Ivan Vasilyevich Ershov |

Ivan Ershov

DN. – Đại diện lớn nhất của trường phái thanh nhạc hiện thực, Ershov khẳng định một cách kiên quyết và sống động các nguyên tắc của mình.

Tác phẩm của Ershov nóng bỏng, phóng khoáng, say mê say đắm. Khi anh ấy còn sống, anh ấy đã biểu diễn như vậy. Sức mạnh của sự thuyết phục, sự đơn giản là một phần không thể thiếu trong bản chất nghệ thuật của anh ấy.

Không có gì ngạc nhiên khi một trong những người cùng thời gọi ông là Chaliapin trong số các kỳ hạn.

Ivan Vasilyevich Ershov sinh ngày 20 tháng 1867 năm XNUMX. “Tuổi thơ của tôi thật khó khăn,” Ershov nhớ lại. – Tôi thuộc gia đình “dư miệng”. Mẹ tôi làm đầy tớ trong một gia đình địa chủ nghèo khó. Tôi sẽ trở thành một kỹ sư đường sắt. Anh ta đã vượt qua các kỳ thi cho chức danh trợ lý lái xe và đã nhiều lần đi đến tuyến, lái một đầu máy hơi nước. Nhưng Anton Rubinstein vĩ đại đã thu hút sự chú ý của tôi, một chàng trai trẻ. Kể từ đó, cuộc đời tôi dành trọn cho nghệ thuật, âm nhạc.”

Vâng, khi nó xảy ra, một trường hợp đã giúp anh ta. Ershov học tại trường đường sắt ở Yelets, thường biểu diễn trong các buổi hòa nhạc nghiệp dư. Khả năng phi thường của anh ấy là không thể phủ nhận. Tại đây, ông đã được nghe bởi giáo sư của Nhạc viện St. Petersburg NB Pansh. Cô ấy nói với AG Rubinstein về một chàng trai trẻ tài năng. Theo lời giới thiệu của nghệ sĩ dương cầm vĩ đại, người thợ máy ngày hôm qua đã trở thành học viên của lớp thanh nhạc do Stanislav Ivanovich Gabel phụ trách. Những năm học không hề dễ dàng: tất cả thu nhập là 15 rúp một tháng, học bổng và bữa trưa miễn phí.

Năm 1893 Ershov tốt nghiệp Nhạc viện St. Petersburg. Cùng năm đó, anh ra mắt với vai Faust.

AA Gozenpud viết: “Ca sĩ trẻ không gây ấn tượng tốt. Anh ấy được khuyên nên đến Ý để cải thiện. Sau bốn tháng học với giáo viên Rossi, anh ấy đã ra mắt thành công rực rỡ tại Nhà hát Opera Regio. Một thành công mới đã mang lại cho anh vai diễn José trong Carmen. Tin đồn về các buổi biểu diễn nước ngoài của Yershov đã đến tai Napravnik và Vsevolozhsky, và nghệ sĩ đã được mời ra mắt lần đầu tiên. Đặc biệt, điều này xảy ra sau khi anh ấy nổi tiếng ở nước ngoài. Không chắc rằng 4 tháng học với Rossi có thể làm phong phú đáng kể văn hóa thanh nhạc của anh ấy. Trở về Nga, Ershov biểu diễn ở Kharkov trong mùa giải 1894/95. Buổi ra mắt tại Nhà hát Mariinsky diễn ra vào tháng 1895 năm XNUMX với tên Faust.

Màn trình diễn này cũng đáng chú ý vì một nghệ sĩ ra mắt khác, giọng nam trầm trẻ tuổi Fyodor Chaliapin, đã biểu diễn với vai Mephistopheles. Trong tương lai, như bạn đã biết, Chaliapin đã hát trên hầu hết các sân khấu lớn trên thế giới, và toàn bộ cuộc đời sáng tạo của Ershov thực tế chỉ giới hạn ở Nhà hát Mariinsky (sau này là Kirov).

