Dmitry Bashkirov (Dmitri Bashkirov) |

Dmitri Bashkirov

Nhiều nhạc sĩ trẻ gặp nhau vào đầu những năm XNUMX tại Nhạc viện Mátxcơva có lẽ còn nhớ lần đầu tiên xuất hiện trên hành lang lớp học của một thanh niên gầy gò, ngăm đen với những cử động bốc đồng và nét mặt hoạt bát trên khuôn mặt biểu cảm, di động. Tên anh ta là Dmitry Bashkirov, các đồng đội của anh ta sớm bắt đầu gọi anh ta đơn giản là Delik. Người ta biết rất ít về anh ta. Người ta nói rằng anh ấy đã tốt nghiệp trường âm nhạc mười năm Tbilisi dưới thời Anastasia Davidovna Virsaladze. Một lần, tại một trong những kỳ thi, Alexander Borisovich Goldenweiser đã nghe thấy anh ta – anh ta nghe thấy, rất vui mừng và khuyên anh ta nên hoàn thành việc học của mình ở thủ đô.

Học trò mới của Goldenweiser rất tài năng; nhìn anh – một con người bộc trực, sống tình cảm hiếm có – không khó để nhận thấy: say mê và vị tha, xả thân hào phóng như vậy, chỉ những bản chất thực sự tài năng mới có thể phản ứng với hoàn cảnh như anh…

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov được biết đến rộng rãi với tư cách là một nghệ sĩ biểu diễn hòa nhạc trong những năm qua. Trở lại năm 1955, ông đã giành được giải Grand Prix tại cuộc thi M. Long – J. Thibault ở Paris; điều này đã khởi đầu cho sự nghiệp sân khấu của anh ấy. Bây giờ anh ấy có hàng trăm buổi biểu diễn đằng sau anh ấy, anh ấy đã được hoan nghênh ở Novosibirsk và Las Palmas, Chisinau và Philadelphia, ở các thành phố nhỏ của Volga và các phòng hòa nhạc lớn, nổi tiếng thế giới. Thời gian đã làm thay đổi rất nhiều trong cuộc đời anh. Ít hơn nhiều trong tính cách của mình. Anh ta, như trước đây, bốc đồng, như thể thủy ngân có thể thay đổi và nhanh chóng, mỗi phút anh ta sẵn sàng cuốn theo thứ gì đó, để bắt lửa …

Các thuộc tính của bản chất Bashkir, đã được đề cập, có thể thấy rõ trong nghệ thuật của ông. Màu sắc của nghệ thuật này không phai và mờ dần theo năm tháng, không mất đi sự phong phú, mãnh liệt, óng ánh. Nghệ sĩ dương cầm đang chơi, như trước đây, kích thích; nếu không, làm sao cô ấy có thể lo lắng? Có lẽ không có trường hợp nào có thể trách móc nghệ sĩ Bashkirov về sự thờ ơ, thờ ơ về tinh thần, cảm giác no với tìm kiếm sáng tạo. Đối với điều này, anh ấy quá bồn chồn với tư cách là một con người và một nghệ sĩ, không ngừng bùng cháy với một ngọn lửa nội tâm không thể dập tắt nào đó. Đây có thể là lý do cho một số thất bại trên sân khấu của anh ấy. Không còn nghi ngờ gì nữa, mặt khác, chính là từ đây, từ sự không ngừng sáng tạo và hầu hết những thành tựu của anh ấy.

