Leonid Kogan |
Leonid Kogan
Nghệ thuật của Kogan được biết đến, đánh giá cao và yêu thích ở hầu hết các quốc gia trên thế giới - ở Châu Âu và Châu Á, ở Mỹ và Canada, Nam Mỹ và Úc.
Kogan là một tài năng mạnh mẽ, đầy kịch tính. Về bản chất và cá tính nghệ thuật, anh ấy đối lập với Oistrakh. Chúng cùng nhau tạo thành, như nó vốn có, hai cực đối lập của trường phái vĩ cầm Xô Viết, minh họa cho “độ dài” của nó về mặt phong cách và thẩm mỹ. Với sự năng động như vũ bão, sự phấn khích thảm hại, sự xung đột được nhấn mạnh, sự tương phản táo bạo, lối chơi của Kogan có vẻ phù hợp một cách đáng ngạc nhiên với thời đại của chúng ta. Người nghệ sĩ này rất hiện đại, sống với tình trạng bất ổn của ngày nay, phản ánh một cách nhạy cảm những trải nghiệm và lo lắng của thế giới xung quanh anh ta. Một người biểu diễn cận cảnh, xa lạ với sự trơn tru, Kogan dường như đang nỗ lực hướng tới các cuộc xung đột, kiên quyết từ chối các thỏa hiệp. Trong sự năng động của trò chơi, trong giọng điệu chua chát, trong ngữ điệu kịch tính xuất thần, anh ấy có liên quan đến Heifetz.
Các bài phê bình thường nói rằng Kogan đều có thể tiếp cận những hình ảnh tươi sáng của Mozart, chủ nghĩa anh hùng và những bi kịch của Beethoven, và sự sáng chói tuyệt vời của Khachaturian. Nhưng nói như vậy, không tô hồng những nét đặc trưng của cuộc trình diễn, nghĩa là không thấy được cá tính riêng của người nghệ sĩ. Liên quan đến Kogan, điều này đặc biệt không thể chấp nhận được. Kogan là một nghệ sĩ của cá nhân sáng giá nhất. Trong cách chơi của anh ấy, với một cảm nhận đặc biệt về phong cách âm nhạc mà anh ấy biểu diễn, một thứ độc đáo của riêng anh ấy, “của Kogan”, luôn quyến rũ, nét chữ của anh ấy chắc chắn, kiên quyết, truyền đạt sự nhẹ nhàng rõ ràng cho từng cụm từ, đường nét của các giai điệu.
Tấn công là nhịp điệu trong lối chơi của Kogan, nó đóng vai trò như một công cụ kịch mạnh mẽ cho anh ta. Đuổi theo, tràn đầy sức sống, căng thẳng “thần kinh” và “âm sắc”, nhịp điệu của Kogan thực sự tạo nên hình thức, mang đến cho nó sự hoàn chỉnh về mặt nghệ thuật, đồng thời mang lại sức mạnh và ý chí cho sự phát triển của âm nhạc. Nhịp điệu là linh hồn, là sức sống của tác phẩm. Bản thân nhịp điệu vừa là một cụm từ âm nhạc vừa là thứ mà chúng ta thỏa mãn nhu cầu thẩm mỹ của công chúng, mà chúng ta tác động đến nó. Cả đặc điểm của ý tưởng và hình ảnh - mọi thứ đều được thực hiện thông qua nhịp điệu, ”bản thân Kogan nói về nhịp điệu.
Trong bất kỳ bài đánh giá nào về trò chơi của Kogan, tính quyết đoán, nam tính, cảm xúc và kịch tính trong nghệ thuật của anh ấy luôn nổi bật ngay từ đầu. “Màn trình diễn của Kogan là một lời kể kích động, quyết đoán, đầy đam mê, một bài phát biểu căng thẳng và say mê.” “Diễn xuất của Kogan thể hiện bằng sức mạnh nội tâm, cường độ cảm xúc nóng bỏng, đồng thời với sự mềm mại và nhiều sắc thái khác nhau,” đây là những đặc điểm thường thấy.
