Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

Và tôi đã có một quê hương; Anh ấy thật tuyệt! A. Pleshcheev (từ G. Heine)

Rachmaninov được tạo ra từ thép và vàng; Thép trong tay, vàng trong tim. Tôi.Hoffman

“Tôi là một nhà soạn nhạc người Nga, và quê hương của tôi đã để lại dấu ấn trong tính cách và quan điểm của tôi.” Những lời này thuộc về S. Rachmaninov, nhà soạn nhạc vĩ đại, nghệ sĩ dương cầm và nhạc trưởng lỗi lạc. Tất cả những sự kiện quan trọng nhất của đời sống xã hội và nghệ thuật Nga đều được ông phản ánh trong cuộc đời sáng tác, để lại dấu ấn không thể phai mờ. Sự hình thành và phát triển rực rỡ của tác phẩm Rachmaninov rơi vào những năm 1890-1900, thời điểm mà những quá trình phức tạp nhất diễn ra trong văn hóa Nga, nhịp đập tinh thần sôi sục và hồi hộp. Cảm xúc trữ tình sâu sắc của thời đại vốn có trong Rachmaninov luôn gắn liền với hình ảnh Tổ quốc thân yêu của ông, với sự vô tận của những dải đất rộng lớn, sức mạnh và sức mạnh bạo tàn của các lực lượng nguyên tố, sự mong manh nhẹ nhàng của thiên nhiên mùa xuân đang nở hoa.

Tài năng của Rachmaninov bộc lộ từ rất sớm và rực rỡ, mặc dù cho đến năm 4 tuổi, ông không mấy mặn mà với những bài học âm nhạc có hệ thống. Anh bắt đầu học chơi piano từ năm 1882 tuổi, năm 1885 anh được nhận vào Nhạc viện St. Tại đây Rachmaninoff đã học piano với N. Zverev, sau đó là A. Siloti; trong các môn lý thuyết và sáng tác - với S. Taneyev và A. Arensky. Sống cùng nhà với Zverev (1885-89), anh phải trải qua một trường học kỷ luật lao động khắc nghiệt, nhưng rất hợp lý, đã biến anh từ một kẻ lười biếng và nghịch ngợm trở thành một người đặc biệt có ý chí và có chí tiến thủ. “Điều tốt nhất là ở tôi, tôi nợ anh ấy,” - vì vậy, sau này Rachmaninov đã nói về Zverev. Tại nhạc viện, Rachmaninoff bị ảnh hưởng mạnh mẽ bởi tính cách của P. Tchaikovsky, người đã theo dõi sự phát triển của Seryozha yêu thích của mình và sau khi tốt nghiệp nhạc viện, đã giúp dàn dựng vở opera Aleko tại Nhà hát Bolshoi, biết được từ ông kinh nghiệm đáng buồn của riêng bạn làm thế nào khó khăn cho một nhạc sĩ mới vào nghề để đặt theo cách của riêng bạn.

Rachmaninov tốt nghiệp Nhạc viện về piano (1891) và sáng tác (1892) với Huy chương Vàng lớn. Vào thời điểm này, anh đã là tác giả của một số sáng tác, trong đó có khúc dạo đầu nổi tiếng trong C sắc nét, tác phẩm lãng mạn “Trong im lặng của đêm bí mật”, Bản hòa tấu piano đầu tiên, vở opera “Aleko”, được viết như một tác phẩm tốt nghiệp. chỉ trong 17 ngày! Các mảnh tưởng tượng sau đó, op. 3 (1892), Bộ ba Elegiac “Trong ký ức của một nghệ sĩ vĩ đại” (1893), Suite cho hai cây đàn piano (1893), Moments of Music op. 16 (1896), những tác phẩm lãng mạn, giao hưởng - “The Cliff” (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) - đã khẳng định ý kiến ​​của Rachmaninov là một tài năng nguyên bản, sâu sắc, mạnh mẽ. Những hình ảnh và tâm trạng đặc trưng của Rachmaninoff xuất hiện trong các tác phẩm này ở một phạm vi rộng - từ nỗi đau buồn bi thảm của “Khoảnh khắc âm nhạc” ở B nhỏ đến nỗi buồn chết chóc của câu chuyện tình lãng mạn “Spring Waters”, từ áp lực tự phát khắc nghiệt của “Khoảnh khắc âm nhạc” trong E nhỏ với màu nước đẹp nhất của câu chuyện tình lãng mạn “Island”.

Cuộc sống trong những năm này thật khó khăn. Quyết đoán và mạnh mẽ trong hiệu suất và sáng tạo, Rachmaninoff về bản chất là một người dễ bị tổn thương, thường xuyên trải qua sự thiếu tự tin. Xen lẫn những khó khăn vật chất, loạn lạc thế gian, lang thang trong những ngõ ngách xa lạ. Và mặc dù được những người thân cận ủng hộ, chủ yếu là gia đình Satin, anh vẫn cảm thấy cô đơn. Cú sốc mạnh gây ra bởi sự thất bại của Bản giao hưởng đầu tiên của ông, được trình diễn tại St.Petersburg vào tháng 1897 năm 1897, đã dẫn đến một cuộc khủng hoảng sáng tạo. Trong vài năm Rachmaninoff không sáng tác gì, nhưng hoạt động biểu diễn của ông với tư cách là một nghệ sĩ dương cầm ngày càng gia tăng, và ông xuất hiện lần đầu với tư cách là nhạc trưởng tại Nhà hát Opera Tư nhân Moscow (1899). Trong những năm này, anh gặp L. Tolstoy, A. Chekhov, các nghệ sĩ của Nhà hát Nghệ thuật, bắt đầu tình bạn với Fyodor Chaliapin, người mà Rachmaninov coi là một trong những “trải nghiệm nghệ thuật mạnh mẽ, sâu sắc và tinh tế nhất”. Năm 1900, Rachmaninoff biểu diễn ở nước ngoài lần đầu tiên (ở Luân Đôn), và năm 100, ông đến thăm Ý, nơi xuất hiện các bản phác thảo của vở opera Francesca da Rimini trong tương lai. Một sự kiện đáng vui mừng là việc dàn dựng vở opera Aleko ở St.Petersburg nhân dịp kỷ niệm 1900 năm của A. Pushkin với Chaliapin trong vai Aleko. Do đó, một bước ngoặt nội bộ đang dần được chuẩn bị và vào đầu những năm XNUMX. đã có sự trở lại của sự sáng tạo. Thế kỷ mới bắt đầu với bản Concerto cho piano thứ hai, âm thanh như một hồi chuông báo động. Những người đương thời đã nghe thấy trong anh giọng nói của Thời gian với sự căng thẳng, bùng nổ và cảm giác về những thay đổi sắp xảy ra. Giờ đây, thể loại của buổi hòa nhạc đang trở thành thể loại hàng đầu, đó là trong đó những ý tưởng chính được thể hiện với sự hoàn chỉnh và bao trùm nhất. Một giai đoạn mới bắt đầu trong cuộc đời của Rachmaninov.

