Dmitry Dmitrievich Shostakovich |
Dmitri Shostakovich
D. Shostakovich là một tác phẩm âm nhạc kinh điển của thế kỷ XNUMX. Không một bậc thầy vĩ đại nào của nó có mối liên hệ chặt chẽ với số phận khó khăn của đất nước quê hương ông, không thể diễn tả những mâu thuẫn gào thét của thời đại ông bằng vũ lực và đam mê như vậy, đánh giá nó bằng một bản án đạo đức khắc nghiệt. Chính sự đồng lõa của nhà soạn nhạc trước nỗi đau và những rắc rối của người dân là ý nghĩa chính của sự đóng góp của ông đối với lịch sử âm nhạc trong thế kỷ chiến tranh thế giới và những biến động xã hội vĩ đại, mà trước đây nhân loại chưa từng biết đến.
Bản chất Shostakovich là một nghệ sĩ có tài năng phổ quát. Không có một thể loại nào mà anh ấy không nói lời nặng nề của mình. Anh tiếp xúc gần gũi với thể loại âm nhạc mà đôi khi bị các nhạc sĩ nghiêm túc đối xử một cách ngạo mạn. Ông là tác giả của một số bài hát được đông đảo công chúng yêu thích, và cho đến ngày nay những bản chuyển thể tuyệt vời của ông từ nhạc phổ thông và nhạc jazz, điều mà ông đặc biệt yêu thích vào thời điểm hình thành phong cách này - vào những năm 20- 30s, thú vị. Nhưng lĩnh vực ứng dụng chính của các lực lượng sáng tạo đối với ông là giao hưởng. Không phải vì các thể loại âm nhạc nghiêm túc khác hoàn toàn xa lạ với anh - anh được trời phú cho một tài năng vượt trội như một nhà soạn nhạc sân khấu thực sự, và công việc trong lĩnh vực điện ảnh đã cung cấp cho anh phương tiện sinh sống chính. Nhưng những lời mắng nhiếc thô lỗ và không công bằng gây ra vào năm 1936 trong bài xã luận của tờ báo Pravda với tiêu đề "Muddle thay vì âm nhạc" đã khiến ông không thể tham gia vào thể loại opera trong một thời gian dài - những nỗ lực đã được thực hiện (vở opera "Người chơi" của N. Gogol) vẫn chưa hoàn thành, và các kế hoạch chưa chuyển sang giai đoạn thực hiện.
Có lẽ đây chính là điều mà những đặc điểm tính cách của Shostakovich đã ảnh hưởng đến - về bản chất, ông không có khuynh hướng bộc lộ sự phản đối một cách công khai, ông dễ dàng khuất phục trước những kẻ cứng đầu do trí thông minh đặc biệt, sự tế nhị và khả năng tự vệ trước sự tùy tiện thô lỗ của mình. Nhưng điều này chỉ có trong cuộc sống - trong nghệ thuật của anh ấy, anh ấy đã trung thực với các nguyên tắc sáng tạo của mình và khẳng định chúng trong thể loại mà anh ấy cảm thấy hoàn toàn tự do. Do đó, bản giao hưởng khái niệm trở thành trung tâm của các cuộc tìm kiếm của Shostakovich, nơi ông có thể công khai nói lên sự thật về thời đại của mình mà không cần thỏa hiệp. Tuy nhiên, ông không từ chối tham gia vào các doanh nghiệp nghệ thuật ra đời dưới áp lực của những yêu cầu khắt khe về nghệ thuật do hệ thống chỉ huy - hành chính áp đặt, chẳng hạn như bộ phim của M. Chiaureli “Sự sụp đổ của Berlin”, nơi ca ngợi sự vĩ đại không ngớt. và sự khôn ngoan của “cha đẻ của các quốc gia” đã đạt đến cực hạn. Nhưng việc tham gia vào loại tượng đài điện ảnh này, hay loại khác, thậm chí đôi khi là những tác phẩm tài năng bóp méo sự thật lịch sử và tạo ra một huyền thoại làm hài lòng giới lãnh đạo chính trị, đã không bảo vệ nghệ sĩ khỏi sự trả thù tàn bạo gây ra vào năm 1948. Nhà tư tưởng hàng đầu của chế độ Stalin , A. Zhdanov, đã lặp lại những lời công kích thô bạo có trong một bài báo cũ trên báo Pravda và cáo buộc nhà soạn nhạc cùng với những bậc thầy khác của nền âm nhạc Liên Xô thời đó tuân theo chủ nghĩa hình thức chống người dân.
