David Fedorovich Oistrakh |
David Oistrakh
Liên Xô từ lâu đã nổi tiếng với những nghệ sĩ vĩ cầm. Trở lại những năm 30, những chiến thắng rực rỡ của các nghệ sĩ biểu diễn của chúng tôi tại các cuộc thi quốc tế đã khiến cộng đồng âm nhạc thế giới kinh ngạc. Trường học violin của Liên Xô được cho là tốt nhất trên thế giới. Trong số các chòm sao tài năng xuất chúng, lòng bàn tay đã thuộc về David Oistrakh. Ông đã giữ vị trí của mình cho đến ngày nay.
Nhiều bài báo đã viết về Oistrakh, có lẽ bằng ngôn ngữ của hầu hết các dân tộc trên thế giới; chuyên khảo và tiểu luận đã được viết về anh ấy, và dường như không có từ nào không thể nói về nghệ sĩ bởi những người ngưỡng mộ tài năng tuyệt vời của anh ấy. Và tôi muốn nói về nó một lần nữa và một lần nữa. Có lẽ, không một nghệ sĩ vĩ cầm nào phản ánh đầy đủ như thế lịch sử nghệ thuật vĩ cầm của nước ta. Oistrakh phát triển cùng với văn hóa âm nhạc Xô Viết, tiếp thu sâu sắc lý tưởng, thẩm mỹ của nó. Anh ấy được thế giới của chúng ta “tạo ra” như một nghệ sĩ, cẩn thận chỉ đạo sự phát triển tài năng tuyệt vời của nghệ sĩ.
Có nghệ thuật đè nén, làm nảy sinh lo lắng, khiến bạn trải qua những bi kịch cuộc đời; nhưng có một loại hình nghệ thuật khác mang lại sự bình yên, niềm vui, chữa lành những vết thương tinh thần, thúc đẩy sự hình thành niềm tin vào cuộc sống, vào tương lai. Cái sau rất đặc trưng của Oistrakh. Nghệ thuật của Oistrakh minh chứng cho sự hài hòa đáng kinh ngạc của bản chất, thế giới tâm linh của anh ấy, với nhận thức tươi sáng và rõ ràng về cuộc sống. Oistrakh là một nghệ sĩ đang tìm kiếm, mãi mãi không hài lòng với những gì mình đã đạt được. Mỗi giai đoạn trong tiểu sử sáng tạo của anh ấy là một "Oistrakh mới". Vào những năm 30, ông là bậc thầy về tiểu cảnh, chú trọng đến chất trữ tình nhẹ nhàng, duyên dáng, nhẹ nhàng. Vào thời điểm đó, lối chơi của anh ấy quyến rũ với sự duyên dáng tinh tế, sắc thái trữ tình sâu sắc, sự hoàn thiện tinh tế của từng chi tiết. Nhiều năm trôi qua, và Oistrakh đã trở thành một bậc thầy về những hình thức to lớn, hoành tráng, trong khi vẫn duy trì những phẩm chất trước đây của mình.
Ở giai đoạn đầu, trò chơi của anh ấy bị chi phối bởi “tông màu nước” thiên về dải màu óng ánh, ánh bạc với sự chuyển đổi không thể nhận thấy từ màu này sang màu khác. Tuy nhiên, trong Khachaturian Concerto, anh bất ngờ thể hiện mình ở một khả năng mới. Anh như tạo nên một bức tranh đầy màu sắc say đắm lòng người, với những âm sắc âm sắc “mượt mà” sâu lắng. Và nếu trong các buổi hòa nhạc của Mendelssohn, Tchaikovsky, trong các bản thu nhỏ của Kreisler, Scriabin, Debussy, anh ấy được coi là người biểu diễn một tài năng trữ tình thuần túy, thì trong Bản hòa tấu của Khachaturian, anh ấy xuất hiện như một họa sĩ thể loại tuyệt vời; cách giải thích của anh ấy về bản Concerto này đã trở thành một tác phẩm kinh điển.
Một giai đoạn mới, một đỉnh cao mới trong sự phát triển sáng tạo của một nghệ sĩ tuyệt vời – Bản concerto của Shostakovich. Không thể nào quên được ấn tượng mà buổi ra mắt Buổi hòa nhạc do Oistrakh biểu diễn. Anh ấy đã biến đổi theo đúng nghĩa đen; trò chơi của anh ấy có được quy mô "giao hưởng", sức mạnh bi tráng, "sự khôn ngoan của trái tim" và nỗi đau cho một người, vốn rất cố hữu trong âm nhạc của nhà soạn nhạc vĩ đại Liên Xô.