Sự công nhận chung ở Nga và nước ngoài nhận được sự hoạt động của nghệ sĩ piano và nhạc trưởng của anh ấy. 2 năm (1904-06) Rachmaninov làm nhạc trưởng tại Nhà hát Bolshoi, để lại trong lịch sử ký ức về những tác phẩm tuyệt vời của các vở opera Nga. Năm 1907, ông tham gia Hòa nhạc lịch sử Nga do S. Diaghilev tổ chức tại Paris, năm 1909 ông biểu diễn lần đầu tiên tại Mỹ, nơi ông chơi bản hòa tấu Piano thứ ba do G. Mahler chỉ huy. Hoạt động hòa nhạc chuyên sâu ở các thành phố của Nga và nước ngoài được kết hợp với sự sáng tạo không kém phần mãnh liệt, và trong âm nhạc của thập kỷ này (trong cantata “Spring” - 1902, trong khúc dạo đầu ngày 23, trong phần cuối của Bản giao hưởng thứ hai và bản Concerto thứ ba) có rất nhiều nhiệt huyết sôi nổi và nhiệt tình. Và trong những sáng tác như lãng mạn “Lilac”, “Ở đây thật tốt”, trong khúc dạo đầu của D major và G, “âm nhạc của những sức mạnh ca hát của thiên nhiên” vang lên với sức thẩm thấu đáng kinh ngạc.

Nhưng cùng năm tháng, người ta cũng cảm nhận được những tâm trạng khác. Những suy nghĩ buồn về đất mẹ và số phận tương lai của nó, những suy ngẫm triết học về sự sống và cái chết làm nảy sinh những hình ảnh bi thảm của Bản tình ca piano đầu tiên, lấy cảm hứng từ Faust của Goethe, bài thơ giao hưởng “Hòn đảo của người chết” dựa trên bức tranh của nghệ sĩ Thụy Sĩ A. Böcklin (1909), nhiều trang của Bản hòa tấu thứ ba, những cuộc tình lãng mạn op. 26. Những thay đổi bên trong trở nên đặc biệt đáng chú ý sau năm 1910. Nếu trong Bản hòa tấu thứ ba, bi kịch cuối cùng đã được khắc phục và bản hòa tấu kết thúc bằng một sự chết chóc tưng bừng, thì trong các tác phẩm tiếp theo, nó liên tục sâu sắc hơn, mang đến những hình ảnh hung hãn, thù địch, u ám, tâm trạng chán nản. Ngôn ngữ âm nhạc trở nên phức tạp hơn, hơi thở du dương rộng rãi nên đặc trưng của Rachmaninov biến mất. Chẳng hạn như bài thơ thanh nhạc-giao hưởng "The Bells" (trên st. E. Poe, bản dịch của K. Balmont - 1913); những mối tình lãng mạn op. 34 (1912) và op. 38 (năm 1916); Etudes-tranh op. 39 (năm 1917). Tuy nhiên, vào thời điểm này, Rachmaninoff đã tạo ra những tác phẩm mang đầy ý nghĩa đạo đức cao đẹp, trở thành hiện thân của vẻ đẹp tinh thần lâu bền, là đỉnh cao trong giai điệu của Rachmaninov - “Vocalise” và “All-Night Vigil” cho dàn hợp xướng a cappella (1915). “Từ khi còn nhỏ, tôi đã bị mê hoặc bởi những giai điệu tuyệt vời của Oktoikh. Tôi luôn cảm thấy rằng một phong cách đặc biệt, đặc biệt là cần thiết cho việc xử lý hợp xướng của họ, và dường như đối với tôi, tôi đã tìm thấy nó trong Kinh Chiều. Tôi không thể không thú nhận. rằng buổi biểu diễn đầu tiên của Dàn hợp xướng Synodal Moscow đã mang lại cho tôi một giờ hạnh phúc nhất, ”Rachmaninov nhớ lại.

Vào ngày 24 tháng 1917 năm 1922, Rachmaninov và gia đình của ông đã rời nước Nga, hóa ra là mãi mãi. Trong hơn một phần tư thế kỷ, ông sống ở nước ngoài, ở Hoa Kỳ, và giai đoạn này hầu như chỉ diễn ra đầy rẫy những hoạt động hòa nhạc mệt mỏi, tuân theo những luật lệ tàn nhẫn của ngành kinh doanh âm nhạc. Rachmaninov đã sử dụng một phần đáng kể học phí của mình để hỗ trợ vật chất cho đồng bào của mình ở nước ngoài và ở Nga. Vì vậy, toàn bộ bộ sưu tập cho buổi biểu diễn vào tháng 1941 năm XNUMX đã được chuyển cho lợi ích của nạn đói ở Nga, và vào mùa thu năm XNUMX Rakhmaninov đã gửi hơn bốn nghìn đô la cho quỹ viện trợ của Hồng quân.

Ở nước ngoài, Rachmaninoff sống cô lập, giới hạn bạn bè của mình với những người nhập cư từ Nga. Một ngoại lệ chỉ dành cho gia đình F. Steinway, người đứng đầu hãng piano, người mà Rachmaninov có quan hệ thân thiện với nhau.

Những năm đầu tiên ở nước ngoài, Rachmaninov không khỏi suy nghĩ về việc mất cảm hứng sáng tạo. “Sau khi rời Nga, tôi đã mất đi ham muốn sáng tác. Mất quê hương, mất mình ”. Chỉ 8 năm sau khi rời nước ngoài, Rachmaninov trở lại với sự sáng tạo, tạo ra Bản hòa tấu piano thứ tư (1926), Ba bài hát Nga cho dàn hợp xướng và dàn nhạc (1926), Các bản biến tấu trên một chủ đề của Corelli cho piano (1931), Rhapsody trên một chủ đề của Paganini (1934), Bản giao hưởng thứ ba (1936), “Những điệu nhảy giao hưởng” (1940). Những công trình này là sự vươn lên cuối cùng, cao nhất của Rachmaninoff. Cảm giác thương tiếc về mất mát không gì bù đắp được, niềm khao khát cháy bỏng đối với nước Nga đã làm nảy sinh ra một nghệ thuật có sức mạnh bi tráng to lớn, đạt đến đỉnh điểm trong Vũ điệu giao hưởng. Và trong Bản giao hưởng thứ ba rực rỡ, Rachmaninoff lần cuối thể hiện chủ đề trung tâm trong tác phẩm của mình - hình ảnh Tổ quốc. Tư tưởng mãnh liệt tập trung nghiêm khắc của người nghệ sĩ gợi lên trong anh từ sâu thẳm hàng thế kỷ, anh trỗi dậy như một kỉ niệm thân thương vô hạn. Trong sự đan xen phức tạp của các chủ đề, tình tiết đa dạng, góc nhìn bao quát nổi lên, bản hùng ca bi tráng về số phận của Tổ quốc được tái hiện, kết thúc bằng lời khẳng định chiến thắng. Vì vậy, thông qua tất cả các tác phẩm của Rachmaninoff, ông mang những nguyên tắc đạo đức bất khả xâm phạm, tinh thần cao đẹp, lòng trung thành và tình yêu không thể phai mờ đối với Tổ quốc, nhân cách hóa đó là nghệ thuật của ông.