Lúc đầu, Ershov đã hát nhiều phần giọng nam cao ở đây, nhưng theo thời gian, rõ ràng thiên chức thực sự của anh là những vai anh hùng. Chính trên con đường này, những khả năng nổi bật của anh ấy đã được bộc lộ không chỉ với tư cách là một ca sĩ mà còn là một ca sĩ kiêm diễn viên. Phác thảo quan điểm nghệ thuật của mình, Ershov viết:

“Tiếng hát của ca sĩ là tiếng nói của trái tim. Từ ngữ, nét mặt, sự biến hóa của dáng người trong trang phục của thời đại, trong trang phục của dân tộc và giai cấp của nó; năm của anh ấy, tính cách của anh ấy, thái độ của anh ấy với môi trường, v.v., v.v. - tất cả những điều này đòi hỏi ở ca sĩ-diễn viên một cảm giác thích hợp đối với màu sắc tương ứng của âm thanh giọng nói của anh ấy, nếu không thì mọi thứ đều là bel canto và bel canto, v.v. v.v... Chủ nghĩa hiện thực, sự thật trong nghệ thuật!..

Có thể có bao nhiêu thay đổi về âm sắc, màu sắc, đủ kiểu vặn vẹo trong giọng hát, nhưng không có sự thật, cảm xúc của trái tim và tinh thần!

Faust và Romeo không tương ứng với tính cách của nghệ sĩ. Tannhäuser và Orestes đã mang lại thành công thực sự cho Ershov. Nhờ họ, tài năng sân khấu của ca sĩ trẻ đã được bộc lộ và sức mạnh và sự biểu cảm của giọng hát được thể hiện.

Nhà phê bình Kondratiev hài lòng ghi nhận màn trình diễn của Ershov trong Oresteia: “Ershov đã gây ấn tượng tốt… phần này được viết một cách mạnh mẽ và cao cả một cách vô thần, và anh ấy đã bước ra khỏi bài kiểm tra này một cách vinh dự.” Sau màn trình diễn thứ hai: “Ershov đã gây chấn động trong cảnh cuồng nộ.”

Một chiến thắng sáng tạo khác của Ershov là màn trình diễn của anh ấy trong vở opera Samson và Delilah. Về anh ấy, Kondratiev đã viết: "Ershov đã thể hiện Samson một cách hoàn hảo." Anh ấy đã giành được thành công mới trong phần Sobinin, hát aria thường bị bỏ lỡ với dàn hợp xướng "Anh em, trong cơn bão tuyết." Nó chứa nhiều lần chữ “C” và “D-flat” phía trên, có thể truy cập được đối với một số kỳ hạn. Hầu như tất cả các đại diện của vở nhạc kịch St. Petersburg đều đến buổi biểu diễn này, và Figner đã đi theo người đàn ông để xem liệu ca sĩ có cho phép bất kỳ sai lệch nào so với bản gốc hay không.

Kondratiev đã lưu ý trong nhật ký của mình: “Bản aria được viết bằng một thanh ghi cao bất thường đến mức ngay cả khi đọc nó cũng khiến người ta kinh hãi. Tôi lo sợ cho Yershov, nhưng anh ấy đã vượt qua bài kiểm tra này một cách vinh dự. Đặc biệt tinh tế, anh ấy đã biểu diễn phần giữa của cantabile, khán giả gọi anh ấy chói tai và yêu cầu lặp lại, anh ấy đáp ứng yêu cầu của công chúng và hát bình tĩnh hơn và thậm chí còn hay hơn lần thứ hai.