Sau đó, trong thời gian "tan băng" của Khrushchev, những cáo buộc như vậy đã được bãi bỏ và các tác phẩm xuất sắc của nhà soạn nhạc, vốn bị cấm trình diễn trước công chúng, đã tìm được đường đến với người nghe. Nhưng bộ phim về số phận cá nhân của nhà soạn nhạc, người sống sót sau một thời kỳ bị bức hại bất chính, đã để lại dấu ấn khó phai mờ trong nhân cách của ông và xác định hướng đi trong hành trình sáng tạo của ông, giải quyết các vấn đề đạo đức của sự tồn tại của con người trên trái đất. Đây là và vẫn là điều chính phân biệt Shostakovich trong số những người sáng tạo ra âm nhạc trong thế kỷ XNUMX.
Đường đời của anh không giàu biến cố. Sau khi tốt nghiệp Nhạc viện Leningrad với màn ra mắt rực rỡ - Bản giao hưởng đầu tiên tráng lệ, ông bắt đầu cuộc sống của một nhà soạn nhạc chuyên nghiệp, đầu tiên là tại thành phố trên sông Neva, sau đó là trong Chiến tranh Vệ quốc vĩ đại ở Moscow. Hoạt động của ông với tư cách là một giáo viên tại nhạc viện tương đối ngắn - ông đã làm trái ý mình. Nhưng cho đến ngày nay, các học trò của ông vẫn lưu giữ ký ức về bậc thầy vĩ đại, người đóng vai trò quyết định trong việc hình thành cá tính sáng tạo của họ. Đã có trong Bản giao hưởng đầu tiên (1925), hai đặc tính âm nhạc của Shostakovich có thể cảm nhận được rõ ràng. Một trong số đó được phản ánh trong việc hình thành một phong cách nhạc cụ mới với sự dễ dàng vốn có, dễ cạnh tranh của các nhạc cụ hòa nhạc. Một người khác thể hiện ở khát vọng bền bỉ mang lại cho âm nhạc ý nghĩa cao cả nhất, thể hiện một khái niệm sâu sắc về ý nghĩa triết học bằng thể loại giao hưởng.
Nhiều tác phẩm của nhà soạn nhạc tiếp nối một sự khởi đầu rực rỡ như vậy đã phản ánh bầu không khí không ngừng nghỉ của thời đại, nơi mà phong cách mới của thời đại được rèn giũa trong cuộc đấu tranh của những thái độ trái ngược nhau. Vì vậy, trong Giao hưởng thứ hai và thứ ba (“Tháng 1927” - 1929, “Ngày tháng Năm” - 20), Shostakovich đã bày tỏ sự tôn vinh với áp phích âm nhạc, chúng đã cho thấy rõ ảnh hưởng của võ thuật, nghệ thuật tuyên truyền của những năm 1928. (Không phải ngẫu nhiên mà nhà soạn nhạc đã đưa vào đó những đoạn hợp xướng vào những bài thơ của các nhà thơ trẻ A. Bezymensky và S. Kirsanov). Đồng thời, họ cũng thể hiện một sân khấu sống động, điều đã làm say đắm lòng người trong các tác phẩm của E. Vakhtangov và Vs. Meyerhold. Chính những buổi biểu diễn của họ đã ảnh hưởng đến phong cách của vở opera đầu tiên The Nose (XNUMX) của Shostakovich, dựa trên câu chuyện nổi tiếng của Gogol. Từ đây không chỉ xuất phát từ châm biếm sắc bén, chế nhạo, đạt đến sự kỳ cục trong việc miêu tả các nhân vật cá nhân và những người cả tin, nhanh chóng hoảng sợ và nhanh chóng phán xét đám đông, mà còn là ngữ điệu sâu sắc của "tiếng cười trong nước mắt", giúp chúng ta nhận ra một người ngay cả trong một sự thô tục và không có chủ ý như vậy, như Kovalev chính của Gogol.