O. Averyanova

• Bảo tàng-bất động sản của Rachmaninov ở Ivanovka →
• Tác phẩm piano của Rachmaninoff →
• Tác phẩm giao hưởng của Rachmaninoff →
• Nghệ thuật nhạc cụ thính phòng của Rachmaninov →
• Tác phẩm Opera của Rachmaninoff →
• Tác phẩm hợp xướng của Rachmaninoff →
• Romances của Rachmaninoff →
• Rachmaninov-chỉ huy & rarr;

Đặc điểm của sự sáng tạo

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, cùng với Scriabin, là một trong những nhân vật trung tâm của nền âm nhạc Nga những năm 1900. Tác phẩm của hai nhà soạn nhạc này đã thu hút sự chú ý đặc biệt của những người đương thời, họ tranh luận sôi nổi về nó, những cuộc thảo luận gay gắt bắt đầu xung quanh các tác phẩm của cá nhân họ. Bất chấp tất cả sự khác biệt về hình thức cá nhân và cấu trúc hình tượng trong âm nhạc của Rachmaninov và Scriabin, tên của họ thường xuất hiện cạnh nhau trong những cuộc tranh cãi này và được so sánh với nhau. Có những lý do bên ngoài hoàn toàn cho sự so sánh như vậy: cả hai đều là học sinh của Nhạc viện Moscow, những người tốt nghiệp từ nó gần như đồng thời và học cùng một giáo viên, cả hai ngay lập tức nổi bật giữa các đồng nghiệp của họ bằng sức mạnh và tài năng của họ, nhận được sự công nhận không. chỉ với tư cách là những nhà soạn nhạc tài năng mà còn là những nghệ sĩ dương cầm xuất chúng.

Nhưng cũng có rất nhiều thứ đã ngăn cách họ và đôi khi đặt họ ở hai sườn khác nhau của cuộc sống âm nhạc. Nhà sáng tạo táo bạo Scriabin, người đã mở ra thế giới âm nhạc mới, đối lập với Rachmaninov là một nghệ sĩ có tư duy truyền thống hơn, người dựa trên tác phẩm của mình dựa trên nền tảng vững chắc của di sản cổ điển quốc gia. “G. Rachmaninoff, một trong những nhà phê bình đã viết, là trụ cột xung quanh đó tất cả những nhà vô địch của định hướng thực sự được nhóm lại, tất cả những người yêu mến nền tảng do Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov và Tchaikovsky đặt ra.

Tuy nhiên, đối với tất cả sự khác biệt về vị trí của Rachmaninov và Scriabin trong thực tế âm nhạc đương đại của họ, họ đã gắn kết với nhau không chỉ bởi những điều kiện chung cho sự nuôi dưỡng và trưởng thành của một cá tính sáng tạo ở tuổi trẻ của họ, mà còn bởi một số đặc điểm chung sâu sắc hơn . “Một tài năng nổi loạn, không ngừng nghỉ” - đây là cách Rakhmaninov từng được báo chí mô tả. Chính sự bốc đồng không ngừng nghỉ này, sự hào hứng của giọng điệu tình cảm, đặc trưng trong tác phẩm của cả hai nhà soạn nhạc, đã khiến nó trở nên đặc biệt thân thương và gần gũi với nhiều tầng lớp xã hội Nga vào đầu thế kỷ XNUMX, với những mong đợi, khát vọng và hy vọng của họ. .

“Scriabin và Rachmaninoff là hai 'nhà thống trị tư tưởng âm nhạc' của thế giới âm nhạc Nga hiện đại <...> Giờ đây, họ chia sẻ quyền bá chủ với nhau trong thế giới âm nhạc," LL Sabaneev, một trong những người xin lỗi nhiệt thành nhất cho lần đầu tiên và một đối thủ không kém phần cứng đầu và gièm pha của kẻ thứ hai. Một nhà phê bình khác, ôn hòa hơn trong nhận định của mình, đã viết trong một bài báo mô tả so sánh về ba đại diện tiêu biểu nhất của trường phái âm nhạc Moscow, Taneyev, Rachmaninov và Scriabin: giai điệu của cuộc sống hiện đại, dữ dội một cách cuồng nhiệt. Cả hai đều là niềm hy vọng tốt nhất của nước Nga hiện đại ”.

Trong một thời gian dài, quan điểm coi Rachmaninoff là một trong những người thừa kế và kế vị gần nhất của Tchaikovsky đã thống trị. Ảnh hưởng của tác giả The Queen of Spades chắc chắn đóng một vai trò quan trọng trong sự hình thành và phát triển tác phẩm của ông, điều này hoàn toàn tự nhiên đối với một sinh viên tốt nghiệp Nhạc viện Moscow, một sinh viên của AS Arensky và SI Taneyev. Đồng thời, ông cũng nhận thức được một số đặc điểm của trường phái sáng tác “Petersburg”: chất trữ tình hào hứng của Tchaikovsky được kết hợp trong Rachmaninov với sự hùng tráng khắc nghiệt của Borodin, sự thâm nhập sâu sắc của Mussorgsky vào hệ thống tư duy âm nhạc cổ đại của Nga và cảm nhận thơ về bản chất quê hương của Rimsky-Korsakov. Tuy nhiên, tất cả những gì học được từ người thầy và người đi trước đều được người sáng tác suy nghĩ lại sâu sắc, phục tùng ý chí sáng tạo mạnh mẽ của mình và tiếp thu một cá tính mới, hoàn toàn độc lập. Phong cách nguyên bản sâu sắc của Rachmaninov có tính toàn vẹn và hữu cơ nội tại tuyệt vời.

Nếu chúng ta tìm kiếm những điểm tương đồng với ông trong văn hóa nghệ thuật Nga những năm đầu thế kỷ, thì đây trước hết là dòng Chekhov-Bunin trong văn học, phong cảnh trữ tình của Levitan, Nesterov, Ostroukhov trong hội họa. Những điểm tương đồng này đã được nhiều tác giả lưu ý nhiều lần và gần như trở nên rập khuôn. Người ta biết đến tình yêu nồng nhiệt và sự tôn trọng mà Rakhmaninov đã đối xử với công việc và nhân cách của Chekhov. Đã ở những năm tháng cuối đời, đọc những dòng thư của người viết, ông tiếc vì đã không được gặp ông gần gũi hơn trong thời đại của mình. Nhà soạn nhạc đã gắn bó với Bunin trong nhiều năm bởi sự đồng cảm lẫn nhau và những quan điểm nghệ thuật chung. Họ được gắn kết với nhau và có quan hệ với nhau bởi tình yêu nồng nàn đối với thiên nhiên Nga quê hương của họ, vì những dấu hiệu của một cuộc sống giản dị vốn đã rời xa ngay lập tức của một người với thế giới xung quanh, thái độ thơ mộng của thế giới, được tô màu bởi sự sâu sắc chất trữ tình thấm thía, khát vọng giải phóng tinh thần và giải thoát khỏi những gông cùm kìm hãm sự tự do của con người.