Ershov cũng tái tạo hình ảnh Finn trong Ruslan và Lyudmila theo một cách hoàn toàn mới. BV đã viết về điều này. Asafiev: “Hiệu suất là một sự sáng tạo sống động, rõ ràng hữu hình, bởi vì “lời nói”, trong sự khúc xạ mà Yershov nhận được, đóng vai trò như một mắt xích trong dòng chảy liên tục (trong quả cầu âm thanh này) của quá trình định hình mọi khoảnh khắc, mọi tâm hồn. sự chuyển động. Vừa sợ vừa vui. Thật đáng sợ bởi vì trong số rất nhiều người tham gia vào opera với tư cách là một môn nghệ thuật, rất, rất ít người được định sẵn để hiểu được toàn bộ chiều sâu và sức mạnh biểu đạt vốn có của nó. Thật vui vì khi nghe màn trình diễn của Yershov, ngay lập tức bạn có thể cảm nhận được điều gì đó không được tiết lộ trong bất kỳ chuyên luận nào và không thể chuyển tải bằng bất kỳ mô tả nào: vẻ đẹp của nhịp đập cuộc sống trong biểu hiện của cảm xúc căng thẳng thông qua âm thanh âm nhạc, có nghĩa bằng từ.

Nếu bạn nhìn vào danh sách các phần opera do Ershov biểu diễn, thì anh ấy, giống như bất kỳ nghệ sĩ vĩ đại nào, được đánh dấu bởi sự phong phú và đa dạng. Toàn cảnh rộng nhất – từ Mozart, Weber, Beethoven và Bellini đến Rachmaninoff, Richard Strauss và Prokofiev. Ông đã có thành tích xuất sắc trong các vở opera của Glinka và Tchaikovsky, Dargomyzhsky và Rubinstein, Verdi và Bizet.

Tuy nhiên, một tượng đài trong lịch sử nghệ thuật opera đã được ca sĩ người Nga dựng lên cho chính mình với hai đỉnh cao. Một trong số đó là màn trình diễn tuyệt vời của các phần trong tác phẩm của Wagner. Ershov cũng thuyết phục không kém trong Lohengrin và Tannhäuser, Valkyrie và Rhine Gold, Tristan và Isolde và Cái chết của các vị thần. Tại đây, ca sĩ đã tìm thấy một chất liệu đặc biệt phức tạp và bổ ích để thể hiện các nguyên tắc nghệ thuật của mình. Ca sĩ nhấn mạnh: “Toàn bộ bản chất của các tác phẩm của Wagner chứa đầy sự mênh mông của hành động. — Âm nhạc của nhà soạn nhạc này cực kỳ phong cảnh, nhưng nó đòi hỏi sự kiềm chế đặc biệt của thần kinh nghệ thuật ở nhịp độ. Mọi thứ nên được đề cao – một cái nhìn, một giọng nói, một cử chỉ. Diễn viên phải có khả năng chơi không lời trong những cảnh không có tiếng hát mà chỉ có âm thanh liên tục. Cần phải khớp nhịp độ chuyển động của sân khấu với âm nhạc của dàn nhạc. Với Wagner, âm nhạc, nói theo nghĩa bóng, là dành cho diễn viên kiêm ca sĩ. Phá vỡ chấp trước này có nghĩa là phá vỡ sự thống nhất giữa sân khấu và nhịp điệu âm nhạc. Nhưng chính sự không thể tách rời này không ràng buộc diễn viên và quy định cho anh ta rằng sự uy nghiêm, hoành tráng cần thiết, cử chỉ rộng rãi, chậm rãi, trên sân khấu tương ứng với tinh thần âm nhạc của Wagner.