Phong cách của Shostakovich không chỉ hấp thụ những ảnh hưởng toát ra từ kinh nghiệm văn hóa âm nhạc thế giới (ở đây quan trọng nhất đối với nhà soạn nhạc là M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky và G. Mahler), mà còn hấp thụ những âm thanh của đời sống âm nhạc bấy giờ - nói chung. văn hóa dễ tiếp cận của thể loại “ánh sáng” đã thống trị tâm trí của quần chúng. Thái độ của nhà soạn nhạc đối với nó là trái ngược nhau - ông ta đôi khi cường điệu, nhại lại những biến thể đặc trưng của các bài hát và điệu múa thời thượng, nhưng đồng thời cũng làm cho chúng phải ngưỡng mộ, nâng chúng lên tầm cao của nghệ thuật thực sự. Thái độ này đặc biệt rõ rệt trong các vở ballet đầu The Golden Age (1930) và The Bolt (1931), trong First Piano Concerto (1933), nơi mà kèn solo trở thành đối thủ xứng tầm của piano cùng với dàn nhạc, và sau này trong bản scherzo và phần cuối của giao hưởng thứ sáu (1939). Kỹ thuật điêu luyện tuyệt vời, những ca từ lập dị ngang tàng được kết hợp trong sáng tác này với những ca từ chân thành, sự tự nhiên đáng kinh ngạc của việc triển khai giai điệu “bất tận” trong phần đầu của bản giao hưởng.
Và cuối cùng, không thể không nhắc đến mặt còn lại của hoạt động sáng tạo của nhà soạn nhạc trẻ - anh đã làm việc chăm chỉ và chăm chỉ trong điện ảnh, đầu tiên là họa sĩ minh họa cho việc trình diễn phim câm, sau đó là một trong những người sáng tạo ra các bộ phim âm thanh của Liên Xô. Bài hát của ông trong bộ phim "Oncoming" (1932) đã trở nên phổ biến trên toàn quốc. Đồng thời, ảnh hưởng của “nàng thơ trẻ” cũng ảnh hưởng đến phong cách, ngôn ngữ và các nguyên tắc sáng tác trong các tác phẩm hòa tấu-philharmonic của ông.
Mong muốn thể hiện những xung đột gay gắt nhất của thế giới hiện đại với những biến động lớn của nó và những cuộc đụng độ khốc liệt của các lực lượng đối lập đã được thể hiện đặc biệt trong các tác phẩm kinh đô của chủ nhân thời kỳ những năm 30. Một bước tiến quan trọng trên con đường này là vở opera Katerina Izmailova (1932), dựa trên cốt truyện của N. Leskov, Lady Macbeth ở Quận Mtsensk. Trong hình tượng của nhân vật chính, một cuộc đấu tranh nội tâm phức tạp được bộc lộ trong tâm hồn của một thiên nhiên được ban tặng toàn diện và phong phú theo cách riêng của nó - dưới ách thống trị của “sự ghê tởm của cuộc đời”, dưới sức mạnh của sự mù quáng, vô lý. đam mê, cô phạm tội nghiêm trọng, sau đó là quả báo tàn nhẫn.
Tuy nhiên, nhà soạn nhạc đã đạt được thành công lớn nhất trong Bản giao hưởng thứ năm (1937), thành tựu cơ bản và quan trọng nhất trong sự phát triển của giao hưởng Liên Xô trong những năm 30. (Sự chuyển hướng sang một chất lượng mới của phong cách đã được phác thảo trong Bản giao hưởng thứ tư được viết trước đó, nhưng sau đó không vang lên - năm 1936). Sức mạnh của Bản giao hưởng thứ Năm nằm ở chỗ những trải nghiệm của người anh hùng trữ tình của nó được bộc lộ trong mối liên hệ chặt chẽ nhất với cuộc sống của con người và rộng hơn là của toàn thể nhân loại trước cú sốc lớn nhất từng trải qua của các dân tộc trong thế giới - Chiến tranh thế giới thứ hai. Điều này xác định kịch tính được nhấn mạnh của âm nhạc, biểu hiện cao độ vốn có của nó - người anh hùng trữ tình không trở thành người trầm ngâm thụ động trong bản giao hưởng này, anh ta phán xét những gì đang xảy ra và điều gì sẽ xảy ra với tòa án đạo đức cao nhất. Trong sự thờ ơ với số phận của thế giới, vị trí công dân của nghệ sĩ, định hướng nhân văn trong âm nhạc của anh ta, cũng bị ảnh hưởng. Có thể cảm nhận được điều này trong một số tác phẩm khác thuộc thể loại sáng tạo nhạc cụ thính phòng, trong đó nổi bật là Piano Quintet (1940).