Mô tả màn trình diễn của Oistrakh, không thể không ghi nhận kỹ năng chơi nhạc cụ cao của anh ấy. Dường như thiên nhiên chưa bao giờ tạo ra sự kết hợp hoàn chỉnh giữa con người và công cụ như vậy. Đồng thời, kỹ thuật biểu diễn điêu luyện của Oistrakh rất đặc biệt. Nó có cả sự rực rỡ và sặc sỡ khi âm nhạc yêu cầu, nhưng chúng không phải là điều chính mà là tính dẻo. Sự nhẹ nhàng và dễ dàng đáng kinh ngạc mà người nghệ sĩ thực hiện những đoạn khó hiểu nhất là vô song. Sự hoàn hảo của bộ máy biểu diễn của anh ấy đến mức bạn sẽ có được niềm vui thẩm mỹ thực sự khi xem anh ấy chơi. Với sự khéo léo khó hiểu, tay trái di chuyển dọc theo cổ. Không có giật mạnh hoặc chuyển tiếp góc cạnh. Bất kỳ bước nhảy nào cũng được vượt qua với sự tự do tuyệt đối, bất kỳ động tác duỗi ngón tay nào – với độ đàn hồi tối đa. Cây cung được "liên kết" với các dây theo cách mà âm sắc run rẩy, mơn trớn của cây vĩ cầm của Oistrakh sẽ không bao giờ bị lãng quên.
Năm thêm ngày càng nhiều khía cạnh cho nghệ thuật của mình. Nó trở nên sâu hơn và… dễ dàng hơn. Nhưng, phát triển, không ngừng tiến về phía trước, Oistrakh vẫn là “chính mình” – nghệ sĩ của ánh sáng và mặt trời, nghệ sĩ vĩ cầm trữ tình nhất của thời đại chúng ta.
Oistrakh sinh ra ở Odessa vào ngày 30 tháng 1908 năm XNUMX. Cha của ông, một nhân viên văn phòng khiêm tốn, chơi đàn mandolin, violin và là một người rất yêu âm nhạc; mẹ, một ca sĩ chuyên nghiệp, đã hát trong dàn hợp xướng của Nhà hát Opera Odessa. Từ năm bốn tuổi, cậu bé David đã say mê lắng nghe những vở opera mà mẹ cậu hát, và ở nhà, cậu chơi các buổi biểu diễn và “chỉ huy” một dàn nhạc tưởng tượng. Khả năng âm nhạc của anh ấy rõ ràng đến mức anh ấy bắt đầu quan tâm đến một giáo viên nổi tiếng, người đã trở nên nổi tiếng nhờ công việc dạy dỗ trẻ em, nghệ sĩ vĩ cầm P. Stolyarsky. Từ năm tuổi, Oistrakh bắt đầu học với anh ta.
Chiến tranh thế giới thứ nhất bùng nổ. Cha của Oistrakh đã ra mặt trận, nhưng Stolyarsky vẫn tiếp tục làm việc miễn phí với cậu bé. Vào thời điểm đó, anh ấy có một trường âm nhạc tư nhân, ở Odessa được gọi là "nhà máy sản xuất tài năng". Oistrakh nhớ lại: “Ông ấy có một tâm hồn nghệ sĩ rộng lớn, nhiệt huyết và một tình yêu phi thường dành cho trẻ em. Stolyarsky truyền cho anh tình yêu với âm nhạc thính phòng, buộc anh phải chơi nhạc trong các bản hòa tấu của trường trên viola hoặc violon.
Sau cuộc cách mạng và nội chiến, Học viện Âm nhạc và Kịch nghệ đã được mở tại Odessa. Năm 1923, Oistrakh vào đây, và tất nhiên, cùng lớp với Stolyarsky. Năm 1924, ông tổ chức buổi hòa nhạc solo đầu tiên và nhanh chóng thành thạo các tác phẩm chính của tiết mục violin (các buổi hòa nhạc của Bach, Tchaikovsky, Glazunov). Năm 1925, ông thực hiện chuyến đi hòa nhạc đầu tiên tới Elizavetgrad, Nikolaev, Kherson. Vào mùa xuân năm 1926, Oistrakh tốt nghiệp xuất sắc học viện, đã biểu diễn bản Concerto đầu tiên của Prokofiev, Sonata “Devil's Trills” của Tartini, Sonata của A. Rubinstein cho Viola và Piano.