Trên các trang báo chí phê bình âm nhạc, Bashkirov thường được gọi là một nghệ sĩ dương cầm lãng mạn. Thật vậy, ông rõ ràng đại diện cho hiện đại chủ nghĩa lãng mạn. (VV Sofronitsky, khi nói chuyện với V. Yu. Delson, đã nói: “Xét cho cùng, cũng có chủ nghĩa lãng mạn hiện đại, chứ không chỉ có chủ nghĩa lãng mạn của thế kỷ XNUMX, bạn có đồng ý không?” (Hồi ức về Sofronitsky. S. 199.)). Bất kể nhà soạn nhạc nào Bashkirov diễn giải – Bach hay Schumann, Haydn hay Brahms – ông ấy cảm nhận âm nhạc như thể nó được tạo ra ngày nay. Đối với những người xem buổi hòa nhạc thuộc loại này, tác giả luôn là người đương thời: cảm xúc của anh ấy được trải nghiệm như của chính anh ấy, suy nghĩ của anh ấy trở thành của riêng anh ấy. Không có gì xa lạ hơn đối với những người xem buổi hòa nhạc này hơn là sự cách điệu, “sự thể hiện”, một sự giả tạo cho cổ xưa, một cuộc trình diễn di tích bảo tàng. Đây là một điều: cảm giác âm nhạc của nghệ sĩ vfoXNUMXfipXNUMXhfpiXNUMXufhpiXNUMXuf kỷ nguyên, của chúng tôi ngày. Có một điều khác cũng cho phép chúng ta nói về Bashkirov như một đại diện tiêu biểu của nghệ thuật biểu diễn đương đại.

Anh ấy có khả năng chơi piano chính xác, được chế tạo thành thạo. Người ta từng tin rằng việc tạo ra âm nhạc lãng mạn là những xung động không thể kiềm chế, những cảm xúc bộc phát tự phát, một sự xa hoa của những điểm âm thanh đầy màu sắc rực rỡ, mặc dù hơi vô hình. Những người sành điệu đã viết rằng các nghệ sĩ lãng mạn bị thu hút bởi "mơ hồ, óng ánh, khó đọc và sương mù", rằng họ "không thể vẽ đồ trang sức bằng những thứ lặt vặt" (Kỹ thuật piano cá nhân của Martins KA. – M., 1966. S. 105, 108.). Bây giờ thời thế đã thay đổi. Tiêu chí, đánh giá, thị hiếu đã được sửa đổi. Trong thời đại ghi âm máy hát, phát thanh và truyền hình vô cùng nghiêm ngặt, âm thanh “tinh vân” và “mơ hồ” không được bất kỳ ai, bất kỳ ai và trong bất kỳ hoàn cảnh nào tha thứ. Bashkirov, một người lãng mạn của thời đại chúng ta, hiện đại, trong số những thứ khác, bởi sự “làm” cẩn thận của bộ máy biểu diễn của anh ấy, sự gỡ lỗi khéo léo của tất cả các chi tiết và liên kết của nó.

Đó là lý do tại sao âm nhạc của anh ấy hay, đòi hỏi sự hoàn thiện vô điều kiện của trang trí bên ngoài, “bản vẽ trang sức của những thứ lặt vặt”. Danh sách những thành công biểu diễn của anh ấy được mở đầu bằng những thứ như khúc dạo đầu của Debussy, mazurkas của Chopin, “Fleeting” và Sonata thứ tư của Prokofiev, “Colored Leaves” của Schumann, Fantasia và tiểu thuyết F-sharp-minor, nhiều từ Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . Có rất nhiều điều thú vị thu hút người nghe trong các tiết mục cổ điển của ông – Bach (bản concerto giọng F thứ), Haydn (bản sonata giọng giáng trưởng), Mozart (bản hòa tấu: Ninth, Fourteenth, Seventeenth, Twenty-fourth), Beethoven (sonatas: “ Lunar”, “Mục vụ”, Thứ mười tám, các buổi hòa nhạc: Thứ nhất, Thứ ba, Thứ năm). Nói một cách dễ hiểu, tất cả những gì chiến thắng trong quá trình truyền tải sân khấu của Bashkirov là ở phía trước có một kiểu âm thanh tao nhã và rõ ràng, một sự đuổi bắt tao nhã của kết cấu nhạc cụ.

(Trước đây, người ta nói rằng những người chơi piano, giống như họa sĩ, sử dụng các kỹ thuật “viết” khác nhau: một số thích bút chì âm thanh được mài sắc, những người khác thích bột màu hoặc màu nước, và những người khác thích sơn dầu có bàn đạp nặng. Bashkirov thường được liên kết với nghệ sĩ piano-khắc: mô hình âm thanh mỏng trên nền cảm xúc tươi sáng…)