Cosima Wagner, góa phụ của nhà soạn nhạc, đã viết cho ca sĩ vào ngày 15 tháng 1901 năm XNUMX: “Nhiều bạn bè trong giới nghệ thuật của chúng tôi và nhiều nghệ sĩ, trong đó có cô Litvin, đã nói với tôi về việc bạn trình diễn các tác phẩm nghệ thuật của chúng tôi. Tôi hỏi bạn liệu con đường của bạn một ngày nào đó sẽ đưa bạn qua Bayreuth và liệu bạn có muốn dừng lại ở đó để nói chuyện với tôi về hiệu suất của những tác phẩm này ở Đức hay không. Tôi không tin rằng mình sẽ có cơ hội đến Nga, đó là lý do tại sao tôi đưa ra yêu cầu này với bạn. Tôi hy vọng rằng việc học của bạn sẽ cho phép bạn có một kỳ nghỉ và kỳ nghỉ này không còn quá xa. Xin hãy nhận nơi đây sự kính trọng sâu sắc của tôi.”

Vâng, danh tiếng của một ca sĩ Wagnerian đã gắn bó với Yershov. Nhưng để phá vỡ tiết mục này trên sân khấu không phải là điều dễ dàng.

“Toàn bộ lối đi của Nhà hát Mariinsky cũ là thù địch với Wagner,” Ershov nhớ lại vào năm 1933. Âm nhạc của Wagner vấp phải sự thù địch thận trọng. Lohengrin và Tannhäuser bằng cách nào đó vẫn được phép lên sân khấu, biến những vở opera anh hùng lãng mạn này thành những màn trình diễn rập khuôn theo phong cách Ý. Tin đồn của người Philistine lặp đi lặp lại rằng Wagner đã làm hỏng giọng hát của các ca sĩ, khiến khán giả chói tai với tiếng sấm của dàn nhạc. Cứ như thể họ đã đạt được thỏa thuận với gã Yankee đầu óc hẹp hòi, người hùng trong câu chuyện của Mark Twain, người phàn nàn rằng âm nhạc của Lohengrin chói tai. Đó là Lohengrin!

Ngoài ra còn có thái độ xúc phạm, thậm chí xúc phạm nữ ca sĩ người Nga: “Đi đâu mà mất lịch sự, thiếu văn hóa thế này. Bạn sẽ không nhận được bất cứ điều gì.” Trong tương lai, cuộc sống bác bỏ những dự đoán gây khó chịu này. Sân khấu Mariinsky đã tìm thấy trong số các diễn viên của mình nhiều người biểu diễn xuất sắc các phần của tiết mục Wagner … “

Một đỉnh cao nổi bật khác được nữ ca sĩ chinh phục là phần Grishka Kuterma trong vở opera The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia của Rimsky-Korsakov. Nhà hát Rimsky-Korsakov cũng là Nhà hát Yershov. Sadko là một trong những kiệt tác của ca sĩ, được ghi nhận bởi chính nhà soạn nhạc. Anh ấy đã thể hiện xuất sắc Berendey trong The Snow Maiden, Mikhail Tucha trong The Maid of Pskov. Nhưng thành tích cao nhất của ca sĩ là tạo ra hình ảnh của Grishka Kuterma, lần đầu tiên anh đóng vai này vào năm 1907.

Đạo diễn của buổi biểu diễn đáng nhớ đó, VP Shkaber, cho biết: “Người nghệ sĩ cảm nhận sâu sắc những yếu tố của nỗi đau khổ lớn nhất và sự đau buồn của con người, chìm trong cơn say, nơi cuộc sống của con người bị mất trắng. Khung cảnh điên cuồng của anh ấy, những khoảnh khắc cá nhân với người Tatar trong rừng, với Fevronia – tất cả những trải nghiệm sáng tạo này của người nghệ sĩ-nghệ sĩ đều tuyệt vời đến mức hình ảnh Grishka do Yershov thể hiện không chỉ đáng ngưỡng mộ mà còn sâu sắc nhất ngưỡng mộ tài năng của người nghệ sĩ: đầy đủ, đầy màu sắc, với kỹ năng tuyệt vời, anh ấy đã bộc lộ những cảm xúc tinh tế nhất của người anh hùng của mình … Vai diễn Grishka được anh ấy hoàn thành đến từng chi tiết nhỏ nhất, với sự hoàn chỉnh về mặt điêu khắc – và điều này là trong điều kiện của đi lên cực độ.

