vị trí hàng đầu trong số các nhạc sĩ Pháp đương đại. Những năm 70 và 80 là những năm rực rỡ và hiệu quả nhất trong công việc của ông.

"Mary Magdalene", mở đầu thời kỳ này, có đặc điểm gần giống với một vở opera hơn là một oratorio, và nhân vật nữ chính, một tội nhân ăn năn tin vào Chúa Kitô, người xuất hiện trong âm nhạc của nhà soạn nhạc với tư cách là một người Paris hiện đại, được sơn cùng màu với tư cách là kỹ nữ Manon. Trong tác phẩm này, vòng tròn hình ảnh và phương tiện biểu đạt yêu thích của Massenet đã được xác định.

Bắt đầu với con trai của Dumas và sau đó là Goncourts, một phòng trưng bày các kiểu phụ nữ, duyên dáng và hay lo lắng, dễ gây ấn tượng và mong manh, nhạy cảm và bốc đồng, đã thành danh trong văn học Pháp. Thường thì đây là những tội nhân ăn năn đầy quyến rũ, “những quý cô của nửa thế giới”, mơ về mái ấm gia đình, về hạnh phúc bình dị, nhưng lại tan vỡ trong cuộc chiến chống lại thực tế tư sản đạo đức giả, buộc phải từ bỏ ước mơ, từ người thân, từ đời sống … (Đây là nội dung các tiểu thuyết và vở kịch của Dumas son: The Lady of the Camellias (tiểu thuyết – 1848, dàn dựng sân khấu – 1852), Diana de Liz (1853), The Lady of the Half World (1855); xem thêm tiểu thuyết của anh em nhà Goncourt ” Rene Mauprin” (1864), Daudet “Sappho” (1884) và những người khác.) Tuy nhiên, bất kể cốt truyện, thời đại và quốc gia (có thật hay hư cấu), Massenet đã miêu tả một người phụ nữ thuộc giới tư sản của mình, mô tả một cách nhạy cảm thế giới nội tâm của cô ấy.

Người đương thời gọi Massenet là “nhà thơ của tâm hồn phụ nữ”.

Theo sau Gounod, người có ảnh hưởng mạnh mẽ đến anh ta, Massenet, thậm chí còn có lý do chính đáng hơn, có thể được xếp vào “trường phái nhạy cảm thần kinh”. Nhưng không giống như Gounod tương tự, người đã sử dụng nhiều màu sắc phong phú và đa dạng hơn trong các tác phẩm hay nhất của mình để tạo ra nền tảng khách quan cho cuộc sống (đặc biệt là ở Faust), Massenet tinh tế hơn, tao nhã hơn, chủ quan hơn. Anh gần gũi hơn với hình ảnh nữ tính mềm mại, duyên dáng, gợi cảm. Để phù hợp với điều này, Massenet đã phát triển một phong cách phát sinh cá nhân, cốt lõi là tuyên bố, truyền tải nội dung của văn bản một cách tinh tế, nhưng rất du dương và những “vụ nổ” cảm xúc bất ngờ nổi lên được phân biệt bằng các cụm từ mang hơi thở du dương rộng rãi:

Phần dàn nhạc cũng được phân biệt bởi sự tinh tế của lớp hoàn thiện. Thông thường, nguyên tắc giai điệu phát triển trong đó, góp phần thống nhất phần giọng hát ngắt quãng, tinh tế và mỏng manh:

Cách thức tương tự sẽ sớm trở thành điển hình trong các vở opera của những người theo chủ nghĩa xác thực người Ý (Leoncavallo, Puccini); chỉ có sự bùng nổ cảm xúc của họ là nóng nảy và đam mê hơn. Ở Pháp, cách giải thích phần thanh nhạc này đã được nhiều nhà soạn nhạc cuối thế kỷ XNUMX và đầu thế kỷ XNUMX áp dụng.

Nhưng trở lại những năm 70.

