Alexander Brailovsky |

Alexander Brailowsky

Vào đầu thế kỷ 20, Sergei Rachmaninov đã đến thăm Nhạc viện Kiev. Tại một trong những lớp học, anh được giới thiệu với một cậu bé 11 tuổi. “Bạn có bàn tay của một nghệ sĩ dương cầm chuyên nghiệp. Nào, chơi gì đi,” Rachmaninov gợi ý, và khi cậu bé chơi xong, ông nói: “Bố chắc rằng con đã được định sẵn để trở thành một nghệ sĩ dương cầm vĩ đại.” Cậu bé này là Alexander Brailovsky, và cậu ấy đã biện minh cho dự đoán.

… Người cha, chủ một cửa hàng âm nhạc nhỏ ở Podil, người đã dạy cho cậu bé những bài học piano đầu tiên, sớm cảm thấy rằng con trai mình thực sự có tài năng phi thường, và vào năm 1911 đã đưa cậu đến Vienna, đến gặp Leshetitsky nổi tiếng. Chàng trai trẻ đã học với anh ta trong ba năm và khi chiến tranh thế giới nổ ra, gia đình chuyển đến Thụy Sĩ trung lập. Người thầy mới là Ferruccio Busoni, người đã hoàn thành công cuộc “đánh bóng” tài năng của anh.

Brailovsky ra mắt lần đầu tiên ở Paris và đã gây chấn động với kỹ thuật điêu luyện của mình đến nỗi các hợp đồng đổ xuống từ mọi phía theo đúng nghĩa đen. Tuy nhiên, một trong những lời mời không bình thường: nó đến từ một người đam mê âm nhạc và một nghệ sĩ vĩ cầm nghiệp dư, Nữ hoàng Elizabeth của Bỉ, người mà ông thường chơi nhạc cùng kể từ đó. Chỉ mất vài năm để nghệ sĩ nổi tiếng trên toàn thế giới. Sau các trung tâm văn hóa của Châu Âu, New York hoan nghênh anh ấy, và một thời gian sau, anh ấy trở thành nghệ sĩ piano Châu Âu đầu tiên “khám phá” Nam Mỹ – trước anh ấy không ai chơi ở đó nhiều như vậy. Khi chỉ riêng ở Buenos Aires, anh ấy đã tổ chức 17 buổi hòa nhạc trong hai tháng! Ở nhiều thành phố cấp tỉnh của Argentina và Brazil, các chuyến tàu đặc biệt đã được giới thiệu để đưa những người muốn nghe Brailovsky đến buổi hòa nhạc và quay lại.

Chiến thắng của Brailovsky trước hết gắn liền với tên tuổi của Chopin và Liszt. Tình yêu dành cho họ đã được Leshetitsky thấm nhuần trong anh và anh đã mang nó đến suốt cuộc đời. Năm 1923, nghệ sĩ đã nghỉ hưu gần một năm tại làng Annecy của Pháp. để chuẩn bị một chu kỳ gồm sáu chương trình dành riêng cho tác phẩm của Chopin. Nó bao gồm 169 tác phẩm mà ông đã biểu diễn ở Paris, và để làm được điều này, bản concerto đã được cung cấp một cây đàn piano Pleyel mà F. Liszt là người cuối cùng chạm vào. Sau đó, Brailovsky lặp lại các chu kỳ tương tự hơn một lần ở các thành phố khác. “Âm nhạc của Chopin ăn sâu vào máu của anh ấy,” The New York Times viết sau khi anh ấy ra mắt tại Mỹ. Vài năm sau, anh dành nhiều chu kỳ buổi hòa nhạc quan trọng ở Paris và London cho tác phẩm của Liszt. Và một lần nữa, một tờ báo ở Luân Đôn gọi ông là “Tờ báo của thời đại chúng ta”.