Chúng tôi xin lưu ý rằng bản Concerto của Prokofiev đã được chọn làm tác phẩm kiểm tra chính. Vào thời điểm đó, không phải ai cũng có thể thực hiện một bước táo bạo như vậy. Âm nhạc của Prokofiev được một số ít người cảm nhận, thật khó để nó giành được sự công nhận từ các nhạc sĩ dựa trên những tác phẩm kinh điển của thế kỷ XNUMX-XNUMX. Mong muốn về sự mới lạ, sự hiểu biết nhanh chóng và sâu sắc về đặc điểm mới vẫn còn của Oistrakh, người mà sự phát triển về hiệu suất có thể được sử dụng để viết nên lịch sử âm nhạc vĩ cầm của Liên Xô. Có thể nói không ngoa rằng hầu hết các bản concerto cho violin, sonata, các tác phẩm lớn nhỏ do các nhà soạn nhạc Liên Xô sáng tác đều được Oistrakh trình diễn lần đầu tiên. Đúng vậy, và từ văn học vĩ cầm nước ngoài của thế kỷ XNUMX, chính Oistrakh đã giới thiệu cho thính giả Liên Xô nhiều hiện tượng lớn; ví dụ, với các bản concerto của Szymanowski, Chausson, Bản concerto đầu tiên của Bartók, v.v.
Tất nhiên, khi còn trẻ, Oistrakh không thể hiểu đủ sâu về âm nhạc của bản concerto Prokofiev, như chính nghệ sĩ nhớ lại. Ngay sau khi Oistrakh tốt nghiệp học viện, Prokofiev đến Odessa với các buổi hòa nhạc của tác giả. Tại một buổi tối được tổ chức để vinh danh ông, chàng trai 18 tuổi Oistrakh đã biểu diễn bản scherzo từ Bản concerto đầu tiên. Nhà soạn nhạc đang ngồi gần sân khấu. “Trong buổi biểu diễn của tôi,” Oistrakh nhớ lại, “khuôn mặt anh ấy ngày càng trở nên u ám. Khi những tràng pháo tay nổ ra, anh ấy đã không tham gia vào chúng. Đến gần sân khấu, phớt lờ sự ồn ào và phấn khích của khán giả, anh ấy yêu cầu nghệ sĩ piano nhường đường cho mình và quay sang tôi nói: “Chàng trai trẻ, bạn chơi không đúng cách mà bạn nên chơi,” anh ấy bắt đầu để chỉ ra và giải thích cho tôi bản chất âm nhạc của anh ấy. . Nhiều năm sau, Oistrakh nhắc Prokofiev về vụ việc này, và anh ta lộ rõ vẻ xấu hổ khi biết “chàng trai trẻ bất hạnh” đã phải chịu nhiều đau khổ vì mình là ai.
Vào những năm 20, F. Kreisler có ảnh hưởng lớn đến Oistrakh. Oistrakh đã làm quen với màn trình diễn của anh ấy thông qua các bản ghi âm và bị thu hút bởi sự độc đáo trong phong cách của anh ấy. Tác động to lớn của Kreisler đối với thế hệ nghệ sĩ vĩ cầm của những năm 20 và 30 thường được coi là tích cực và tiêu cực. Rõ ràng, Kreisler đã “có lỗi” với niềm đam mê của Oistrakh đối với một hình thức nhỏ - tiểu cảnh và bản sao chép, trong đó sự sắp xếp của Kreisler và các vở kịch gốc chiếm một vị trí quan trọng.
Niềm đam mê dành cho Kreisler là phổ biến và ít người thờ ơ với phong cách và sự sáng tạo của anh ấy. Từ Kreisler, Oistrakh đã áp dụng một số kỹ thuật chơi – đặc trưng glissando, rung, portamento. Có lẽ Oistrakh mang ơn “trường phái Kreisler” vì sự thanh lịch, nhẹ nhàng, mềm mại, phong phú của các sắc thái “buồng phòng” khiến chúng ta mê mẩn trong trò chơi của anh ấy. Tuy nhiên, mọi thứ mà anh ấy mượn đều được anh ấy xử lý một cách hữu cơ một cách bất thường ngay cả vào thời điểm đó. Cá tính của người nghệ sĩ trẻ hóa ra lại tỏa sáng đến mức nó đã biến đổi bất kỳ “sự mua lại” nào. Trong thời kỳ trưởng thành của mình, Oistrakh rời bỏ Kreisler, đưa những kỹ thuật biểu cảm mà anh ta đã từng áp dụng từ anh ta vào phục vụ cho những mục tiêu hoàn toàn khác. Mong muốn về chủ nghĩa tâm lý, tái tạo một thế giới phức tạp của những cảm xúc sâu sắc đã đưa anh đến với các phương pháp ngữ điệu tuyên bố, bản chất của nó trái ngược hoàn toàn với lời bài hát trang nhã, cách điệu của Kreisler.