Andrei Nikolaevich Rimsky-Korsakov, thay mặt gia đình nhà soạn nhạc nói chuyện với nghệ sĩ, đã viết: “Cá nhân tôi, cũng như các thành viên khác trong gia đình Nikolai Andreevich, người mà tôi đang phát biểu ở đây, hãy nhớ rằng tác giả của Kitezh đã đánh giá cao như thế nào tài năng nghệ thuật của bạn và đặc biệt là anh ấy hài lòng như thế nào khi nhìn đứa con tinh thần Grishka Kuterma của mình dưới hình dạng Ershov.

…Cách giải thích của bạn về vai trò của Kuterma sâu sắc và cá nhân đến mức bạn phải công nhận sự độc lập quyết định trong bài đăng nghệ thuật này. Bạn đã đầu tư vào Grishka một phần lớn cuộc sống, tâm hồn con người của bạn, vì vậy tôi có quyền nói rằng không có và không thể có một Ivan Vasilievich Ershov thứ hai, nên không có và không thể có một Grishka thứ hai như vậy.

Và trước năm 1917, và trong những năm sau cách mạng, kỳ hạn Nga đã được cung cấp các hợp đồng béo bở ở nước ngoài. Tuy nhiên, cả đời ông trung thành với sân khấu nơi con đường sáng tạo của ông bắt đầu - Nhà hát Mariinsky.

Đặc biệt, chúc mừng ca sĩ nhân kỷ niệm 25 năm hoạt động sáng tạo của anh ấy, nhà báo kiêm tiểu thuyết gia AV Amfiteatrov đã viết riêng cho Ivan Vasilyevich: “Nếu bạn muốn nói chuyện trong chuyến lưu diễn, bạn đã là một tỷ phú từ lâu rồi. Nếu bạn sử dụng những mánh khóe quảng cáo như vậy, rất phổ biến trong môi trường nghệ thuật hiện tại, cả hai bán cầu sẽ tràn ngập tiếng kêu về bạn từ lâu. Nhưng bạn, một linh mục nghệ thuật nghiêm khắc và khôn ngoan, đã bỏ qua tất cả sự hào nhoáng và cường điệu này mà không hề liếc nhìn về phía cô ấy. Đứng một cách trung thực và khiêm tốn trong “chương vị vinh quang” mà bạn đã chọn, bạn là một tấm gương độc lập nghệ thuật gần như vô song, có một không hai, khinh bỉ từ chối mọi phương tiện nghệ thuật xa lạ để thành công và chiếm ưu thế giữa các đồng chí của mình … Bạn không bao giờ lạm dụng ảnh hưởng của mình với tư cách là một nghệ sĩ không thể thay thế trong để “trúng vai” để tự cao tự đại mang vào ngôi đền nghệ thuật của mình một tác phẩm tầm thường, không xứng đáng.

Một người yêu nước chân chính, Ivan Vasilievich Ershov, rời sân khấu, không ngừng nghĩ về tương lai của nhà hát âm nhạc của chúng ta, đã nhiệt tình nuôi dưỡng tuổi trẻ nghệ thuật tại Xưởng Opera của Nhạc viện Leningrad, dàn dựng các tác phẩm của Mozart, Rossini, Gounod, Dargomyzhsky, Rimsky-Korsakov , Tchaikovsky, Rubinstein đó. Với niềm tự hào và sự khiêm tốn, anh ấy đã tóm tắt con đường sáng tạo của mình bằng những lời sau: “Làm việc với tư cách là một diễn viên hay một giáo viên âm nhạc, trước hết tôi cảm thấy mình là một công dân tự do, bằng hết khả năng của mình, làm việc vì lợi ích của xã hội xã hội chủ nghĩa .”

Ivan Vasilyevich Ershov qua đời vào ngày 21 tháng 1943 năm XNUMX.