Brailovsky luôn đi kèm với thành công đặc biệt nhanh chóng. Ở các quốc gia khác nhau, anh ấy đã được gặp và tiễn đưa với sự hoan nghênh nhiệt liệt từ lâu, anh ấy đã được trao tặng huân chương và huy chương, được trao giải thưởng và danh hiệu danh dự. Nhưng giới chuyên môn, nhà phê bình hầu hết đều hoài nghi về lối chơi của anh. Điều này đã được ghi nhận bởi A. Chesins, người đã viết trong cuốn sách “Nói về những nghệ sĩ dương cầm”: “Alexander Brailovsky có một danh tiếng khác trong giới chuyên môn và công chúng. Quy mô và nội dung của các chuyến lưu diễn cũng như hợp đồng với các công ty thu âm, sự tận tâm của công chúng dành cho ông đã khiến Brailovsky trở thành một bí ẩn trong nghề. Tất nhiên, không phải là một người bí ẩn, vì anh ấy luôn khơi dậy sự ngưỡng mộ nồng nhiệt nhất của đồng nghiệp với tư cách là một con người … Trước mắt chúng tôi là một người đàn ông yêu công việc của mình và khiến công chúng yêu mến anh ấy năm này qua năm khác. Có lẽ đây không phải là nghệ sĩ piano của nghệ sĩ piano và không phải nhạc sĩ của nhạc sĩ, nhưng anh là nghệ sĩ piano cho khán giả. Và nó đáng để suy nghĩ.”

Năm 1961, khi nghệ sĩ tóc hoa râm lần đầu tiên đi thăm Liên Xô, những người Muscovites và Leningraders đã có thể xác minh tính hợp lệ của những từ này và cố gắng giải "câu đố Brailovsky". Người nghệ sĩ xuất hiện trước chúng tôi với hình thức chuyên nghiệp xuất sắc và trong tiết mục đỉnh cao của anh ấy: anh ấy chơi Chaconne – Busoni của Bach, các bản sonata của Scarlatti, Những bài hát không lời của Mendelssohn. Bản sonata thứ ba của Prokofiev. Sonata của Liszt ở cung B thứ và dĩ nhiên là nhiều tác phẩm của Chopin, và với dàn nhạc – các buổi hòa nhạc của Mozart (A trưởng), Chopin (E thứ) và Rachmaninov (C thứ). Và một điều đáng kinh ngạc đã xảy ra: có lẽ lần đầu tiên ở Liên Xô, công chúng và các nhà phê bình đã đồng ý với đánh giá của Brailovsky, trong khi công chúng thể hiện gu thẩm mỹ cao và sự uyên bác, còn những lời phê bình lại thể hiện tính khách quan nhân từ. Những người nghe đã đưa ra những mô hình nghiêm túc hơn nhiều, những người đã học cách khám phá trong các tác phẩm nghệ thuật và cách giải thích của họ, trước hết là một suy nghĩ, một ý tưởng, không thể chấp nhận vô điều kiện sự thẳng thắn trong các khái niệm của Brailovsky, mong muốn của ông đối với các hiệu ứng bên ngoài, trông có vẻ cũ kỹ. -thời trang cho chúng tôi. Tất cả những “điểm cộng” và “điểm trừ” của phong cách này đã được G. Kogan xác định chính xác trong bài đánh giá của ông: “Một mặt, kỹ thuật xuất sắc (trừ quãng tám), cách viết trau chuốt thanh lịch, khí chất vui vẻ, nhịp nhàng“ nhiệt tình ”, quyến rũ dễ dàng, sống động, hiệu suất năng lượng, khả năng “trình bày” ngay cả những thứ mà trên thực tế “không xuất hiện” theo cách khơi dậy sự thích thú của công chúng; mặt khác, cách giải thích thẩm mỹ viện khá hời hợt, tự do đáng ngờ, gu nghệ thuật rất dễ bị tổn thương.

Những điều đã nói ở trên không có nghĩa là Brailovsky hoàn toàn không thành công ở nước ta. Khán giả đánh giá cao kỹ năng chuyên nghiệp tuyệt vời của nghệ sĩ, “sức mạnh” trong trò chơi của anh ấy, đôi khi là sự sáng chói và quyến rũ vốn có của anh ấy, cũng như sự chân thành không thể nghi ngờ của anh ấy. Tất cả những điều này đã khiến cuộc gặp gỡ với Brailovsky trở thành một sự kiện đáng nhớ trong cuộc đời âm nhạc của chúng tôi. Và đối với bản thân người nghệ sĩ, đó thực chất là một “bài ca thiên nga”. Chẳng mấy chốc, anh gần như ngừng biểu diễn trước công chúng và thu âm các bản thu âm. Những bản thu âm cuối cùng của anh ấy - Bản concerto đầu tiên của Chopin và "Vũ điệu tử thần" của Liszt - được thực hiện vào đầu những năm 60, khẳng định rằng nghệ sĩ dương cầm đã không đánh mất những phẩm chất vốn có của mình cho đến khi kết thúc sự nghiệp chuyên nghiệp của mình.

Grigoriev L., Platek Ya.