Sự công nhận bất ngờ đã truyền cảm hứng cho Massenet. Các tác phẩm của ông thường được biểu diễn trong các buổi hòa nhạc (Những cảnh đẹp như tranh vẽ, Phaedra Overture, Dàn nhạc thứ ba, Đêm giao thừa thiêng liêng và những người khác), và Grand Opera trình diễn vở opera King Lagorsky (1877, từ cuộc sống của người Ấn Độ; xung đột tôn giáo làm nền ). Một lần nữa thành công rực rỡ: Massenet được trao vương miện với vòng nguyệt quế của một viện sĩ – ở tuổi ba mươi sáu, ông trở thành thành viên của Viện Pháp và nhanh chóng được mời làm giáo sư tại nhạc viện.

Tuy nhiên, trong “King of Lagorsk”, cũng như tác phẩm “Esclarmonde” (1889) được viết sau này, vẫn còn rất nhiều điều từ thói quen của “grand opera” – thể loại sân khấu nhạc kịch truyền thống của Pháp đã cạn kiệt khả năng nghệ thuật từ lâu. Massenet hoàn toàn tìm thấy chính mình trong những tác phẩm hay nhất của mình - “Manon” (1881-1884) và “Werther” (1886, công chiếu lần đầu tại Vienna năm 1892).

Vì vậy, ở tuổi bốn mươi lăm, Massenet đã đạt được danh tiếng mong muốn. Tuy nhiên, tiếp tục làm việc với cường độ như cũ, trong 1894 năm tiếp theo của cuộc đời, ông không chỉ mở rộng tầm nhìn tư tưởng và nghệ thuật của mình mà còn áp dụng các hiệu ứng sân khấu và phương tiện biểu đạt mà ông đã phát triển trước đó cho các cốt truyện hoạt động khác nhau. Và mặc dù thực tế là buổi ra mắt của những tác phẩm này được trang bị với sự hào nhoáng liên tục, hầu hết chúng đều bị lãng quên một cách xứng đáng. Tuy nhiên, bốn vở opera sau đây chắc chắn được quan tâm: “Người Thái” (1894, cốt truyện của tiểu thuyết của A. France được sử dụng), về mặt tinh tế của khuôn mẫu giai điệu, gần giống với “Manon”; “Navarreca” (1897) và “Sappho” (1910), phản ánh những ảnh hưởng chân thực (vở opera cuối cùng được viết dựa trên tiểu thuyết của A. Daudet, cốt truyện gần với “Lady of the Camellias” của con trai Dumas, và do đó “của Verdi” La Traviata”; trong “Sappho” nhiều trang nhạc sôi động, chân thực); "Don Quixote" (XNUMX), nơi Chaliapin gây sốc cho khán giả trong vai chính.

Massenet qua đời vào ngày 13 tháng 1912 năm XNUMX.

Trong mười tám năm (1878-1896), ông dạy một lớp sáng tác tại Nhạc viện Paris, đào tạo nhiều sinh viên. Trong số đó có các nhà soạn nhạc Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, tác phẩm kinh điển của âm nhạc Rumani, George Enescu, và những người khác sau này nổi tiếng ở Pháp. Nhưng ngay cả những người không học với Massenet (ví dụ, Debussy) cũng bị ảnh hưởng bởi phong cách thanh nhạc nhạy cảm, linh hoạt trong biểu cảm và phong cách tuyên bố phát sinh của anh ấy.

* * *

Tính toàn vẹn của cách diễn đạt trữ tình-kịch tính, sự chân thành, trung thực trong việc truyền tải những cảm xúc rung động - đó là những ưu điểm trong các vở opera của Massenet, được bộc lộ rõ ​​nhất ở Werther và Manon. Tuy nhiên, nhà soạn nhạc thường thiếu sức mạnh nam tính trong việc truyền tải những đam mê của cuộc sống, những tình huống kịch tính, nội dung xung đột, và sau đó là sự tinh tế, đôi khi là sự ngọt ngào của salon, đột phá trong âm nhạc của ông.