Kogan không bình thường về triết học và suy tư, thường thấy ở nhiều nghệ sĩ biểu diễn đương thời. Anh ấy tìm cách bộc lộ trong âm nhạc chủ yếu là hiệu quả và cảm xúc ấn tượng của nó và thông qua chúng để tiếp cận ý nghĩa triết học bên trong. Kogan nói rằng theo nghĩa này, những lời của chính anh ấy về Bach: “Có nhiều sự ấm áp và nhân văn hơn trong anh ấy,” Kogan nói, hơn các chuyên gia đôi khi nghĩ, khi tưởng tượng Bach là “nhà triết học vĩ đại của thế kỷ XNUMX.” Tôi không muốn bỏ lỡ cơ hội truyền tải cảm xúc âm nhạc của anh ấy, vì nó xứng đáng.
Kogan có trí tưởng tượng nghệ thuật phong phú nhất, được hình thành từ trải nghiệm trực tiếp về âm nhạc: “Mỗi lần anh ấy khám phá ra trong tác phẩm vẻ đẹp vẫn chưa được biết đến và niềm tin về nó đối với người nghe. Do đó, có vẻ như Kogan không biểu diễn âm nhạc, nhưng vẫn tạo ra nó một lần nữa.
Chủ nghĩa bệnh hoạn, tính khí nóng nảy, tình cảm nóng nảy, bốc đồng, tưởng tượng lãng mạn không ngăn cản nghệ thuật của Kogan cực kỳ đơn giản và chặt chẽ. Trò chơi của anh ấy không có sự khoe khoang, cách cư xử và đặc biệt là tình cảm, nó là dũng cảm theo đúng nghĩa của từ này. Kogan là một nghệ sĩ có sức khỏe tinh thần đáng kinh ngạc, một nhận thức lạc quan về cuộc sống, điều đáng chú ý là anh đã thể hiện những bản nhạc bi tráng nhất.
Thông thường, những người viết tiểu sử của Kogan phân biệt hai giai đoạn phát triển sáng tạo của ông: giai đoạn đầu tập trung chủ yếu vào văn học điêu luyện (Paganini, Ernst, Venyavsky, Vietanne) và giai đoạn thứ hai nhấn mạnh lại vào nhiều loại văn học vĩ cầm cổ điển và hiện đại. , trong khi vẫn duy trì một đường biểu diễn điêu luyện.
Kogan là một nghệ nhân bậc nhất. Bản concerto đầu tiên của Paganini (trong ấn bản của tác giả với bản cadenza hiếm khi chơi khó nhất của E. Sore), 24 câu capricci của ông được chơi trong một buổi tối, là minh chứng cho một kỹ năng mà chỉ một số ít đạt được trong giới giải thích violin thế giới. Kogan nói: Trong giai đoạn hình thành, tôi đã bị ảnh hưởng rất nhiều bởi các tác phẩm của Paganini. “Họ là công cụ trong việc điều chỉnh bàn tay trái với phím đàn, hiểu được các kỹ thuật chơi ngón không phải là 'truyền thống'. Tôi chơi với ngón tay đặc biệt của riêng mình, khác với cách đánh thường được chấp nhận. Và tôi làm điều này dựa trên khả năng về âm sắc của violin và phrasing, mặc dù thường không phải mọi thứ ở đây đều có thể chấp nhận được về mặt phương pháp luận ”.