Vào mùa hè năm 1927, theo sáng kiến của nghệ sĩ piano Kyiv K. Mikhailov, Oistrakh được giới thiệu với AK Glazunov, người đã đến Kiev để chỉ huy một số buổi hòa nhạc. Trong khách sạn nơi Oistrakh được đưa đến, Glazunov đã đệm đàn cho nghệ sĩ vĩ cầm trẻ trong bản Concerto trên piano của anh ấy. Dưới sự chỉ huy của Glazunov, Oistrakh đã hai lần biểu diễn bản Concerto trước công chúng cùng với dàn nhạc. Tại Odessa, nơi Oistrakh trở về cùng Glazunov, anh gặp Polyakin, người đang đi lưu diễn ở đó, và sau một thời gian, với nhạc trưởng N. Malko, người đã mời anh trong chuyến đi đầu tiên tới Leningrad. Ngày 10 tháng 1928 năm XNUMX, Oistrakh ra mắt thành công tại Leningrad; nghệ sĩ trẻ đã trở nên nổi tiếng.
Năm 1928, Oistrakh chuyển đến Moscow. Trong một thời gian, anh ấy sống cuộc sống của một nghệ sĩ khách mời, đi khắp Ukraine với các buổi hòa nhạc. Có tầm quan trọng lớn trong hoạt động nghệ thuật của ông là chiến thắng tại Cuộc thi Violon toàn Ukraine năm 1930. Ông đã giành được giải nhất.
P. Kogan, giám đốc văn phòng hòa nhạc của các dàn nhạc và hòa tấu nhà nước Ukraine, bắt đầu quan tâm đến nhạc sĩ trẻ. Là một nhà tổ chức xuất sắc, ông là một nhân vật đáng chú ý của "nhà giáo dục-ông chủ Liên Xô", vì ông có thể được gọi theo hướng và tính chất hoạt động của ông. Ông là một nhà tuyên truyền thực sự của nghệ thuật cổ điển trong quần chúng, và nhiều nhạc sĩ Liên Xô đã ghi nhớ những kỷ niệm đẹp về ông. Kogan đã làm rất nhiều để phổ biến Oistrakh, nhưng khu vực hòa nhạc chính của nghệ sĩ vĩ cầm vẫn là bên ngoài Moscow và Leningrad. Chỉ đến năm 1933, Oistrakh mới bắt đầu đến Moscow. Buổi biểu diễn của anh ấy với một chương trình bao gồm các bản hòa tấu của Mozart, Mendelssohn và Tchaikovsky, được biểu diễn vào một buổi tối, là một sự kiện mà vở nhạc kịch Moscow đã nói đến. Các bài phê bình viết về Oistrakh, trong đó lưu ý rằng lối chơi của anh ấy mang những phẩm chất tốt nhất của thế hệ nghệ sĩ biểu diễn trẻ của Liên Xô, rằng môn nghệ thuật này lành mạnh, dễ hiểu, vui vẻ và có ý chí mạnh mẽ. Các nhà phê bình chú ý một cách khéo léo những đặc điểm chính trong phong cách biểu diễn của anh ấy, đặc trưng của anh ấy trong những năm đó - kỹ năng đặc biệt trong việc thực hiện các tác phẩm có hình thức nhỏ.
Đồng thời, trong một trong những bài báo, chúng tôi tìm thấy những dòng sau: “Tuy nhiên, còn quá sớm để cho rằng tiểu cảnh là thể loại của anh ấy. Không, lĩnh vực của Oistrakh là âm nhạc của những hình thức dẻo dai, duyên dáng, âm nhạc lạc quan, đầy nhiệt huyết.
Năm 1934, theo sáng kiến của A. Goldenweiser, Oistrakh được mời vào nhạc viện. Đây là nơi sự nghiệp giảng dạy của ông bắt đầu, tiếp tục cho đến nay.
Những năm 30 là thời điểm của những chiến thắng rực rỡ của Oistrakh trên trường toàn Liên minh và thế giới. 1935 - giải nhất tại Cuộc thi biểu diễn nhạc sĩ toàn liên minh lần thứ II ở Leningrad; cùng năm đó, vài tháng sau – giải nhì tại Cuộc thi Violon Quốc tế Henryk Wieniawski ở Warsaw (giải nhất thuộc về Ginette Neve, học trò của Thibaut); 1937 – giải nhất tại Cuộc thi Violon Quốc tế Eugene Ysaye ở Brussels.
Cuộc thi cuối cùng, trong đó sáu trong số bảy giải nhất thuộc về các nghệ sĩ vĩ cầm Liên Xô D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova và M. Fikhtengolts, được báo chí thế giới đánh giá là một chiến thắng của đàn vĩ cầm Liên Xô. trường học. Thành viên ban giám khảo cuộc thi Jacques Thibault đã viết: “Đây là những tài năng tuyệt vời. Liên Xô là quốc gia duy nhất chăm sóc các nghệ sĩ trẻ của mình và tạo cơ hội đầy đủ cho sự phát triển của họ. Từ hôm nay, Oistrakh đang nổi tiếng trên toàn thế giới. Họ muốn lắng nghe anh ấy ở tất cả các nước.”