Nguồn cảm hứng cho Rachmaninov là rất nhiều xung động đến từ cuộc sống thực, vẻ đẹp của thiên nhiên, hình ảnh của văn học và hội họa. “… Tôi thấy,” anh nói, “những ý tưởng âm nhạc được sinh ra trong tôi một cách dễ dàng hơn dưới ảnh hưởng của một số ấn tượng ngoài âm nhạc nhất định.” Nhưng đồng thời, Rachmaninov không tập trung quá nhiều vào việc phản ánh trực tiếp một số hiện tượng của thực tế bằng âm nhạc, để “vẽ tranh bằng âm thanh”, mà để thể hiện phản ứng cảm xúc, cảm giác và kinh nghiệm nảy sinh dưới tác động của nhiều số lần hiển thị nhận được từ bên ngoài. Theo nghĩa này, chúng ta có thể nói về ông như một trong những đại diện tiêu biểu và nổi bật nhất của chủ nghĩa hiện thực thơ ca những năm 900, xu hướng chính được VG Korolenko xây dựng thành công: “Chúng tôi không chỉ phản ánh các hiện tượng như chúng đang và đang làm không tạo ra một ảo tưởng ra khỏi thế giới không tồn tại ý thích. Chúng ta tạo ra hoặc biểu hiện một mối quan hệ mới của tinh thần con người với thế giới xung quanh được sinh ra trong chúng ta.

Một trong những điểm đặc trưng nhất trong âm nhạc của Rachmaninov, thu hút sự chú ý trước hết khi làm quen với nó, đó là giai điệu biểu cảm nhất. Trong số những người cùng thời, ông nổi bật với khả năng tạo ra những giai điệu trải rộng và dài mang hơi thở tuyệt vời, kết hợp vẻ đẹp và sự uyển chuyển của nét vẽ với cách diễn đạt tươi sáng và mãnh liệt. Tính du dương, du dương là phẩm chất chính trong phong cách của Rachmaninov, điều này quyết định phần lớn đến bản chất của tư duy hài hòa của nhà soạn nhạc và kết cấu các tác phẩm của ông, như một quy luật, bão hòa với các giọng độc lập, hoặc di chuyển lên phía trước, hoặc biến mất thành một lớp dày đặc. vải âm thanh.

Rachmaninoff đã tạo ra một loại giai điệu rất đặc biệt của riêng mình, dựa trên sự kết hợp của các kỹ thuật đặc trưng của Tchaikovsky - phát triển giai điệu động chuyên sâu với phương pháp biến tấu, được thực hiện một cách mượt mà và điềm tĩnh hơn. Sau khi cất cánh nhanh chóng hoặc một đoạn dài cường độ cao lên đến đỉnh, giai điệu, như cũ, đóng băng ở mức đã đạt được, luôn trở lại thành một âm thanh đã hát dài hoặc từ từ, với các gờ cao vút, trở lại độ cao ban đầu. Mối quan hệ ngược lại cũng có thể xảy ra, khi thời gian lưu lại ít nhiều trong một vùng cao giới hạn đột ngột bị phá vỡ bởi quá trình của giai điệu trong một quãng rộng, giới thiệu một bóng râm của biểu hiện trữ tình sắc nét.

Trong sự đan xen giữa động và tĩnh như vậy, LA Mazel nhận thấy một trong những nét đặc trưng nhất trong giai điệu của Rachmaninov. Một nhà nghiên cứu khác gắn ý nghĩa tổng quát hơn về tỷ lệ của các nguyên tắc này trong công trình của Rachmaninov, chỉ ra sự luân phiên của các khoảnh khắc “phanh” và “đột phá” nằm trong nhiều công trình của ông. (VP Bobrovsky cũng bày tỏ ý kiến ​​tương tự, lưu ý rằng “điều kỳ diệu trong tính cá nhân của Rachmaninoff nằm ở sự thống nhất hữu cơ độc đáo của hai khuynh hướng đối lập nhau và sự tổng hợp của chúng vốn chỉ có ở anh ấy” - một khát vọng tích cực và khuynh hướng “ở lại lâu dài với những gì đã có đã đạt được. ”). Một thiên hướng trữ tình chiêm nghiệm, đắm chìm kéo dài trong một trạng thái tâm trí nào đó, như thể nhà soạn nhạc muốn dừng lại thời gian thoáng qua, ông kết hợp với một nguồn năng lượng to lớn, ào ạt hướng ra bên ngoài, một khát vọng tích cực khẳng định bản thân. Do đó sức mạnh và độ sắc nét của sự tương phản trong âm nhạc của anh ấy. Anh tìm cách đem mọi cảm giác, mọi trạng thái của tâm trí đến mức độ biểu đạt cực độ.

Trong những giai điệu trữ tình tự do mở ra của Rachmaninov, với hơi thở dài không ngắt quãng của họ, người ta thường nghe thấy điều gì đó giống với bề rộng “không thể tránh khỏi” của bài hát dân ca Nga. Tuy nhiên, đồng thời, mối liên hệ giữa sự sáng tạo và sáng tác dân ca của Rachmaninov mang bản chất rất gián tiếp. Chỉ trong những trường hợp hiếm hoi, cá biệt, nhà soạn nhạc mới sử dụng các làn điệu dân gian chính hiệu; ông đã không cố gắng đạt được sự tương đồng trực tiếp giữa các giai điệu của chính mình với các giai điệu dân gian. “Ở Rachmaninov,” tác giả của một tác phẩm đặc biệt về giai điệu của mình đã nhận xét đúng, “hiếm khi trực tiếp xuất hiện mối liên hệ với một số thể loại nghệ thuật dân gian nhất định. Cụ thể, thể loại này thường dường như hòa tan trong “cảm giác” chung của dân gian và không phải như với các bậc tiền bối của ông, là sự khởi đầu kết dính của toàn bộ quá trình định hình và trở thành một hình tượng âm nhạc. Nhiều lần, người ta chú ý đến những tính năng đặc trưng trong giai điệu của Rachmaninov, khiến nó gần với bài hát dân ca Nga hơn, chẳng hạn như sự uyển chuyển của chuyển động với ưu thế của các bước di chuyển theo từng bước, chủ nghĩa dị bản, nhiều khúc ngoặt Phrygian, v.v. Được đồng hóa sâu sắc và hữu cơ. bởi nhà soạn nhạc, những đặc điểm này trở thành tài sản không thể chuyển nhượng của phong cách tác giả cá nhân của anh ta, có được một màu sắc biểu cảm đặc biệt chỉ dành riêng cho anh ta.