Giống như nhiều người thực sự có năng khiếu, Bashkirov tình cờ bị thay đổi bởi hạnh phúc sáng tạo. Anh ấy biết cách tự phê bình: “Tôi nghĩ tôi đã thành công trong vở kịch này,” bạn có thể nghe anh ấy nói sau buổi hòa nhạc, “nhưng vở kịch này thì không. Sự phấn khích đã cản trở… Có điều gì đó “đã dịch chuyển”, hóa ra lại nằm ngoài “tiêu điểm” – không như ý muốn. Được biết, sự phấn khích ảnh hưởng đến tất cả mọi người – những người mới ra mắt và bậc thầy, nhạc sĩ, diễn viên và thậm chí cả nhà văn. “Khoảnh khắc mà bản thân tôi phấn khích nhất không phải là lúc tôi có thể viết ra những điều khiến người xem cảm động,” Stendhal thừa nhận; anh ấy được lặp lại trong điều này bởi nhiều giọng nói. Tuy nhiên, đối với một số người, sự phấn khích lại chứa đầy những trở ngại và rắc rối lớn, đối với những người khác thì ít hơn. Bản chất dễ bị kích động, lo lắng, cởi mở gặp khó khăn hơn.

Trong những khoảnh khắc vô cùng phấn khích trên sân khấu, Bashkirov, bất chấp ý chí của mình, tăng tốc độ biểu diễn, rơi vào trạng thái phấn khích nào đó. Điều này thường xảy ra khi bắt đầu buổi biểu diễn của anh ấy. Tuy nhiên, dần dần, cách chơi của anh ấy trở nên bình thường, hình thức âm thanh trở nên rõ ràng, đường nét – tự tin và chính xác; với một đôi tai lão luyện, người ta luôn có thể nắm bắt được thời điểm một nghệ sĩ dương cầm cố gắng hạ gục làn sóng lo lắng quá mức trên sân khấu. Một thí nghiệm thú vị đã được thiết lập một cách tình cờ vào một buổi tối của Bashkirov. Anh ấy đã chơi cùng một bản nhạc hai lần liên tiếp - phần cuối của Bản hòa tấu piano thứ mười bốn của Mozart. Lần đầu tiên – hơi vội vàng và hào hứng, lần thứ hai (đối với phần encore) – tiết chế hơn về tốc độ, bình tĩnh và tự chủ hơn. Thật thú vị khi quan sát tình hìnhtrừ đi sự phấn khích“đã biến đổi trò chơi, mang lại một kết quả khác, mang tính nghệ thuật cao hơn.

Các diễn giải của Bashkirov có rất ít điểm chung với các khuôn mẫu thông thường, các mẫu biểu diễn quen thuộc; đây là lợi thế rõ ràng của họ. Chúng có thể (và đang) gây tranh cãi, nhưng không màu mè, quá chủ quan nhưng không nhạt nhẽo. Tại các buổi hòa nhạc của nghệ sĩ, hầu như không thể gặp những người thờ ơ, anh ta không được nói đến bằng những lời khen ngợi lịch sự và tầm thường thường được ban tặng cho những người tầm thường. Nghệ thuật của Bashkirov hoặc được chấp nhận một cách nồng nhiệt và nhiệt tình, hoặc với sự nhiệt tình và hứng thú không kém, họ thảo luận với nghệ sĩ piano, không đồng ý với anh ta ở một số khía cạnh và không đồng ý với anh ta. Là một nghệ sĩ, anh ấy đã quen thuộc với sự “đối lập” trong sáng tạo; về nguyên tắc, điều này có thể và nên được ghi có.

Một số người nói: trong trò chơi của Bashkirov, họ nói, có rất nhiều yếu tố bên ngoài; anh ấy đôi khi sân khấu, tự phụ… Có lẽ, trong những tuyên bố như vậy, ngoài sự khác biệt hoàn toàn tự nhiên về thị hiếu, còn có sự hiểu lầm về bản chất màn trình diễn của anh ấy. Có thể không tính đến các đặc điểm đánh máy riêng lẻ của | nhân cách? Người hòa nhạc Bashkirov - đó là bản chất của anh ta - luôn “nhìn” từ bên ngoài một cách hiệu quả; rực rỡ và rực rỡ bộc lộ ra bên ngoài; điều gì sẽ là một màn trình diễn trên sân khấu hay một màn gảy đàn cho người khác, anh ấy chỉ có một biểu hiện hữu cơ và tự nhiên về cái “tôi” sáng tạo của mình. (Nhà hát thế giới nhớ đến Sarah Bernhardt với phong cách sân khấu gần như lập dị của cô ấy, nhớ đến Olga Osipovna Sadovskaya khiêm tốn, đôi khi có vẻ ngoài kín đáo – trong cả hai trường hợp, đó là nghệ thuật thực, tuyệt vời.) dẫn đến một ẩn ý xa xôi, gần như không thể phân biệt được. Nếu chúng ta đảm nhận vị trí của một nhà phê bình, thì tốt hơn là vào một dịp khác.