Sau cuộc thi, những người tham gia đã biểu diễn ở Paris. Cuộc thi đã mở đường cho Oistrakh tham gia các hoạt động quốc tế rộng rãi. Ở nhà, Oistrakh trở thành nghệ sĩ vĩ cầm nổi tiếng nhất, cạnh tranh thành công về mặt này với Miron Polyakin. Nhưng cái chính là nghệ thuật quyến rũ của ông thu hút sự chú ý của các nhà soạn nhạc, kích thích sự sáng tạo của họ. Năm 1939, Myaskovsky Concerto được tạo ra, năm 1940 – Khachaturian. Cả hai buổi hòa nhạc đều dành riêng cho Oistrakh. Buổi biểu diễn các bản hòa tấu của Myaskovsky và Khachaturian được coi là một sự kiện trọng đại trong đời sống âm nhạc của đất nước, là kết quả và đỉnh cao của hoạt động nghệ sĩ xuất chúng thời kỳ trước chiến tranh.
Trong chiến tranh, Oistrakh liên tục tổ chức các buổi hòa nhạc, biểu diễn trong bệnh viện, ở hậu phương và tiền tuyến. Giống như hầu hết các nghệ sĩ Liên Xô, ông tràn đầy nhiệt huyết yêu nước, năm 1942 ông biểu diễn ở Leningrad bị bao vây. Những người lính và công nhân, thủy thủ và cư dân của thành phố lắng nghe anh ta. “Các Oki đến đây sau một ngày làm việc mệt mỏi để nghe Oistrakh, một nghệ sĩ Đại lục, đến từ Moscow. Buổi hòa nhạc vẫn chưa kết thúc khi cảnh báo không kích được công bố. Không ai rời khỏi phòng. Sau khi kết thúc đêm diễn, nghệ sĩ được chào đón nồng nhiệt. Sự hoan nghênh đặc biệt tăng lên khi sắc lệnh trao Giải thưởng Nhà nước cho D. Oistrakh được công bố … ”.
Chiến tranh đã qua rồi. Năm 1945, Yehudi Menuhin đến Moscow. Oistrakh chơi một bản Concerto đôi của Bach với anh ấy. Vào mùa giải 1946/47, ông đã biểu diễn ở Moscow một chu kỳ hoành tráng dành riêng cho lịch sử của bản concerto cho violin. Hành động này gợi nhớ đến các buổi hòa nhạc lịch sử nổi tiếng của A. Rubinstein. Chu kỳ bao gồm các tác phẩm như bản hòa tấu của Elgar, Sibelius và Walton. Ông đã xác định một điều gì đó mới mẻ trong hình ảnh sáng tạo của Oistrakh, thứ đã trở thành phẩm chất không thể thay đổi của ông - chủ nghĩa phổ quát, mong muốn phủ sóng rộng rãi văn học vĩ cầm của mọi thời đại và mọi dân tộc, kể cả thời hiện đại.
Sau chiến tranh, Oistrakh mở ra triển vọng cho các hoạt động quốc tế rộng rãi. Chuyến đi đầu tiên của anh ấy diễn ra ở Vienna vào năm 1945. Đánh giá về màn trình diễn của anh ấy rất đáng chú ý: “… Chỉ có sự trưởng thành về mặt tinh thần trong cách chơi đàn luôn phong cách của anh ấy mới khiến anh ấy trở thành một người báo trước về tính nhân văn cao cả, một nhạc sĩ thực sự có ý nghĩa, người có vị trí hàng đầu trong nghệ sĩ vĩ cầm của thế giới.”
Năm 1945-1947, Oistrakh gặp Enescu ở Bucharest, và Menuhin ở Praha; năm 1951, ông được bổ nhiệm làm thành viên ban giám khảo của Cuộc thi Quốc tế Nữ hoàng Bỉ Elisabeth tại Brussels. Vào những năm 50, toàn bộ báo chí nước ngoài đánh giá ông là một trong những nghệ sĩ vĩ cầm vĩ đại nhất thế giới. Khi ở Brussels, anh biểu diễn cùng Thibault, người chỉ huy dàn nhạc trong các bản concerto của anh, chơi các bản concerto của Bach, Mozart và Beethoven. Thiebaud vô cùng ngưỡng mộ tài năng của Oistrakh. Các bài đánh giá về màn trình diễn của anh ấy ở Düsseldorf năm 1954 nhấn mạnh tính nhân văn và tâm linh sâu sắc trong màn trình diễn của anh ấy. “Con người này yêu con người, nghệ sĩ này yêu cái đẹp, cái cao thượng; giúp mọi người trải nghiệm đây là nghề của anh ấy.”