Mặt khác của phong cách này, ấn tượng không thể cưỡng lại được như sự giàu tính du dương trong âm nhạc của Rachmaninov, là một nhịp điệu đầy năng lượng khác thường, sự chinh phục một cách táo bạo và đồng thời linh hoạt, đôi khi bất chợt. Cả những nhà soạn nhạc cùng thời và các nhà nghiên cứu sau này đã viết rất nhiều về nhịp điệu Rachmaninoff cụ thể này, điều này vô tình thu hút sự chú ý của người nghe. Thường thì nhịp điệu quyết định giai điệu chính của bản nhạc. AV Ossovsky đã lưu ý vào năm 1904 về chuyển động cuối cùng của Bộ thứ hai cho hai cây đàn piano rằng Rachmaninov trong đó “không ngại làm sâu sắc thêm sự quan tâm nhịp nhàng của hình dạng Tarantella cho một tâm hồn bồn chồn và u tối, không xa lạ với các cuộc tấn công của một số loại ma thuật tại lần. ”

Nhịp điệu xuất hiện trong Rachmaninov như một vật mang một nguyên tắc chuyển động hiệu quả làm linh hoạt kết cấu âm nhạc và đưa “dòng cảm xúc” trữ tình vào dòng chính của một tổng thể hài hòa về mặt kiến ​​trúc. B.V Asafiev, khi so sánh vai trò của nguyên tắc nhịp điệu trong các tác phẩm của Rachmaninov và Tchaikovsky, đã viết: “Tuy nhiên, ở phần sau, bản chất cơ bản của bản giao hưởng“ không ngừng nghỉ ”của ông thể hiện với sức mạnh đặc biệt trong sự va chạm kịch tính của chính các chủ đề. Trong âm nhạc của Rachmaninov, sự say mê trong tính toàn vẹn sáng tạo của nó, sự kết hợp của kho cảm xúc trữ tình-chiêm nghiệm với kho tổ chức mạnh mẽ của “tôi” của nhà soạn nhạc-trình diễn hóa ra là “phạm vi riêng lẻ” của chiêm nghiệm cá nhân, được điều khiển bởi nhịp điệu theo nghĩa của yếu tố chuyển động… “. Mô hình nhịp điệu trong Rachmaninov luôn được phác thảo rất rõ ràng, bất kể nhịp điệu đó là đơn giản, đều, như nhịp nặng nề, đo được của một chiếc chuông lớn, hay phức tạp, hoa mỹ. Được yêu thích bởi nhà soạn nhạc, đặc biệt là trong các tác phẩm của những năm 1910, nhịp điệu ostinato mang lại cho nhịp điệu không chỉ mang tính hình thức, mà trong một số trường hợp còn có ý nghĩa chủ đề.

Trong lĩnh vực hòa âm, Rachmaninoff không vượt ra ngoài hệ thống âm nhạc chính - phụ cổ điển mà nó có được trong tác phẩm của nhà soạn nhạc lãng mạn châu Âu, Tchaikovsky và đại diện của Mighty Handful. Âm nhạc của anh ấy luôn được xác định về âm sắc và ổn định, nhưng bằng cách sử dụng các phương tiện hòa hợp âm sắc cổ điển-lãng mạn, anh ấy đã được đặc trưng bởi một số đặc điểm đặc trưng mà không khó để xác lập quyền tác giả của một sáng tác này hoặc một sáng tác khác. Trong số các đặc điểm riêng biệt đặc biệt như vậy của ngôn ngữ hài hòa của Rachmaninov, chẳng hạn, sự chậm chạp nổi tiếng của chuyển động chức năng, xu hướng duy trì một phím trong thời gian dài và đôi khi là sự suy yếu của trọng lực. Sự chú ý được thu hút bởi sự phong phú của các cấu tạo nhiều tert phức tạp, các hàng hợp âm không và không thập phân, thường có nhiều màu sắc, âm sắc hơn là ý nghĩa chức năng. Sự kết nối của loại hòa âm phức tạp này được thực hiện hầu hết với sự trợ giúp của kết nối du dương. Sự thống trị của yếu tố giai điệu bài hát trong âm nhạc của Rachmaninov quyết định mức độ bão hòa đa âm cao của cấu trúc âm thanh của nó: các phức hợp hài hòa riêng lẻ liên tục phát sinh do sự chuyển động tự do của các giọng “hát” độc lập ít nhiều.

Có một bản hòa âm yêu thích của Rachmaninoff, được ông sử dụng rất thường xuyên, đặc biệt là trong các sáng tác của thời kỳ đầu, đến nỗi ông còn nhận được cái tên “Hòa âm của Rachmaninov”. Vòng quay này dựa trên một hợp âm thứ bảy mở đầu được giảm bớt của một giai điệu thứ, thường được sử dụng ở dạng terzkvartakkord với sự thay thế của bậc II độ III và phân giải thành bộ ba bổ ở vị trí thứ ba du dương.

Việc chuyển sang một tứ giảm phát sinh trong trường hợp này trong giọng điệu du dương gợi lên một cảm giác thê lương sâu sắc.

Là một trong những đặc điểm đáng chú ý trong âm nhạc của Rachmaninov, một số nhà nghiên cứu và quan sát đã lưu ý đến màu sắc chủ yếu của nó. Tất cả bốn bản hòa tấu piano của ông, ba bản giao hưởng, cả hai bản sonata piano, hầu hết các bức tranh etudes và nhiều tác phẩm khác đều được viết ở dạng nhỏ. Ngay cả chính thường có màu sắc nhỏ do giảm sự thay đổi, độ lệch âm và việc sử dụng rộng rãi các bước phụ nhỏ. Nhưng rất ít nhà soạn nhạc đạt được sự đa dạng về sắc thái và mức độ tập trung biểu đạt trong việc sử dụng phím phụ. Nhận xét của LE Gakkel rằng trong các bức tranh etudes op. 39 “với phạm vi rộng nhất của các màu sắc nhỏ nhất của hiện hữu, các sắc thái nhỏ của cảm giác cuộc sống” có thể được mở rộng thành một phần quan trọng trong tất cả các tác phẩm của Rachmaninoff. Những nhà phê bình như Sabaneev, người có thành kiến ​​thù địch với Rachmaninov, đã gọi ông là “một người trắng trẻo thông minh”, người có âm nhạc phản ánh “sự bất lực bi thảm của một người đàn ông không có ý chí”. Trong khi đó, những đứa trẻ “đen tối” đậm đặc của Rachmaninov thường tỏ ra can đảm, phản kháng và đầy căng thẳng vô cùng. Và nếu những nốt nhạc tang thương lọt vào tai, thì đây chính là “nỗi buồn cao cả” của người nghệ sĩ yêu nước, “tiếng than thở nghẹn ngào về cố hương” mà M. Gorky đã nghe thấy trong một số tác phẩm của Bunin. Giống như nhà văn gần gũi với anh về mặt tinh thần này, Rachmaninov, theo lời của Gorky, “nghĩ về nước Nga nói chung”, tiếc nuối về những mất mát của mình và lo lắng cho số phận của tương lai.