Nhưng cả trong quá khứ và hiện tại, Kogan đều không thích những kỹ thuật điêu luyện “thuần khiết”. “Là một nghệ sĩ xuất chúng, người đã thành thạo một kỹ thuật khổng lồ ngay cả khi còn nhỏ và tuổi trẻ, Kogan đã lớn lên và trưởng thành một cách rất hài hòa. Ông đã hiểu ra sự thật khôn ngoan rằng kỹ thuật chóng mặt nhất và lý tưởng của nghệ thuật cao không đồng nhất với nhau, và rằng kỹ thuật đầu tiên phải “phục vụ” cho kỹ thuật thứ hai. Trong phần trình diễn của mình, âm nhạc của Paganini đã tạo nên một kịch tính chưa từng có. Kogan cảm nhận một cách hoàn hảo những “thành phần” trong công việc sáng tạo của người Ý xuất chúng - một tưởng tượng lãng mạn sống động; sự tương phản của melos, chứa đầy lời cầu nguyện và nỗi buồn, hoặc với những trò lố bịch; tính ngẫu hứng đặc trưng, nét đặc trưng của kịch nghệ với những cao trào đạt đến giới hạn của cảm xúc căng thẳng. Kogan và trong kỹ thuật điêu luyện đã “đi vào chiều sâu” của âm nhạc, và do đó sự khởi đầu của thời kỳ thứ hai đến như một sự tiếp nối tự nhiên của thời kỳ đầu tiên. Con đường phát triển nghệ thuật của nghệ sĩ vĩ cầm thực ra đã được xác định sớm hơn rất nhiều.
Kogan sinh ngày 14 tháng 1924 năm 1934 tại Dnepropetrovsk. Anh bắt đầu học chơi violin năm 1935 tuổi tại một trường âm nhạc địa phương. Người thầy đầu tiên của ông là F. Yampolsky, người mà ông đã học trong ba năm. Năm XNUMX Kogan được đưa đến Moscow. Tại đây anh được nhận vào nhóm thiếu nhi đặc biệt của Nhạc viện Matxcova, theo lớp của Giáo sư A. Yampolsky. Năm XNUMX, nhóm này thành lập nòng cốt chính của Trường Âm nhạc Thiếu nhi Trung ương mới mở của Nhạc viện Nhà nước Matxcova.
Tài năng của Kogan ngay lập tức thu hút sự chú ý. Yampolsky đã loại anh ra khỏi tất cả các học trò của mình. Vị giáo sư say mê và gắn bó với Kogan đến nỗi ông đã định cư cậu tại nhà riêng. Giao tiếp liên tục với giáo viên đã mang lại rất nhiều cho nghệ sĩ tương lai. Anh ấy có cơ hội sử dụng lời khuyên của mình mỗi ngày, không chỉ trong lớp học, mà còn trong khi làm bài tập về nhà. Kogan tò mò xem xét các phương pháp của Yampolsky trong công việc của ông với các sinh viên, điều này sau đó đã có tác dụng hữu ích trong thực hành giảng dạy của chính ông. Yampolsky, một trong những nhà giáo dục xuất sắc của Liên Xô, đã phát triển ở Kogan không chỉ kỹ thuật tuyệt vời và kỹ thuật điêu luyện làm kinh ngạc công chúng hiện đại, rất tinh vi, mà còn đặt ra những nguyên tắc biểu diễn cao ở ông. Cái chính là ở chỗ giáo viên đã hình thành nhân cách của học sinh một cách chính xác, hạn chế những xung động của bản tính cố ý, hoặc khuyến khích hoạt động của học sinh. Ngay trong những năm học tập ở Kogan, xu hướng về phong cách hòa nhạc lớn, tính hoành tráng, kho tàng kịch tính - ý chí mạnh mẽ, dũng cảm của trò chơi đã được bộc lộ.
Họ bắt đầu nói về Kogan trong giới âm nhạc rất sớm - theo đúng nghĩa đen sau buổi biểu diễn đầu tiên tại lễ hội của học sinh các trường âm nhạc thiếu nhi năm 1937. Yampolsky đã tận dụng mọi cơ hội để tổ chức các buổi hòa nhạc yêu thích của mình, và vào năm 1940 Kogan đã chơi Brahms Concerto cho lần đầu tiên với dàn nhạc. Khi vào Nhạc viện Moscow (1943), Kogan đã nổi tiếng trong giới âm nhạc.
Năm 1944, ông trở thành nghệ sĩ độc tấu của Moscow Philharmonic và thực hiện các chuyến lưu diễn vòng quanh đất nước. Chiến tranh vẫn chưa kết thúc, nhưng anh ta đã trên đường đến Leningrad, nơi vừa được giải phóng khỏi vòng phong tỏa. Anh biểu diễn ở Kyiv, Kharkov, Odessa, Lvov, Chernivtsi, Baku, Tbilisi, Yerevan, Riga, Tallinn, Voronezh, các thành phố của Siberia và Viễn Đông, đến Ulaanbaatar. Kỹ thuật điêu luyện và nghệ thuật nổi bật của anh ấy khiến người nghe kinh ngạc, say mê, kích thích ở khắp mọi nơi.