Trong những bài đánh giá này, Oistrakh xuất hiện với tư cách là một nghệ sĩ biểu diễn đạt đến chiều sâu của nguyên tắc nhân văn trong âm nhạc. Cảm xúc và trữ tình trong nghệ thuật của anh ấy là tâm lý, và đây là điều ảnh hưởng đến người nghe. “Làm thế nào để tóm tắt những ấn tượng về trò chơi của David Oistrakh? – đã viết E. Jourdan-Morrange. – Các định nghĩa thông thường, dù chúng có thể là dithyrambic đến đâu, đều không xứng đáng với nghệ thuật thuần túy của ông. Oistrakh là nghệ sĩ vĩ cầm hoàn hảo nhất mà tôi từng nghe, không chỉ về kỹ thuật của anh ấy ngang ngửa với Heifetz, mà đặc biệt là vì kỹ thuật này hoàn toàn hướng đến việc phục vụ âm nhạc. Thật trung thực, thật cao thượng khi hành quyết!
Năm 1955, Oistrakh đến Nhật Bản và Hoa Kỳ. Tại Nhật Bản, họ viết: “Khán giả nước này biết đánh giá cao nghệ thuật, nhưng dễ bị kiềm chế trong việc bộc lộ cảm xúc. Ở đây, cô ấy thực sự phát điên. Những tràng vỗ tay tuyệt đẹp kết hợp với những tiếng hét “bravo!” và dường như có thể gây choáng. Thành công của Oistrakh ở Hoa Kỳ gần như là một chiến thắng: “David Oistrakh là một nghệ sĩ vĩ cầm vĩ đại, một trong những nghệ sĩ vĩ cầm thực sự vĩ đại của thời đại chúng ta. Oistrakh vĩ đại không chỉ bởi vì anh ấy là một nghệ sĩ điêu luyện, mà còn là một nhạc sĩ tâm linh đích thực.” F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte đã nghe Oistrakh tại buổi hòa nhạc ở Carnegie Hall.
“Tôi đặc biệt xúc động trước sự hiện diện của Kreisler trong hội trường. Khi tôi nhìn thấy người nghệ sĩ vĩ cầm vĩ đại đang chăm chú lắng nghe tôi chơi đàn và sau đó đứng dậy vỗ tay khen ngợi tôi, mọi thứ diễn ra giống như một giấc mơ tuyệt vời nào đó. Oistrakh gặp Kreisler trong chuyến thăm Mỹ lần thứ hai vào năm 1962-1963. Kreisler lúc đó đã là một ông già. Trong số những cuộc gặp gỡ với các nhạc sĩ lớn, cũng nên kể đến cuộc gặp gỡ với P. Casals năm 1961, cuộc gặp gỡ đã để lại dấu ấn sâu đậm trong lòng Oistrakh.
Dòng sáng nhất trong màn trình diễn của Oistrakh là âm nhạc hòa tấu thính phòng. Oistrakh tham gia các buổi tối trong phòng ở Odessa; sau đó anh ấy chơi trong một bộ ba với Igumnov và Knushevitsky, thay thế nghệ sĩ vĩ cầm Kalinovsky trong bản hòa tấu này. Năm 1935, ông thành lập một bản hòa tấu sonata với L. Oborin. Theo Oistrakh, chuyện xảy ra như thế này: họ đến Thổ Nhĩ Kỳ vào đầu những năm 30, và ở đó họ phải chơi một buổi tối sonata. “Cảm nhận về âm nhạc” của họ hóa ra có liên quan đến nhau đến mức nảy ra ý tưởng tiếp tục sự liên kết ngẫu nhiên này.
Nhiều buổi biểu diễn tại các buổi tối chung đã đưa một trong những nghệ sĩ cello vĩ đại nhất của Liên Xô, Svyatoslav Knushevitsky, đến gần Oistrakh và Oborin hơn. Quyết định thành lập một bộ ba cố định được đưa ra vào năm 1940. Buổi biểu diễn đầu tiên của ban nhạc đáng chú ý này diễn ra vào năm 1941, nhưng hoạt động hòa nhạc có hệ thống bắt đầu vào năm 1943. Bộ ba L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky trong nhiều năm (cho đến khi 1962, khi Knushevitsky qua đời) là niềm tự hào của nền âm nhạc thính phòng Liên Xô. Nhiều buổi hòa nhạc của nhóm này luôn tập hợp đầy đủ các hội trường của một khán giả nhiệt tình. Các buổi biểu diễn của anh được tổ chức tại Moscow, Leningrad. Năm 1952, bộ ba đến dự lễ kỷ niệm Beethoven ở Leipzig. Oborin và Oistrakh đã biểu diễn toàn bộ các bản sonata của Beethoven.