Hình ảnh sáng tạo của Rachmaninov trong các đặc điểm chính của nó vẫn không thể tách rời và ổn định trong suốt hành trình nửa thế kỷ của nhà soạn nhạc, mà không trải qua những đứt gãy và thay đổi rõ rệt. Những nguyên tắc thẩm mỹ và phong cách, được học từ thời trẻ, ông luôn trung thành với những năm cuối đời. Tuy nhiên, chúng ta có thể quan sát thấy một sự tiến hóa nhất định trong tác phẩm của anh, không chỉ thể hiện ở sự phát triển về kỹ năng, sự phong phú của bảng âm thanh mà còn ảnh hưởng một phần đến cấu trúc hình tượng và biểu cảm của âm nhạc. Trên con đường này, ba giai đoạn lớn, mặc dù không bằng nhau cả về thời lượng và mức độ năng suất của chúng, nhưng các giai đoạn được vạch ra rõ ràng. Họ được phân định với nhau bởi ít nhiều caesuras tạm thời dài dòng, những dải nghi ngờ, suy tư và do dự, khi không có một tác phẩm hoàn chỉnh nào xuất phát từ ngòi bút của nhà soạn nhạc. Giai đoạn đầu tiên, rơi vào những năm 90 của thế kỷ XNUMX, có thể được gọi là thời kỳ phát triển sáng tạo và trưởng thành của tài năng, giai đoạn đã khẳng định con đường của mình thông qua việc vượt qua những ảnh hưởng tự nhiên ngay từ khi còn nhỏ. Các tác phẩm thời kỳ này thường chưa đủ tính độc lập, chưa hoàn hảo về hình thức và kết cấu. (Một số trong số chúng (First Piano Concerto, Elegiac Trio, các tác phẩm piano: Melody, Serenade, Humoresque) sau đó đã được nhà soạn nhạc sửa lại và kết cấu của chúng đã được làm phong phú và phát triển hơn.), mặc dù trong một số trang của họ (những khoảnh khắc đẹp nhất của vở opera thời trẻ “Aleko”, Bộ ba Elegiac để tưởng nhớ PI Tchaikovsky, khúc dạo đầu nổi tiếng trong tiểu khúc C-sharp, một số khoảnh khắc âm nhạc và lãng mạn), cá tính của nhà soạn nhạc đã được tiết lộ một cách chắc chắn.

Một sự tạm dừng bất ngờ xảy ra vào năm 1897, sau buổi biểu diễn không thành công của Bản giao hưởng đầu tiên của Rachmaninov, một tác phẩm mà nhà soạn nhạc đã đầu tư rất nhiều công sức và tâm sức, điều này đã bị hầu hết các nhạc sĩ hiểu lầm và hầu như bị đồng loạt lên án trên các trang báo chí, thậm chí còn bị chế giễu. bởi một số nhà phê bình. Sự thất bại của bản giao hưởng đã gây ra một chấn thương tinh thần sâu sắc trong Rachmaninoff; Theo lời thú nhận của chính anh ấy, sau này, anh ấy “giống như một người đàn ông bị đột quỵ và mất cả đầu và tay trong một thời gian dài”. Ba năm tiếp theo là những năm gần như hoàn toàn im lặng trong sáng tạo, nhưng đồng thời cũng là những phản ánh tập trung, đánh giá lại mọi thứ đã làm trước đó. Kết quả của công việc nội tâm mãnh liệt này của nhà soạn nhạc đối với bản thân là một sự bùng nổ sáng tạo mãnh liệt và tươi sáng bất thường vào đầu thế kỷ mới.

Trong ba hoặc bốn năm đầu của thế kỷ 23, Rakhmaninov đã tạo ra một số tác phẩm thuộc nhiều thể loại khác nhau, đáng chú ý vì chất thơ sâu sắc, sự mới mẻ và cảm hứng tức thì, trong đó sự phong phú của trí tưởng tượng sáng tạo và sự độc đáo của “nét chữ” của tác giả được kết hợp với tay nghề hoàn thiện cao. Trong số đó có bản Concerto cho piano thứ hai, Suite thứ hai cho hai piano, bản sonata cho cello và piano, cantata “Spring”, Ten Preludes op. XNUMX, vở opera “Francesca da Rimini”, một số ví dụ điển hình về lời ca tiếng hát của Rachmaninov (“Lilac”, “Trích từ A. Musset”), Chuỗi tác phẩm này đã xác lập vị trí của Rachmaninoff như một trong những nhà soạn nhạc Nga lớn nhất và thú vị nhất của thời đại chúng ta, mang lại cho ông một sự công nhận rộng rãi trong giới trí thức nghệ thuật và trong số đông đảo thính giả.

Khoảng thời gian tương đối ngắn từ năm 1901 đến năm 1917 là thành quả nhất trong công việc của ông: trong hơn một thập kỷ rưỡi này, hầu hết các tác phẩm của Rachmaninov đã được viết theo phong cách trưởng thành, độc lập, trở thành một phần không thể thiếu của âm nhạc kinh điển quốc gia. Hầu như mỗi năm đều mang đến những sự lựa chọn mới, sự xuất hiện của nó đã trở thành một sự kiện đáng chú ý trong đời sống âm nhạc. Với hoạt động sáng tạo không ngừng của Rachmaninoff, công việc của ông không thay đổi trong suốt thời kỳ này: vào đầu hai thập kỷ đầu tiên, các triệu chứng của sự thay đổi sản xuất bia là điều dễ nhận thấy. Không làm mất đi những phẩm chất “chung chung” của nó, nó trở nên trầm trọng hơn trong giai điệu, tâm trạng rối loạn tăng cường, trong khi sự tuôn ra trực tiếp của cảm giác trữ tình dường như chậm lại, màu sắc trong suốt nhẹ xuất hiện ít thường xuyên hơn trên bảng âm thanh của nhà soạn nhạc, màu sắc tổng thể của âm nhạc sẫm màu và dày lên. Những thay đổi này đáng chú ý trong loạt khúc dạo đầu của piano thứ hai, op. 32, hai chu kỳ của các bức tranh etudes, và đặc biệt là các tác phẩm lớn hoành tráng như “The Bells” và “All-Night Vigil”, đặt ra những câu hỏi sâu sắc, cơ bản về sự tồn tại của con người và mục đích sống của một người.

Sự tiến hóa mà Rachmaninov đã trải qua đã không thoát khỏi sự chú ý của những người cùng thời với ông. Một trong những nhà phê bình đã viết về The Bells: “Rakhmaninov dường như đã bắt đầu tìm kiếm những tâm trạng mới, một cách thể hiện suy nghĩ mới của mình… Bạn cảm thấy ở đây phong cách mới của Rachmaninov đã tái sinh, không có điểm gì chung với phong cách của Tchaikovsky. ”

Sau năm 1917, thời gian nghỉ ngơi mới trong công việc của Rachmaninov bắt đầu, lần này dài hơn nhiều so với lần trước. Chỉ sau cả thập kỷ, nhà soạn nhạc mới quay trở lại với việc sáng tác âm nhạc, ông đã sắp xếp ba bài hát dân gian Nga cho dàn hợp xướng và dàn nhạc và hoàn thành Bản hòa tấu piano thứ tư, bắt đầu vào đêm trước Chiến tranh thế giới thứ nhất. Tuy nhiên, trong suốt những năm 30, ông đã viết (ngoại trừ một số bản hòa tấu cho piano) chỉ có bốn bản, có ý nghĩa quan trọng về mặt ý tưởng của các tác phẩm chính.