Vào mùa thu năm 1947, Kogan tham gia Liên hoan Thanh niên Dân chủ Thế giới lần thứ I tại Praha, giành giải nhất (cùng với Y. Sitkovetsky và I. Bezrodny); mùa xuân năm 1948, ông tốt nghiệp nhạc viện, và năm 1949 ông vào học cao học.
Nghiên cứu sau đại học cho thấy một đặc điểm khác ở Kogan - mong muốn nghiên cứu âm nhạc biểu diễn. Anh ấy không chỉ chơi, mà còn viết luận văn về công việc của Henryk Wieniawski và rất nghiêm túc với công việc này.
Ngay trong năm đầu tiên học sau đại học, Kogan đã khiến người nghe kinh ngạc khi trình diễn 24 bài Paganini Capricci trong một buổi tối. Mối quan tâm của nghệ sĩ trong thời kỳ này là tập trung vào văn học điêu luyện và các bậc thầy về nghệ thuật điêu luyện.
Giai đoạn tiếp theo trong cuộc đời của Kogan là Cuộc thi Nữ hoàng Elizabeth ở Brussels, diễn ra vào tháng 1951 năm 1937. Báo chí thế giới đã nói về Kogan và Vayman, những người đã nhận giải nhất và nhì, cũng như những người được trao huy chương vàng. Sau chiến thắng phi thường của các nghệ sĩ vĩ cầm Liên Xô năm XNUMX tại Brussels, nơi đã đề cử Oistrakh vào hàng ngũ những nghệ sĩ vĩ cầm đầu tiên trên thế giới, đây có lẽ là chiến công rực rỡ nhất của “vũ khí vĩ cầm” của Liên Xô.
Tháng 1955 năm 1726 Kogan đến Paris. Buổi biểu diễn của anh được coi như một sự kiện lớn trong đời sống âm nhạc của thủ đô nước Pháp. Nhà phê bình của tờ báo “Nouvelle Litterer” viết: “Bây giờ có rất ít nghệ sĩ trên toàn thế giới có thể so sánh với Kogan về sự hoàn thiện kỹ thuật của màn trình diễn và sự phong phú của bảng màu âm thanh của anh ấy. Tại Paris, Kogan đã mua một cây vĩ cầm Guarneri del Gesu (XNUMX) tuyệt vời mà anh ấy đã chơi kể từ đó.
Kogan đã tổ chức hai buổi hòa nhạc tại Sảnh Chaillot. Họ có sự tham dự của hơn 5000 người - các thành viên của đoàn ngoại giao, các nghị sĩ và tất nhiên, cả những du khách bình thường. Thực hiện bởi Charles Bruck. Các bản hòa tấu của Mozart (G major), Brahms và Paganini đã được trình diễn. Với màn trình diễn Paganini Concerto, Kogan đã gây sốc cho khán giả theo đúng nghĩa đen. Anh ấy đã chơi nó một cách trọn vẹn, với tất cả những âm vực khiến nhiều nghệ sĩ vĩ cầm phải khiếp sợ. Tờ Le Figaro viết: “Bằng cách nhắm mắt lại, bạn có thể cảm thấy rằng một thầy phù thủy thực sự đang biểu diễn trước mặt bạn”. Tờ báo lưu ý rằng “sự thuần thục nghiêm ngặt, độ tinh khiết của âm thanh, sự phong phú của âm sắc đặc biệt làm hài lòng người nghe khi trình diễn Brahms Concerto.”