Trò chơi của bộ ba được phân biệt bởi sự gắn kết hiếm có. Cantilena dày đặc đáng chú ý của Knushevitsky, với âm thanh, âm sắc mượt mà, kết hợp hoàn hảo với âm thanh bạc của Oistrakh. Âm thanh của họ được bổ sung bằng cách hát trên piano Oborin. Trong âm nhạc, các nghệ sĩ bộc lộ và nhấn mạnh khía cạnh trữ tình của nó, cách chơi của họ nổi bật bởi sự chân thành, mềm mại xuất phát từ trái tim. Nhìn chung, phong cách biểu diễn của ban nhạc có thể được gọi là trữ tình, nhưng với sự đĩnh đạc và chặt chẽ của cổ điển.
Nhóm Oborin-Oistrakh vẫn tồn tại cho đến ngày nay. Những buổi tối sonata của họ để lại ấn tượng về sự toàn vẹn và trọn vẹn về mặt phong cách. Chất thơ vốn có trong vở kịch của Oborin được kết hợp với logic đặc trưng của tư duy âm nhạc; Oistrakh là một đối tác tuyệt vời trong vấn đề này. Đây là một bản hòa tấu của hương vị tinh tế, trí thông minh âm nhạc hiếm có.
Oistrakh được biết đến trên toàn thế giới. Ông được đánh dấu bằng nhiều danh hiệu; năm 1959 Học viện Âm nhạc Hoàng gia ở London bầu ông làm thành viên danh dự, năm 1960 ông trở thành viện sĩ danh dự của St. Cecilia ở Rome; năm 1961 – thành viên tương ứng của Viện Hàn lâm Nghệ thuật Đức ở Berlin, đồng thời là thành viên của Viện Hàn lâm Khoa học và Nghệ thuật Hoa Kỳ ở Boston. Oistrakh đã được trao tặng Huân chương Lênin và Huy hiệu Danh dự; ông đã được trao tặng danh hiệu Nghệ sĩ Nhân dân Liên Xô. Năm 1961, ông được trao Giải thưởng Lênin, giải thưởng đầu tiên trong số các nhạc sĩ biểu diễn của Liên Xô.
Trong cuốn sách của Yampolsky về Oistrakh, những đặc điểm tính cách của anh ta được ghi lại một cách ngắn gọn và ngắn gọn: nghị lực bất khuất, chăm chỉ, đầu óc phê phán nhạy bén, có thể nhận thấy mọi thứ đặc trưng. Điều này thể hiện rõ qua những đánh giá của Oistrakh về cách chơi của những nhạc sĩ kiệt xuất. Anh luôn biết cách chỉ ra những điều cốt yếu nhất, phác họa chân dung chính xác, phân tích tinh tế về phong cách, nhận thấy những nét tiêu biểu trong diện mạo của một nhạc sĩ. Các phán đoán của anh ấy có thể được tin cậy, vì chúng phần lớn là vô tư.
Yampolsky cũng ghi nhận khiếu hài hước: “Anh ấy đánh giá cao và yêu thích lời lẽ sắc sảo, có mục đích tốt, có thể gây cười sảng khoái khi kể một câu chuyện hài hước hoặc nghe một câu chuyện hài hước. Giống như Heifetz, anh ấy có thể bắt chước cách chơi của những nghệ sĩ vĩ cầm mới vào nghề một cách vui nhộn.” Với nguồn năng lượng khổng lồ mà anh ấy tiêu tốn hàng ngày, anh ấy luôn sáng suốt, biết kiềm chế. Trong cuộc sống hàng ngày, anh ấy yêu thích thể thao – khi còn trẻ, anh ấy chơi quần vợt; một tay đua cừ khôi, say mê cờ vua. Vào những năm 30, đối tác cờ vua của ông là S. Prokofiev. Trước chiến tranh, Oistrakh đã từng là chủ tịch bộ phận thể thao của Nhà Nghệ sĩ Trung ương trong một số năm và là kỳ thủ hạng nhất.
Trên sân khấu, Oistrakh tự do; anh ấy không có sự phấn khích làm lu mờ hoạt động đa dạng của một số lượng lớn các nhạc sĩ biểu diễn. Chúng ta hãy nhớ lại Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin đã lo lắng đến mức nào, họ đã tiêu tốn bao nhiêu năng lượng hồi hộp cho mỗi màn trình diễn. Oistrakh yêu thích sân khấu và như anh ấy thừa nhận, chỉ những khoảng thời gian nghỉ đáng kể trong các buổi biểu diễn mới khiến anh ấy phấn khích.