Đây là những dấu hiệu đặc trưng của cuộc khủng hoảng thể loại ngắn ngủi “nhạc kịch trữ tình” của Pháp, hình thành từ những năm 60 và những năm 70 đã hấp thụ mạnh mẽ những xu hướng mới, tiến bộ đến từ văn học, hội họa, sân khấu hiện đại. Tuy nhiên, sau đó, những đặc điểm của giới hạn đã được bộc lộ ở anh ta, những đặc điểm đã được đề cập ở trên (trong bài viết dành riêng cho Gounod).

Thiên tài của Bizet đã vượt qua những giới hạn hạn hẹp của “vở opera trữ tình”. Kịch tính hóa và mở rộng nội dung của các tác phẩm sân khấu và âm nhạc thời kỳ đầu của mình, phản ánh chân thực và sâu sắc hơn những mâu thuẫn của hiện thực, ông đã đạt đến đỉnh cao của chủ nghĩa hiện thực trong Carmen.

Nhưng văn hóa opera của Pháp đã không dừng lại ở cấp độ này, bởi vì những bậc thầy lỗi lạc nhất của nó trong những thập kỷ cuối của thế kỷ 60 không có sự tuân thủ kiên quyết của Bizet đối với các nguyên tắc trong việc khẳng định lý tưởng nghệ thuật của họ. Kể từ cuối những năm 1877, do các đặc điểm phản động trong thế giới quan được củng cố, Gounod, sau khi tạo ra Faust, Mireil và Romeo và Juliet, đã xa rời truyền thống dân tộc tiến bộ. Ngược lại, Saint-Saens không thể hiện sự nhất quán trong các tìm kiếm sáng tạo của mình, mang tính chiết trung và chỉ trong Samson và Delilah (1883), ông mới đạt được thành công đáng kể, mặc dù không hoàn toàn. Ở một mức độ nào đó, một số thành tựu trong lĩnh vực opera cũng là phiến diện: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (King of the City of Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Tất cả những tác phẩm này thể hiện những cốt truyện khác nhau, nhưng trong cách diễn giải âm nhạc của chúng, ảnh hưởng của cả vở opera “vĩ đại” và “trữ tình” đã giao thoa ở mức độ này hay mức độ khác.

Massenet cũng đã thử sức mình ở cả hai thể loại, và anh ấy đã cố gắng cập nhật phong cách lỗi thời của “grand opera” với lời bài hát trực tiếp, dễ hiểu về phương tiện biểu đạt. Trên hết, anh ấy bị thu hút bởi những gì Gounod cố định ở Faust, thứ đã phục vụ Massenet như một hình mẫu nghệ thuật không thể tiếp cận.

Tuy nhiên, đời sống xã hội nước Pháp sau Công xã Pa-ri đặt ra cho các nhà sáng tác những nhiệm vụ mới – cần bộc lộ rõ ​​nét hơn những mâu thuẫn thực sự của hiện thực. Bizet đã bắt được họ ở Carmen, nhưng Massenet đã trốn tránh điều này. Anh khép mình trong thể loại opera trữ tình, đồng thời thu hẹp hơn nữa chủ đề của nó. Tất nhiên, với tư cách là một nghệ sĩ lớn, tác giả của Manon và Werther đã phản ánh một phần kinh nghiệm và suy nghĩ của những người cùng thời trong các tác phẩm của mình. Điều này đặc biệt ảnh hưởng đến sự phát triển của các phương tiện biểu cảm cho bài phát biểu âm nhạc nhạy cảm về thần kinh, phù hợp hơn với tinh thần hiện đại; những thành tựu của anh ấy rất có ý nghĩa cả trong việc xây dựng các cảnh trữ tình “thông qua” của vở opera và trong cách diễn giải tâm lý tinh tế của dàn nhạc.

Đến những năm 90, thể loại Massenet được yêu thích này đã cạn kiệt. Ảnh hưởng của verismo hoạt động của Ý bắt đầu được cảm nhận (kể cả trong tác phẩm của chính Massenet). Ngày nay, các chủ đề hiện đại được khẳng định tích cực hơn trong sân khấu nhạc kịch Pháp. Điển hình về mặt này là các vở opera của Alfred Bruno (Giấc mơ dựa trên tiểu thuyết của Zola, 1891; Cuộc vây hãm cối xay dựa trên Maupassant, 1893, và những vở khác), không phải là không có các đặc điểm của chủ nghĩa tự nhiên, và đặc biệt là vở opera Louise của Charpentier. (1900), ở nhiều khía cạnh đã mô tả thành công, mặc dù hơi mơ hồ, nhưng không đủ ấn tượng về những bức tranh về cuộc sống của người Paris hiện đại.