Vâng, nghệ thuật của nghệ sĩ piano mang đến cho khán giả những cảm xúc cởi mở và mạnh mẽ. Chất lượng tuyệt vời! Trên sân khấu hòa nhạc, bạn thường gặp cảnh thiếu thốn hơn là thừa thãi. (Thông thường, họ “thiếu sót” trong việc thể hiện cảm xúc chứ không phải ngược lại.) Tuy nhiên, trong các trạng thái tâm lý của anh ấy – phấn khích ngây ngất, bốc đồng, v.v. – Bashkirov đôi khi, ít nhất là sớm hơn, hơi đồng nhất. Người ta có thể trích dẫn như một minh họa cho cách giải thích của anh ấy về bản sonata thứ B phẳng của Glazunov: nó tình cờ thiếu tính sử thi, bề rộng. Hay bản Concerto thứ hai của Brahms – đằng sau ánh pháo hoa rực rỡ của đam mê, trong những năm qua, không phải lúc nào người nghệ sĩ cũng cảm nhận được sự phản chiếu nội tâm của mình trong đó. Từ những diễn giải của Bashkirov, có một biểu hiện nóng bừng, một luồng căng thẳng thần kinh cao độ. Và người nghe đôi khi bắt đầu cảm thấy thèm muốn được điều biến thành một số âm điệu cảm xúc khác, xa hơn, thành những lĩnh vực cảm xúc khác, tương phản hơn.

Tuy nhiên, bây giờ nói về trước đó trước đây. Những người đã quen thuộc với nghệ thuật biểu diễn của Bashkirov liên tục tìm thấy ở anh những thay đổi, chuyển dịch và những biến đổi nghệ thuật thú vị. Người ta có thể thấy việc lựa chọn các tiết mục của nghệ sĩ chính xác hơn, hoặc các phương pháp thể hiện không quen thuộc trước đây được tiết lộ (ví dụ, trong những năm gần đây, phần chậm của các chu kỳ sonata cổ điển nghe có vẻ đặc biệt rõ ràng và có hồn). Không còn nghi ngờ gì nữa, nghệ thuật của anh ấy được làm phong phú thêm với những khám phá mới, những sắc thái cảm xúc phức tạp và đa dạng hơn. Đặc biệt, điều này có thể được nhìn thấy trong phần trình diễn các bản concerto của KFE , Fantasia và Sonata in C minor của Bashkirov, phiên bản piano của Violin Concerto, Op. 1987 của Beethoven, v.v.)

Bashkirov là một người đối thoại tuyệt vời. Bản chất anh ấy là người tò mò và ham học hỏi; anh ấy quan tâm đến nhiều thứ; ngày nay, cũng như khi còn trẻ, anh ấy nhìn kỹ mọi thứ liên quan đến nghệ thuật, với cuộc sống. Ngoài ra, Bashkirov biết cách trình bày rõ ràng và rành mạch suy nghĩ của mình – không phải ngẫu nhiên mà ông đã xuất bản một số bài báo về các vấn đề của biểu diễn âm nhạc.

“Tôi đã luôn nói,” Dmitry Alexandrovich từng nhận xét trong một cuộc trò chuyện, “rằng trong sự sáng tạo trên sân khấu, điều chính yếu và quan trọng nhất được quyết định bởi chính kho tàng tài năng của người nghệ sĩ - của anh ấy. đặc điểm cá nhân cá nhân và tài sản. Với điều này, cách tiếp cận của người biểu diễn đối với một số hiện tượng nghệ thuật nhất định, việc giải thích các tác phẩm riêng lẻ, được kết nối với nhau. Đôi khi, các nhà phê bình và một bộ phận công chúng không tính đến hoàn cảnh này – đánh giá trò chơi của nghệ sĩ một cách trừu tượng, dựa trên cách họ bởi Tôi rất thích nghe âm nhạc được chơi. Điều này là hoàn toàn sai.