Công việc của Oistrakh vượt ra ngoài phạm vi hoạt động thực hiện trực tiếp. Ông đã đóng góp rất nhiều cho nền văn học vĩ cầm với tư cách là một biên tập viên; ví dụ, phiên bản của anh ấy (cùng với K. Mostras) bản concerto cho violin của Tchaikovsky rất xuất sắc, làm phong phú thêm và sửa chữa phần lớn phiên bản của Auer. Chúng ta cũng hãy điểm qua tác phẩm của Oistrakh đối với cả hai bản sonata dành cho vĩ cầm của Prokofiev. Các nghệ sĩ vĩ cầm mắc nợ ông rằng Bản sonata thứ hai, ban đầu được viết cho sáo và vĩ cầm, đã được Prokofiev làm lại cho đàn vĩ cầm.
Oistrakh không ngừng thực hiện các tác phẩm mới, là người phiên dịch đầu tiên của họ. Danh sách các tác phẩm mới của các nhà soạn nhạc Liên Xô được Oistrakh “phát hành” là rất lớn. Chỉ kể tên một số: sonata của Prokofiev, concerto của Myaskovsky, Rakov, Khachaturian, Shostakovich. Oistrakh đôi khi viết các bài báo về những bản nhạc anh ấy đã chơi, và một số nhà âm nhạc học có thể ghen tị với phân tích của anh ấy.
Tuyệt vời, chẳng hạn, là những phân tích về Violin Concerto của Myaskovsky, và đặc biệt là của Shostakovich.
Oistrakh là một giáo viên xuất sắc. Trong số các học sinh của ông có V. Klimov, người đoạt giải trong các cuộc thi quốc tế; con trai ông, hiện là nghệ sĩ độc tấu hòa nhạc nổi tiếng I. Oistrakh, cũng như O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Nhiều nghệ sĩ vĩ cầm nước ngoài cố gắng vào lớp của Oistrakh. M. Bussino và D. Arthur người Pháp, E. Erduran người Thổ Nhĩ Kỳ, nghệ sĩ vĩ cầm người Úc M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar đến từ Nam Tư, B. Lechev người Bungari, I. Voicu người La Mã, S. Georgiou đã học theo ông. Oistrakh yêu thích ngành sư phạm và say mê làm việc trong lớp học. Phương pháp của anh ấy chủ yếu dựa trên kinh nghiệm biểu diễn của chính anh ấy. “Những nhận xét của anh ấy về phương pháp biểu diễn này hay phương pháp biểu diễn kia luôn ngắn gọn và vô cùng giá trị; trong từng lời khuyên, anh ấy thể hiện sự hiểu biết sâu sắc về bản chất của nhạc cụ và kỹ thuật biểu diễn violon.
Ông rất coi trọng việc giáo viên trình diễn trực tiếp tác phẩm mà học sinh đang học trên đàn. Nhưng theo ông, chỉ hiển thị là hữu ích chủ yếu trong giai đoạn học sinh phân tích tác phẩm, bởi vì hơn nữa nó có thể cản trở sự phát triển cá tính sáng tạo của học sinh.
Oistrakh khéo léo phát triển bộ máy kỹ thuật của các học trò của mình. Trong hầu hết các trường hợp, vật nuôi của anh ta được phân biệt bởi quyền tự do sở hữu nhạc cụ. Đồng thời, đặc biệt chú ý đến công nghệ không phải là đặc điểm của giáo viên Oistrakh. Anh ấy quan tâm nhiều hơn đến các vấn đề giáo dục âm nhạc và nghệ thuật cho học sinh của mình.
Trong những năm gần đây, Oistrakh đã quan tâm đến việc tiến hành. Buổi biểu diễn đầu tiên của ông với tư cách là nhạc trưởng diễn ra vào ngày 17 tháng 1962 năm XNUMX tại Moscow - ông đi cùng với con trai mình là Igor, người đã biểu diễn các bản hòa tấu của Bach, Beethoven và Brahms. “Phong cách chỉ huy của Oistrakh đơn giản và tự nhiên, giống như cách anh ấy chơi violin. Anh ấy điềm tĩnh, keo kiệt với những động tác không cần thiết. Anh ấy không đàn áp dàn nhạc bằng “sức mạnh” của nhạc trưởng, mà mang đến cho nhóm biểu diễn sự tự do sáng tạo tối đa, dựa trên trực giác nghệ thuật của các thành viên. Sự quyến rũ và uy quyền của một nghệ sĩ lớn có tác động không thể cưỡng lại đối với các nhạc sĩ.”
Năm 1966, Oistrakh tròn 58 tuổi. Tuy nhiên, anh ấy tràn đầy năng lượng sáng tạo tích cực. Kỹ năng của anh ấy vẫn được phân biệt bởi sự tự do, sự hoàn hảo tuyệt đối. Nó chỉ được làm phong phú thêm bằng kinh nghiệm nghệ thuật của một cuộc đời dài, hoàn toàn cống hiến cho nghệ thuật yêu quý của mình.
L. Raaben, 1967