Việc dàn dựng vở Pelléas et Mélisande của Claude Debussy vào năm 1902 mở ra một thời kỳ mới trong văn hóa âm nhạc và sân khấu của Pháp – trường phái ấn tượng trở thành xu hướng phong cách thống trị.

M. Druskin

Sáng tác:

Toán tử (tổng 25) Ngoại trừ các vở opera "Manon" và "Werther", chỉ có ngày công chiếu được đặt trong ngoặc. “Bà nội”, libretto của Adeny và Granvallet (1867) “Ful King's Cup”, libretto của Galle và Blo (1867) “Don Cesar de Bazan”, libretto của d'Ennery, Dumanois và Chantepie (1872) “King of Lahore” , libretto của Galle (1877) Herodias, libretto của Millet, Gremont và Zamadini (1881) Manon, libretto của Méliac và Gilles (1881-1884) “Werther”, libretto của Blo, Mille và Gartmann (1886, ra mắt — 1892) “ The Sid”, libretto của d'Ennery, Blo và Galle (1885) «Ésclarmonde», libretto của Blo và Gremont (1889) The Magician, libretto của Richpin (1891) “Người Thái”, libretto của Galle (1894) “Chân dung của Manon”, libretto của Boyer (1894) “Navarreca”, libretto của Clarty và Ken (1894) Sappho, libretto của Kena và Berneda (1897) Cinderella, libretto của Ken (1899) Griselda, libretto của Sylvester và Moran (1901) “ Kẻ tung hứng của Đức Mẹ”, libretto của Len (1902) Cherub, libretto của Croisset và Ken (1905) Ariana, libretto của Mendes (1906) Teresa, libretto của Clarty (1907) “Vakh” (1910) Don Quixote, libretto b y Ken (1910) Rome, libretto của Ken (1912) “Amadis” (di cảo) “Cleopatra”, libretto của Payen (di cảo)

Các tác phẩm nhạc kịch và cantata-oratorio khác Âm nhạc cho bi kịch của Aeschylus “Erinnia” (1873) “Mary Magdalene”, vở kịch thiêng liêng Halle (1873) Eve, vở kịch thiêng liêng Halle (1875) Narcissus, bài ca cổ của Collin (1878) “The Immaculate Virgin”, truyền thuyết thiêng liêng của Grandmougins (1880) “Carillon”, bắt chước và khiêu vũ huyền thoại (1892) “Promised Land”, oratorio (1900) Chuồn chuồn, ba lê (1904) “Tây Ban Nha”, ba lê (1908)

Tác phẩm giao hưởng Pompeii, tổ khúc dành cho dàn nhạc (1866) Tổ khúc đầu tiên dành cho dàn nhạc (1867) “Hungary Scenes” (Tổ khúc thứ hai dành cho dàn nhạc) (1871) “Những cảnh đẹp như tranh vẽ” (1871) Tổ khúc thứ ba dành cho dàn nhạc (1873) Overture “Phaedra” (1874) “ Những cảnh ấn tượng theo Shakespeare” (1875) “Những cảnh ở Neapolitan” (1882) “Những cảnh ở Alsatian” (1882) “Những cảnh mê hoặc” (1883) và những cảnh khác

Ngoài ra, có rất nhiều tác phẩm khác nhau dành cho piano, khoảng 200 bản tình ca ("Bài hát thân mật", "Bài thơ mục vụ", "Bài thơ về mùa đông", "Bài thơ về tình yêu", "Bài thơ về ký ức" và những tác phẩm khác), tác phẩm dành cho nhạc cụ thính phòng. hòa tấu.

Tác phẩm văn học “Ký ức của tôi” (1912)