* * *

Trong một môi trường của những cuộc tìm kiếm phức tạp, thường là mâu thuẫn, một cuộc đấu tranh quyết liệt và gay gắt về các phương hướng, sự phá vỡ các hình thức thông thường của ý thức nghệ thuật, đặc trưng cho sự phát triển của nghệ thuật âm nhạc trong nửa đầu thế kỷ XUMX, Rachmaninoff vẫn trung thành với nghệ thuật cổ điển vĩ đại. truyền thống âm nhạc Nga từ Glinka đến Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov và những học trò thân cận, trực tiếp của họ và những người theo học Taneyev, Glazunov. Nhưng ông không giới hạn mình trong vai trò người bảo vệ những truyền thống này, mà chủ động, sáng tạo nhận thức chúng, khẳng định sức sống vô tận, khả năng phát triển và làm giàu thêm của chúng. Là một nghệ sĩ nhạy cảm, dễ gây ấn tượng, Rachmaninov, mặc dù tuân thủ các quy tắc của tác phẩm kinh điển, vẫn không điếc trước những lời kêu gọi của thời hiện đại. Trong thái độ của ông đối với các xu hướng phong cách mới của thế kỷ XNUMX, có một khoảnh khắc không chỉ có sự đối đầu, mà còn có sự tương tác nhất định.

Trong khoảng thời gian nửa thế kỷ, tác phẩm của Rachmaninov đã trải qua một quá trình phát triển đáng kể, và các tác phẩm của không chỉ những năm 1930, mà cả những năm 1910 khác nhau đáng kể cả về cấu trúc hình tượng lẫn ngôn ngữ, phương tiện biểu đạt âm nhạc từ thuở sơ khai. lựa chọn hoàn toàn độc lập của phần cuối của phần trước. thế kỉ. Ở một số người trong số họ, nhà soạn nhạc tiếp xúc với chủ nghĩa ấn tượng, chủ nghĩa tượng trưng, ​​chủ nghĩa tân cổ điển, mặc dù theo một cách đặc biệt sâu sắc, anh ta nhận thức một cách riêng lẻ các yếu tố của những xu hướng này. Với tất cả những thay đổi và ngã rẽ, hình ảnh sáng tạo của Rachmaninov vẫn rất riêng trong nội tâm, vẫn giữ được những đặc điểm cơ bản, xác định mà âm nhạc của ông có được sự phổ biến rộng rãi của người nghe: trữ tình say mê, quyến rũ, sự chân thật và chân thành trong cách diễn đạt, tầm nhìn thơ mộng về thế giới. .

Yu. Nào

Nhạc trưởng Rachmaninoff

Rachmaninov đã đi vào lịch sử không chỉ với tư cách là một nhà soạn nhạc và nghệ sĩ dương cầm, mà còn là một nhạc trưởng xuất sắc của thời đại chúng ta, mặc dù mặt hoạt động này của ông không quá lâu dài và mãnh liệt.

Rachmaninov xuất hiện lần đầu tiên với tư cách là nhạc trưởng vào mùa thu năm 1897 tại Nhà hát Opera Tư nhân Mamontov ở Moscow. Trước đó, anh không phải chỉ huy dàn nhạc và học chỉ huy, nhưng tài năng xuất chúng của người nhạc sĩ đã giúp Rachmaninoff nhanh chóng học được bí quyết thành thạo. Chỉ cần nhớ rằng anh ấy hầu như không thể hoàn thành buổi diễn tập đầu tiên: anh ấy không biết rằng các ca sĩ cần chỉ ra lời giới thiệu; và vài ngày sau, Rachmaninov đã hoàn thành công việc của mình một cách hoàn hảo, chỉ huy vở opera Samson và Delilah của Saint-Saens.

“Năm tôi ở lại nhà hát opera Mamontov có ý nghĩa vô cùng quan trọng đối với tôi,” anh viết. "Ở đó, tôi đã có được kỹ thuật của một nhạc trưởng chính hiệu, mà sau này đã phục vụ tôi rất nhiều." Trong mùa làm việc với tư cách là nhạc trưởng thứ hai của nhà hát, Rachmaninov đã thực hiện XNUMX suất diễn của XNUMX vở opera: “Samson và Delilah”, “Mermaid”, “Carmen”, “Orpheus” của Gluck, “Rogneda” của Serov, “ Mignon ”của Tom,“ Askold's Grave ”,“ The Enemy strength ”,“ May night ”. Báo chí ngay lập tức ghi nhận sự rõ ràng trong phong cách chỉ huy của anh, sự tự nhiên, thiếu tư thế, cảm giác nhịp nhàng sắt bén truyền đến người biểu diễn, gu thẩm mỹ tinh tế và cảm nhận tuyệt vời về màu sắc của dàn nhạc. Với kinh nghiệm tích lũy được, những đặc điểm này của Rachmaninoff với tư cách là một nhạc sĩ bắt đầu bộc lộ hết mức, được bổ sung bởi sự tự tin và uy quyền khi làm việc với các nghệ sĩ độc tấu, dàn hợp xướng và dàn nhạc.

Trong vài năm tới, Rachmaninoff, bận rộn với công việc sáng tác và chơi piano, chỉ thỉnh thoảng tiến hành. Thời kỳ hoàng kim của tài năng chỉ huy của ông rơi vào giai đoạn 1904-1915. Trong hai mùa giải, anh đã làm việc tại Nhà hát Bolshoi, nơi diễn giải các vở opera Nga của anh đã đạt được thành công đặc biệt. Các sự kiện lịch sử trong cuộc đời của nhà hát được các nhà phê bình gọi là buổi biểu diễn kỷ niệm của Ivan Susanin, mà ông đã tiến hành để tôn vinh một trăm năm ngày sinh của Glinka, và Tuần lễ của Tchaikovsky, trong đó Rachmaninov thực hiện The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik và ba lê.

Sau đó, Rachmaninov chỉ đạo buổi biểu diễn Nữ hoàng của những chiếc bích ở St.Petersburg; các nhà phê bình đồng ý rằng chính ông là người đầu tiên lĩnh hội và truyền tải đến khán giả toàn bộ ý nghĩa bi tráng của vở tuồng. Trong số những thành công sáng tạo của Rachmaninov tại Nhà hát Bolshoi còn có việc ông sản xuất Pan Voevoda của Rimsky-Korsakov và các vở opera The Miserly Knight và Francesca da Rimini của riêng ông.