Trong những năm qua, tôi thường ngày càng ít tin vào sự tồn tại của một số công thức cố định và rõ ràng. Ví dụ – làm thế nào cần thiết (hoặc ngược lại, không cần thiết) để giải thích một tác giả như vậy và một tác giả như vậy, một bài luận như vậy và như vậy. Thực tế cho thấy rằng các quyết định về hiệu suất có thể rất khác nhau và không kém phần thuyết phục. Tất nhiên, mặc dù điều này không có nghĩa là nghệ sĩ có quyền tùy tiện hoặc tùy tiện về phong cách.

Câu hỏi khác. Có cần thiết ở thời điểm trưởng thành, có 20-30 năm kinh nghiệm chuyên nghiệp đằng sau anh ấy, để chơi piano? chi tiếthơn khi còn trẻ? Hoặc ngược lại – giảm cường độ khối lượng công việc theo tuổi tác có hợp lý hơn không? Có nhiều quan điểm và quan điểm khác nhau về điều này. “Đối với tôi, dường như câu trả lời ở đây chỉ có thể hoàn toàn là của cá nhân,” Bashkirov tin tưởng. “Có những nghệ sĩ biểu diễn mà chúng tôi gọi là những bậc thầy bẩm sinh; họ chắc chắn cần ít nỗ lực hơn để giữ cho mình có phong độ tốt. Và có những người khác. Tất nhiên, những người chưa bao giờ được ban cho bất cứ thứ gì như vậy, mà không cần nỗ lực. Đương nhiên, họ phải làm việc không mệt mỏi cả đời. Và trong những năm sau đó thậm chí còn nhiều hơn cả khi còn trẻ.

Trên thực tế, tôi phải nói rằng trong số các nhạc sĩ vĩ đại, tôi hầu như chưa bao giờ gặp những người, theo năm tháng, theo tuổi tác, sẽ làm suy yếu nhu cầu của họ đối với bản thân. Thường thì điều ngược lại xảy ra.”

Từ năm 1957, Bashkirov giảng dạy tại Nhạc viện Moscow. Hơn nữa, theo thời gian, vai trò và tầm quan trọng của nghề sư phạm đối với ông ngày càng tăng. “Khi còn trẻ, tôi thường khoe khoang rằng họ nói rằng tôi có thời gian cho mọi thứ – cả việc dạy học và chuẩn bị cho các buổi biểu diễn hòa nhạc. Và cái này không những không cản trở cái kia, mà có lẽ ngược lại: cái này hỗ trợ, củng cố cái kia. Hôm nay, tôi sẽ không tranh luận về điều này… Thời gian và tuổi tác vẫn có những điều chỉnh riêng – bạn không thể đánh giá điều gì đó khác đi. Ngày nay, tôi có xu hướng nghĩ rằng việc giảng dạy tạo ra những khó khăn nhất định cho việc biểu diễn hòa nhạc, hạn chế nó. Đây là một xung đột mà bạn không ngừng cố gắng giải quyết và thật không may, không phải lúc nào cũng thành công.

Tất nhiên, những gì đã nói ở trên không có nghĩa là tôi đặt câu hỏi về sự cần thiết hay hiệu quả của công việc sư phạm đối với bản thân mình. Không đời nào! Nó đã trở thành một phần quan trọng, không thể thiếu trong sự tồn tại của tôi đến nỗi không có tình huống khó xử nào về nó. Tôi chỉ nói rõ sự thật như chúng vốn có.”

Hiện tại, Bashkirov tổ chức khoảng 55 buổi hòa nhạc mỗi mùa. Con số này đối với anh ấy khá ổn định và thực tế không thay đổi trong nhiều năm. “Tôi biết có những người biểu diễn nhiều hơn thế. Tôi không thấy điều gì đáng ngạc nhiên trong việc này: mỗi người đều có nguồn dự trữ năng lượng, sức chịu đựng, thể lực và tinh thần khác nhau. Tôi nghĩ cái chính không phải là chơi bao nhiêu mà là chơi như thế nào. Tức là giá trị nghệ thuật của các buổi biểu diễn là quan trọng trước hết. Vì cảm giác trách nhiệm với những gì bạn làm trên sân khấu không ngừng tăng lên.