Chúng ta hãy chú ý đến chương trình: Concerto thứ ba của Mozart, Concerto của Brahms và Concerto của Paganini. Đây là chu trình làm việc thường xuyên nhất của Kogan sau đó (cho đến ngày nay). Do đó, “giai đoạn thứ hai” - giai đoạn trưởng thành trong quá trình biểu diễn của Kogan - bắt đầu vào giữa những năm 50. Không chỉ Paganini, mà cả Mozart, Brahms cũng trở thành "con ngựa" của ông. Kể từ thời điểm đó, việc biểu diễn ba buổi hòa nhạc trong một buổi tối là điều thường thấy trong quá trình luyện tập hòa nhạc của anh ấy. Những gì người biểu diễn khác coi như một ngoại lệ, đối với Kogan là chuẩn mực. Anh ấy yêu những chu kỳ - sáu bản sonata của Bach, ba bản hòa tấu! Ngoài ra, các buổi hòa nhạc trong chương trình của một buổi tối, như một quy luật, có phong cách tương phản rõ rệt. Mozart được so sánh với Brahms và Paganini. Trong những sự kết hợp mạo hiểm nhất, Kogan luôn là người chiến thắng, khiến người nghe thích thú với phong cách tinh tế, nghệ thuật chuyển đổi nghệ thuật.
Trong nửa đầu của những năm 50, Kogan đã rất bận rộn để mở rộng các tiết mục của mình, và đỉnh cao của quá trình này là chu kỳ hoành tráng “Phát triển bản Concerto cho Violin”, được ông đưa ra vào mùa giải 1956/57. Chu kỳ bao gồm sáu buổi tối, trong đó 18 buổi hòa nhạc đã được thực hiện. Trước Kogan, một chu kỳ tương tự đã được Oistrakh thực hiện vào năm 1946-1947.
Bản chất tài năng của mình là một nghệ sĩ của một kế hoạch hòa nhạc lớn, Kogan bắt đầu chú ý nhiều đến thể loại thính phòng. Họ tạo thành một bộ ba với Emil Gilels và Mstislav Rostropovich, biểu diễn các buổi tối trong phòng mở.
Buổi biểu diễn thường trực của anh với Elizaveta Gilels, một nghệ sĩ vĩ cầm sáng giá, người đoạt giải nhất của cuộc thi Brussels đầu tiên, người đã trở thành vợ anh vào những năm 50, thật tuyệt vời. Các bản sonata của Y. Levitin, M. Weinberg và những người khác được viết đặc biệt cho nhóm của họ. Hiện tại, ban nhạc gia đình này đã được làm giàu thêm bởi một thành viên nữa - con trai ông Pavel, người nối gót cha mẹ, trở thành một nghệ sĩ vĩ cầm. Cả gia đình tổ chức các buổi hòa nhạc chung. Vào tháng 1966 năm XNUMX, buổi biểu diễn đầu tiên của họ về bản Concerto cho ba cây vĩ cầm của nhà soạn nhạc người Ý Franco Mannino đã diễn ra tại Moscow; Tác giả đã đặc biệt bay đến buổi công chiếu từ Ý. Chiến thắng đã hoàn tất. Leonid Kogan có quan hệ đối tác sáng tạo lâu dài và bền chặt với Dàn nhạc thính phòng Moscow do Rudolf Barshai đứng đầu. Đi cùng với dàn nhạc này, màn trình diễn của Kogan bản hòa tấu Bach và Vivaldi đã có được một sự thống nhất hoàn chỉnh trong hòa tấu, một âm thanh mang tính nghệ thuật cao.