Trong Chiến tranh Vệ quốc vĩ đại, Shostakovich đã trở thành một trong những nghệ sĩ hàng đầu - những người chiến đấu chống lại chủ nghĩa phát xít. Bản giao hưởng thứ bảy (“Leningrad”) (1941) của ông đã được khắp thế giới biết đến như một tiếng nói sống động của những con người chiến đấu, những người đã bước vào cuộc đấu tranh sinh tử nhân danh quyền tồn tại, để bảo vệ con người cao nhất. các giá trị. Trong tác phẩm này, cũng như trong Bản giao hưởng thứ tám sau này (1943), sự đối kháng của hai phe đối lập được thể hiện trực tiếp, ngay lập tức. Chưa bao giờ trong nghệ thuật âm nhạc, thế lực của cái ác lại được miêu tả một cách sống động đến vậy, chưa bao giờ sự máy móc buồn tẻ của một “cỗ máy hủy diệt” phát xít đang làm việc bận rộn lại được bộc lộ với sự cuồng nhiệt và đam mê như vậy. Nhưng các bản giao hưởng “quân sự” của nhà soạn nhạc (cũng như trong một số tác phẩm khác của ông, ví dụ, trong Bộ ba piano tưởng nhớ I. Sollertinsky - 1944) cũng được thể hiện một cách sinh động trong các bản giao hưởng “chiến tranh” của nhà soạn nhạc, tinh thần. vẻ đẹp và sự phong phú của thế giới nội tâm của một con người đang chịu đựng những rắc rối của thời đại mình.
Trong những năm sau chiến tranh, hoạt động sáng tạo của Shostakovich bộc lộ với sức sống mới. Như trước đây, dòng tìm kiếm nghệ thuật hàng đầu của ông được trình bày trong các bức tranh vẽ giao hưởng hoành tráng. Sau Bản giao hưởng thứ chín có phần nhẹ nhàng (1945), một loại intermezzo, tuy nhiên, không phải là không có dư âm rõ ràng của cuộc chiến gần đây đã kết thúc, nhà soạn nhạc đã tạo ra Bản giao hưởng thứ mười đầy cảm hứng (1953), nâng cao chủ đề về số phận bi thảm của nghệ sĩ, thước đo cao về trách nhiệm của mình trong thế giới hiện đại. Tuy nhiên, cái mới phần lớn là thành quả của những nỗ lực của các thế hệ trước - đó là lý do tại sao nhà soạn nhạc bị thu hút bởi những sự kiện mang tính bước ngoặt trong lịch sử Nga. Cuộc cách mạng năm 1905, được đánh dấu bằng Chủ nhật đẫm máu vào ngày 9 tháng 1957, trở nên sống động trong Bản giao hưởng thứ mười một có chương trình hoành tráng (1917), và những thành tựu của chiến thắng năm 1961 đã truyền cảm hứng cho Shostakovich tạo ra Bản giao hưởng thứ mười hai (XNUMX).
Những suy ngẫm về ý nghĩa của lịch sử, về tầm quan trọng của những việc làm của các anh hùng trong nó, cũng được phản ánh trong bài thơ giao hưởng có giọng hát một phần “Cuộc hành hình của Stepan Razin” (1964), dựa trên một đoạn trong bài thơ của E. Yevtushenko. bài thơ "Nhà máy thủy điện Bratsk". Nhưng những sự kiện của thời đại chúng ta, gây ra bởi những thay đổi mạnh mẽ trong đời sống của con người và trong thế giới quan của họ, do Đại hội XX của CPSU công bố, đã không làm cho bậc thầy vĩ đại của nền âm nhạc Xô Viết thờ ơ - hơi thở sống của họ được tái hiện trong Thế kỷ mười ba. Symphony (1962), cũng được viết theo lời của E. Yevtushenko. Trong bản giao hưởng thứ mười bốn, nhà soạn nhạc đã hướng đến những bài thơ của các nhà thơ thuộc nhiều thời đại và dân tộc khác nhau (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) - ông bị thu hút bởi chủ đề về sự trôi qua của cuộc sống con người và sự vĩnh cửu của những sáng tạo của nghệ thuật đích thực, trước cả cái chết có chủ quyền. Chính chủ đề này đã hình thành cơ sở cho ý tưởng về một chu trình thanh nhạc-giao hưởng dựa trên các bài thơ của nghệ sĩ Ý vĩ đại Michelangelo Buonarroti (1974). Và cuối cùng, trong bản giao hưởng cuối cùng, số 1971 (XNUMX), những hình ảnh của tuổi thơ như sống lại, được tái hiện trước cái nhìn của một đấng sáng tạo khôn ngoan trong cuộc sống, người đã biết được một thước đo thực sự khôn lường về nỗi đau khổ của con người.