Ngày nay, Dmitry Aleksandrovich tiếp tục, rất khó để chiếm một vị trí xứng đáng trên sân khấu biểu diễn và âm nhạc quốc tế. Cần chơi đủ thường xuyên; chơi ở các thành phố và quốc gia khác nhau; chạy các chương trình khác nhau. Và, tất nhiên, cho đi tất cả. ở trình độ chuyên môn khá cao. Chỉ trong những điều kiện như vậy, nghệ sĩ, như họ nói, sẽ được chú ý. Tất nhiên, đối với một người làm sư phạm, điều này khó hơn đối với một người không phải là giáo viên. Do đó, nhiều khán giả trẻ về cơ bản bỏ qua việc giảng dạy. Và ở đâu đó chúng có thể được hiểu – do sự cạnh tranh ngày càng tăng trong thế giới nghệ thuật…”

Quay trở lại cuộc trò chuyện về công việc sư phạm của chính mình, Bashkirov nói rằng nhìn chung anh ấy cảm thấy hoàn toàn hạnh phúc với công việc đó. Hạnh phúc vì anh ấy có những học sinh, những người giao tiếp sáng tạo đã mang lại cho anh ấy – và tiếp tục mang đến – niềm vui lớn. “Nếu bạn nhìn vào những người giỏi nhất trong số họ, bạn phải thừa nhận rằng con đường đến với sự nổi tiếng không trải đầy hoa hồng cho bất kỳ ai. Nếu họ đã đạt được bất cứ điều gì, thì phần lớn là nhờ nỗ lực của chính họ. Và khả năng phát triển bản thân sáng tạo (điều mà tôi cho là quan trọng nhất đối với một nhạc sĩ). Của tôi khả năng nghệ thuật họ đã chứng minh không phải bằng số thứ tự tại cuộc thi này hay cuộc thi kia, mà bằng việc họ chơi ngày hôm nay trên sân khấu của nhiều quốc gia trên thế giới.

Tôi muốn nói một lời đặc biệt về một số học sinh của tôi. Khá ngắn gọn. Nghĩa đen trong một vài từ.

Dmitry Alekseev. tôi thích nó trong đó xung đột nội bộmà tôi, với tư cách là giáo viên của anh ấy, biết rõ. Xung đột theo nghĩa tốt nhất của từ này. Nó có thể không được nhìn thấy ngay từ cái nhìn đầu tiên – khá ẩn giấu hơn là dễ thấy, nhưng nó tồn tại, tồn tại và điều này rất quan trọng. Alekseev nhận thức rõ ràng về điểm mạnh và điểm yếu của mình, anh ấy hiểu rằng cuộc đấu tranh giữa họ và có nghĩa là tiến về phía trước trong nghề nghiệp của chúng tôi. Phong trào này có thể trôi chảy với anh ta, giống như với những người khác, suôn sẻ và đồng đều, hoặc nó có thể ở dạng khủng hoảng và những đột phá bất ngờ trong các lĩnh vực sáng tạo mới. Nó không quan trọng bằng cách nào. Điều quan trọng là người nhạc sĩ phải tiến lên. Đối với tôi, có vẻ như về Dmitry Alekseev, điều này có thể nói mà không sợ rơi vào sự cường điệu. Uy tín quốc tế cao của ông không phải là ngẫu nhiên.