Trên sân khấu giao hưởng, Rachmaninov ngay từ những buổi hòa nhạc đầu tiên đã chứng tỏ mình là một bậc thầy hoàn chỉnh về quy mô khổng lồ. Người biểu diễn “xuất sắc” chắc chắn đi kèm với những đánh giá về màn trình diễn của anh ấy với tư cách là một nhạc trưởng. Thông thường, Rachmaninoff xuất hiện ở vị trí chỉ huy của nhạc trưởng trong các buổi hòa nhạc của Hiệp hội Giao hưởng Moscow, cũng như với dàn nhạc Siloti và Koussevitzky. Trong năm 1907-1913, ông đã tiến hành rất nhiều ở nước ngoài - tại các thành phố của Pháp, Hà Lan, Mỹ, Anh, Đức.

Tiết mục của Rachmaninov với tư cách là một nhạc trưởng đã có nhiều mặt khác thường trong những năm đó. Ông đã có thể thâm nhập vào những gì đa dạng nhất trong phong cách và nhân vật của tác phẩm. Đương nhiên, âm nhạc Nga gần gũi với anh nhất. Ông đã hồi sinh trên sân khấu Bản giao hưởng Bogatyr của Borodin, gần như bị lãng quên vào thời điểm đó, đã góp phần vào sự nổi tiếng của các tác phẩm thu nhỏ của Lyadov, mà ông đã trình diễn với sự xuất sắc đặc biệt. Sự giải thích của ông về âm nhạc của Tchaikovsky (đặc biệt là bản giao hưởng số 4 và thứ 5) được đánh dấu bởi ý nghĩa và chiều sâu phi thường; trong các tác phẩm của Rimsky-Korsakov, ông đã có thể mở ra những gam màu tươi sáng nhất cho khán giả, và trong các bản giao hưởng của Borodin và Glazunov, ông đã thu hút khán giả bởi chiều rộng sử thi và tính toàn vẹn của cách diễn giải.

Một trong những đỉnh cao trong nghệ thuật chỉ huy của Rachmaninov là việc giải thích bản giao hưởng G-nhỏ của Mozart. Nhà phê bình Wolfing viết: “Nhiều bản giao hưởng được viết và in có ý nghĩa gì trước khi Rachmaninov trình diễn bản giao hưởng g-moll của Mozart! … Thiên tài nghệ thuật người Nga đã lần thứ hai biến hóa và thể hiện bản chất nghệ thuật của tác giả bản giao hưởng này. Chúng ta không chỉ có thể nói về Mozart của Pushkin mà còn về Mozart của Rachmaninov… ”

Cùng với điều này, chúng tôi tìm thấy rất nhiều âm nhạc lãng mạn trong các chương trình của Rachmaninov - ví dụ, Bản giao hưởng tuyệt vời của Berlioz, các bản giao hưởng của Mendelssohn và Franck, Oberon của Weber và các đoạn nhạc trong vở opera của Wagner, bài thơ của Liszt và Lyric Suite của Grieg… Và bên cạnh đó - một màn trình diễn tuyệt vời của các tác giả hiện đại - các bài thơ giao hưởng của R. Strauss, các tác phẩm của các trường phái Ấn tượng: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse… Và tất nhiên, Rachmaninov là người phiên dịch xuất sắc cho các sáng tác giao hưởng của chính ông. Nhà âm nhạc học Liên Xô nổi tiếng V. Yakovlev, người đã nghe Rachmaninov hơn một lần, nhớ lại: “Không chỉ công chúng và các nhà phê bình, các thành viên dàn nhạc giàu kinh nghiệm, các giáo sư, nghệ sĩ công nhận khả năng lãnh đạo của ông là đỉnh cao nhất trong nghệ thuật này… Phương pháp làm việc của ông là giảm không quá nhiều cho một chương trình, nhưng để nhận xét riêng biệt, có nghĩa là giải thích, thường anh ấy hát hoặc dưới hình thức này hay hình thức khác giải thích những gì anh ấy đã cân nhắc trước đó. Tất cả những người có mặt tại buổi hòa nhạc của anh ấy đều nhớ những cử chỉ rộng rãi, đặc trưng của cả bàn tay, không chỉ đến từ bàn chải; Đôi khi những cử chỉ này của anh ấy bị các thành viên trong dàn nhạc coi là thái quá, nhưng anh ấy đã quen và hiểu họ. Không có sự giả tạo trong các động tác, tư thế, không tạo hiệu ứng, không vẽ tay. Có niềm đam mê vô bờ bến, đi trước là suy nghĩ, phân tích, thấu hiểu và thấu hiểu phong cách của người biểu diễn.

Hãy để chúng tôi nói thêm rằng nhạc trưởng Rachmaninoff cũng là một người chơi hòa tấu xuất sắc; nghệ sĩ độc tấu trong các buổi hòa nhạc của ông là các nghệ sĩ như Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, và trong các buổi biểu diễn opera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov…

Sau năm 1913, Rachmaninoff từ chối thực hiện các tác phẩm của các tác giả khác và chỉ tiến hành các sáng tác của riêng mình. Chỉ đến năm 1915, ông mới đi ngược lại quy tắc này bằng cách tổ chức một buổi hòa nhạc để tưởng nhớ Scriabin. Tuy nhiên, ngay cả sau này, danh tiếng của ông với tư cách là một nhạc trưởng đã nổi tiếng khắp thế giới một cách bất thường. Chỉ cần nói rằng ngay sau khi đến Hoa Kỳ vào năm 1918, ông đã được đề nghị lãnh đạo các dàn nhạc lớn nhất trong nước - ở Boston và Cincinnati. Nhưng lúc đó anh ấy không thể dành thời gian cho việc chỉ huy nữa, buộc phải tiến hành các hoạt động hòa nhạc căng thẳng với tư cách là một nghệ sĩ piano.

Chỉ đến mùa thu năm 1939, khi một chu kỳ hòa nhạc từ các tác phẩm của Rachmaninov được sắp xếp ở New York, nhà soạn nhạc mới đồng ý chỉ huy một trong số chúng. Dàn nhạc Philadelphia sau đó đã trình diễn Bản giao hưởng thứ ba và Chuông. Ông lặp lại chương trình tương tự vào năm 1941 tại Chicago, và một năm sau đó chỉ đạo buổi biểu diễn "Isle of the Dead" và "Symphonic Dances" ở Egan Arbor. Nhà phê bình O. Daune viết: “Rakhmaninov đã chứng minh rằng anh ấy có cùng kỹ năng và khả năng kiểm soát hiệu suất, âm nhạc và sức mạnh sáng tạo, chỉ huy dàn nhạc mà anh ấy thể hiện khi chơi piano. Tính cách và phong cách thi đấu của anh ấy, cũng như cách chỉ huy của anh ấy, tấn công với sự bình tĩnh và tự tin. Đó là cùng một sự hoàn toàn không phô trương, cùng một ý thức về phẩm giá và sự kiềm chế rõ ràng, cùng một sức mạnh uy nghiêm đáng ngưỡng mộ. Những bản thu âm The Island of the Dead, Vocalise và Bản giao hưởng thứ ba được thực hiện vào thời điểm đó đã lưu giữ cho chúng ta bằng chứng về nghệ thuật chỉ huy của người nhạc sĩ lỗi lạc người Nga.

L. Grigoriev, J. Platek