Đối với tất cả ý nghĩa của bản giao hưởng trong tác phẩm thời hậu chiến của Shostakovich, nó không làm cạn kiệt tất cả những gì quan trọng nhất mà nhà soạn nhạc đã tạo ra trong ba mươi năm cuối cùng của cuộc đời và con đường sáng tạo của ông. Ông đặc biệt chú ý đến các thể loại hòa nhạc và nhạc cụ thính phòng. Ông đã tạo ra 2 bản hòa tấu vĩ cầm (1948 và 1967), hai bản hòa tấu dành cho đàn cello (1959 và 1966), và Bản hòa tấu piano thứ hai (1957). Những tác phẩm hay nhất của thể loại này thể hiện những khái niệm sâu sắc có ý nghĩa triết học, có thể so sánh với những tác phẩm được thể hiện với sức mạnh ấn tượng như vậy trong các bản giao hưởng của ông. Có thể thấy rõ sự sắc bén của sự va chạm giữa tinh thần và không thuộc về tinh thần, những xung động cao nhất của thiên tài con người và sự tấn công dữ dội của sự thô tục, sự thô sơ có chủ ý, có thể cảm nhận được trong Bản hòa tấu Cello thứ hai, nơi một động cơ đơn giản, “đường phố” được biến đổi không thể nhận ra, bộc lộ nó bản chất vô nhân đạo.
Tuy nhiên, cả trong các buổi hòa nhạc và trong âm nhạc thính phòng, kỹ thuật điêu luyện của Shostakovich được bộc lộ trong việc tạo ra các tác phẩm mở ra phạm vi cạnh tranh tự do giữa các nhạc sĩ. Ở đây, thể loại chính thu hút sự chú ý của bậc thầy là tứ tấu đàn dây truyền thống (có rất nhiều tác phẩm được viết bởi nhà soạn nhạc như các bản giao hưởng - 15). Bộ tứ của Shostakovich gây kinh ngạc với nhiều giải pháp đa dạng từ nhiều phần chu kỳ (Mười một - 1966) đến các sáng tác đơn lẻ (Mười ba - 1970). Trong một số tác phẩm thính phòng của mình (trong Tứ tấu thứ tám - 1960, trong Sonata cho Viola và Piano - 1975), nhà soạn nhạc quay trở lại âm nhạc của các sáng tác trước đây của mình, tạo cho nó một âm hưởng mới.
Trong số các tác phẩm thuộc các thể loại khác, có thể kể đến chu trình hoành tráng của Preludes và Fugues cho piano (1951), lấy cảm hứng từ lễ kỷ niệm Bach ở Leipzig, bài hát oratorio của rừng (1949), nơi lần đầu tiên âm nhạc Liên Xô chủ đề về trách nhiệm của con người đối với việc bảo tồn thiên nhiên xung quanh anh ta đã được nêu ra. Bạn cũng có thể đặt tên Mười bài thơ cho dàn hợp xướng a cappella (1951), chu kỳ thanh âm “Từ bài thơ dân gian Do Thái” (1948), chu trình trên các bài thơ của các nhà thơ Sasha Cherny (“Satires” - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).
Công việc trong rạp chiếu phim vẫn tiếp tục trong những năm sau chiến tranh - âm nhạc của Shostakovich cho các bộ phim "The Gadfly" (dựa trên tiểu thuyết của E. Voynich - 1955), cũng như các tác phẩm chuyển thể từ bi kịch của Shakespeare "Hamlet" (1964) và “King Lear” (1971) được biết đến rộng rãi. ).
Shostakovich đã có tác động đáng kể đến sự phát triển của âm nhạc Liên Xô. Nó được thể hiện không nhiều ở sự ảnh hưởng trực tiếp của phong cách chủ nhân và đặc điểm phương tiện nghệ thuật của anh ta, mà ở khát vọng về nội dung cao của âm nhạc, mối liên hệ của nó với những vấn đề cơ bản của cuộc sống con người trên trái đất. Mang tính nhân văn, thực sự mang tính nghệ thuật trong hình thức, tác phẩm của Shostakovich đã giành được sự công nhận trên toàn thế giới, trở thành một biểu hiện rõ ràng của cái mới mà âm nhạc của Land of Xô Viết đã mang lại cho thế giới.
M. Tarakanov