Nikolai Demidenko. Có một thái độ hơi trịch thượng đối với anh ta tại một thời điểm. Một số không tin vào tương lai nghệ thuật của mình. Tôi có thể nói gì về điều này? Được biết, một số người biểu diễn trưởng thành sớm hơn, nhanh hơn (đôi khi họ thậm chí còn trưởng thành quá nhanh, giống như một số chuyên viên máy tính nhất thời kiệt sức), đối với những người khác, quá trình này diễn ra chậm hơn, bình tĩnh hơn. Phải mất nhiều năm để họ phát triển toàn diện, trưởng thành, tự đứng trên đôi chân của mình, phát huy những gì tốt nhất mà họ có… Ngày nay, Nikolay Demidenko có bề dày luyện tập, anh ấy thi đấu rất nhiều ở nhiều thành phố khác nhau của nước ta và nước ngoài. Tôi không được nghe anh ấy thường xuyên, nhưng khi tôi đến xem các buổi biểu diễn của anh ấy, tôi thấy rằng rất nhiều điều anh ấy làm bây giờ không hoàn toàn giống như trước đây. Đôi khi tôi gần như không nhận ra cách diễn giải của anh ấy đối với những tác phẩm mà chúng tôi đã chuyền tay nhau trong lớp. Và đối với tôi, với tư cách là một giáo viên, đây là phần thưởng lớn nhất…

Serge Erokhin. Tại Cuộc thi Tchaikovsky lần thứ VIII, anh ấy nằm trong số những người đoạt giải, nhưng tình hình tại cuộc thi này rất khó khăn đối với anh ấy: anh ấy vừa xuất ngũ khỏi hàng ngũ của Quân đội Liên Xô và đương nhiên, không phải là hình thức sáng tạo tốt nhất của anh ấy. Trong khoảng thời gian đã trôi qua kể từ cuộc thi, đối với tôi, có vẻ như Sergei đã đạt được thành công rất lớn. Hãy để tôi nhắc bạn ít nhất về giải nhì của anh ấy tại một cuộc thi ở Santander (Tây Ban Nha), về điều mà một trong những tờ báo có ảnh hưởng ở Madrid đã viết: “Màn trình diễn của Serge Erokhin không chỉ xứng đáng với giải nhất mà còn xứng đáng với toàn bộ cuộc thi.” Nói tóm lại, tôi không nghi ngờ gì về việc Sergei có một tương lai nghệ thuật tươi sáng. Hơn nữa, theo tôi, anh ấy được sinh ra không phải để thi đấu mà là để biểu diễn trên sân khấu.

Alexander Bonduryansky. Anh cống hiến hết mình cho âm nhạc thính phòng. Trong nhiều năm, Alexander đã biểu diễn như một phần của Bộ ba Moscow, củng cố nó bằng ý chí, sự nhiệt tình, tận tâm, cống hiến và tính chuyên nghiệp cao. Tôi quan tâm theo dõi các hoạt động của anh ấy, tôi hết lần này đến lần khác thuyết phục rằng việc một nhạc sĩ tìm ra con đường của riêng mình quan trọng như thế nào. Tôi muốn nghĩ rằng điểm khởi đầu khiến Bonduryansky quan tâm đến việc sáng tác nhạc hòa tấu thính phòng là do anh ấy quan sát thấy công việc sáng tạo chung của tôi trong bộ ba với I. Bezrodny và M. Khomitser.

Eiro Heinonen. Ở nhà, ở Phần Lan, anh ấy là một trong những nghệ sĩ piano và giáo viên nổi tiếng nhất (hiện anh ấy là giáo sư tại Học viện Sibelius ở Helsinki). Tôi rất vui khi nhớ lại những cuộc gặp gỡ của tôi với anh ấy.

Đặng Thái Sơn. Tôi đã học với anh ấy khi anh ấy là nghiên cứu sinh tại Nhạc viện Moscow; gặp anh sau. Tôi đã có những ấn tượng vô cùng thú vị khi tiếp xúc với Sean – một con người và một nghệ sĩ. Anh ấy thông minh, thông minh, quyến rũ và tài năng đáng kinh ngạc. Đã có lúc anh ấy trải qua một thứ gì đó giống như một cuộc khủng hoảng: anh ấy thấy mình ở trong một không gian khép kín của một phong cách duy nhất, và thậm chí ở đó, đôi khi anh ấy trông không được đa dạng và đa dạng … Sean phần lớn đã vượt qua giai đoạn khủng hoảng này; chiều sâu của tư duy biểu diễn, quy mô của cảm xúc, kịch tính xuất hiện trong vở kịch của anh ấy … Anh ấy có một hiện tại piano tuyệt vời và chắc chắn là một tương lai không kém phần đáng ghen tị.

Có những nhạc sĩ trẻ thú vị, đầy triển vọng khác trong lớp học của tôi hôm nay. Nhưng họ vẫn đang phát triển. Vì vậy, tôi sẽ không nói về chúng.

Giống như mọi giáo viên tài năng, Bashkirov có phong cách làm việc với học sinh của riêng mình. Anh ấy không thích chuyển sang các phạm trù và khái niệm trừu tượng trong lớp học, anh ấy không thích đi xa khỏi công việc đang nghiên cứu. Theo cách nói của anh ấy, việc sử dụng không thường xuyên song song với các nghệ thuật khác, cũng như một số đồng nghiệp của anh ấy. Ông xuất phát từ thực tế là âm nhạc, loại hình phổ biến nhất trong tất cả các loại hình nghệ thuật, có quy luật riêng, “quy tắc” riêng, đặc thù nghệ thuật riêng; do đó, cố gắng dẫn học sinh đến một giải pháp âm nhạc thuần túy thông qua quả cầu phi âm nhạc hơi giả tạo. Đối với sự tương đồng với văn học, hội họa, v.v., chúng chỉ có thể tạo động lực để hiểu hình ảnh âm nhạc chứ không thể thay thế nó bằng một thứ khác. Điều xảy ra là những điểm tương đồng và tương đồng này thậm chí còn gây ra một số tổn hại cho âm nhạc – chúng đơn giản hóa nó … “Tôi nghĩ tốt hơn hết là giải thích cho học sinh bạn muốn gì với sự trợ giúp của nét mặt, cử chỉ của nhạc trưởng và tất nhiên là màn hình trực tiếp trên bàn phím.

Tuy nhiên, bạn có thể dạy theo cách này, cách kia… Một lần nữa, không thể có một công thức chung và duy nhất trong trường hợp này.”

Anh liên tục và kiên trì quay trở lại với suy nghĩ này: không có gì tệ hơn sự thiên vị, giáo điều, phiến diện trong cách tiếp cận nghệ thuật. “Thế giới âm nhạc, đặc biệt là biểu diễn và sư phạm, vô cùng đa dạng. Ở đây, các lĩnh vực đa dạng nhất về giá trị, chân lý nghệ thuật và các giải pháp sáng tạo cụ thể có thể và phải cùng tồn tại hoàn toàn. Nó xảy ra rằng một số người lập luận như thế này: Tôi thích nó – nó có nghĩa là nó tốt; Nếu bạn không thích nó, thì nó chắc chắn là xấu. Như vậy, có thể nói, logic rất xa lạ với tôi. Tôi cũng cố gắng làm cho nó xa lạ với học sinh của mình.”

… Ở trên, Bashkirov đã nói về xung đột nội tâm của học trò Dmitry Alekseev – xung đột “theo nghĩa tốt nhất của từ này”, “có nghĩa là tiến lên trong nghề nghiệp của chúng ta.” Những người biết rõ về Dmitry Alexandrovich sẽ đồng ý rằng, trước hết, bản thân ông có thể nhận thấy sự xung đột như vậy. Chính cô ấy là người, kết hợp với sự nghiêm khắc có chủ đích đối với bản thân (Một lần, 7-8 năm trước, Bashkirov nói rằng anh ấy thường tự cho mình một thứ gì đó giống như điểm cho các buổi biểu diễn: “Thành thật mà nói, điểm thường thấp … Trong một năm, bạn phải tổ chức hàng chục buổi hòa nhạc. Tôi thực sự hài lòng nhất với một vài ... “Về vấn đề này, tôi vô tình nghĩ đến một tình tiết mà GG Neuhaus thích nhắc lại:” Leopold Godovsky, người thầy vinh quang của tôi, đã từng nói với tôi: “Tôi đã tổ chức 83 buổi hòa nhạc trong mùa này, và bạn biết tôi hài lòng với bao nhiêu không? – ba! (Neigauz G. G. Suy tư, hồi ức, nhật ký // Bài chọn lọc. Thư gửi cha mẹ. Tr. 107).) – và giúp ông trở thành một trong những nhân vật nổi bật nhất của nghệ thuật piano trong thế hệ của mình; không còn nghi ngờ gì nữa, chính cô ấy sẽ mang đến cho nghệ sĩ nhiều khám phá sáng tạo hơn nữa.

G.Tsypin, 1990