Năm 1956, Nam Mỹ lắng nghe Kogan. Anh ấy đã bay đến đó vào giữa tháng XNUMX với nghệ sĩ dương cầm A. Mytnik. Họ đã có một lộ trình - Argentina, Uruguay, Chile, và trên đường trở về - một chặng dừng ngắn ở Paris. Đó là một chuyến du lịch không thể nào quên. Kogan đã chơi ở Buenos Aires ở Cordoba Nam Mỹ cũ, biểu diễn các tác phẩm của Brahms, Bach's Chaconne, Millau's Brazilian Dances, và vở kịch Cueca của nhà soạn nhạc Argentina Aguirre. Tại Uruguay, anh giới thiệu đến người nghe bản Concerto của Khachaturian, được chơi lần đầu tiên trên lục địa Nam Mỹ. Tại Chile, anh gặp nhà thơ Pablo Neruda, và trong nhà hàng khách sạn nơi anh và Mytnik ở, anh đã nghe được vở kịch tuyệt vời của nghệ sĩ guitar nổi tiếng Allan. Nhận ra các nghệ sĩ Liên Xô, Allan đã biểu diễn cho họ nghe phần đầu tiên của Bản tình ca ánh trăng của Beethoven, các tác phẩm của Granados và Albeniz. Anh ấy đã đến thăm Lolita Torres. Trên đường trở về, tại Paris, anh dự lễ kỷ niệm Marguerite Long. Tại buổi hòa nhạc của ông, các khán giả có Arthur Rubinstein, nghệ sĩ cello Charles Fournier, nghệ sĩ vĩ cầm và nhà phê bình âm nhạc Helene Jourdan-Morrange và những người khác.
Trong mùa giải 1957/58, ông đã lưu diễn Bắc Mỹ. Đó là trận ra mắt tại Mỹ của anh ấy. Tại Carnegie Hall, ông đã biểu diễn Brahms Concerto do Pierre Monte chỉ huy. Howard Taubman viết trên tờ The New York Times: “Anh ấy rất lo lắng, giống như bất kỳ nghệ sĩ nào biểu diễn lần đầu tiên ở New York. - Nhưng ngay khi tiếng thổi đầu tiên của cây cung trên dây vang lên, mọi người đã thấy rõ - chúng ta có một chủ nhân đã hoàn thành ở phía trước của chúng ta. Kỹ thuật tuyệt vời của Kogan không biết là khó. Ở những vị trí cao nhất và khó nhất, âm thanh của anh vẫn trong trẻo và hoàn toàn tuân theo mọi ý đồ âm nhạc của người nghệ sĩ. Khái niệm về Concerto của anh ấy là rộng và mảnh mai. Phần đầu tiên được chơi với sự rực rỡ và sâu lắng, phần thứ hai hát với biểu cảm khó quên, phần thứ ba cuốn theo vũ điệu tưng bừng.
“Tôi chưa bao giờ nghe một nghệ sĩ vĩ cầm làm quá ít để gây ấn tượng với khán giả và quá nhiều để truyền tải âm nhạc họ chơi. Alfred Frankenstein viết: “Anh ấy chỉ có tính cách đặc trưng, thi vị khác thường, khí chất âm nhạc tinh tế”. Người Mỹ ghi nhận sự khiêm tốn của người nghệ sĩ, sự ấm áp và nhân văn trong cách chơi của anh ấy, không có bất cứ điều gì phô trương, sự tự do tuyệt vời của kỹ thuật và sự hoàn chỉnh của cách diễn đạt. Chiến thắng đã hoàn tất.
Điều quan trọng là các nhà phê bình Mỹ đã chú ý đến chủ nghĩa dân chủ của nghệ sĩ, sự giản dị, khiêm tốn của anh ta và trong trò chơi - không có bất kỳ yếu tố thẩm mỹ nào. Và đây là Kogan cố tình. Trong các tuyên bố của mình, rất nhiều không gian được dành cho mối quan hệ giữa nghệ sĩ và công chúng, ông tin rằng trong khi lắng nghe nhu cầu nghệ thuật của nó càng nhiều càng tốt, người ta phải đồng thời đưa người ta vào lĩnh vực âm nhạc nghiêm túc, bằng cách sức mạnh của việc thực hiện niềm tin. Khí chất của anh ấy, kết hợp với ý chí, giúp đạt được kết quả như vậy.
Sau khi Hợp chủng quốc Hoa Kỳ, ông biểu diễn ở Nhật Bản (1958), họ đã viết về ông: “Trong buổi biểu diễn Kogan, bản nhạc thiên đàng của Beethoven, Brahms trở thành trần gian, sống động, hữu hình.” Thay vì mười lăm buổi hòa nhạc, anh ấy đã đưa ra mười bảy. Sự xuất hiện của anh được đánh giá là sự kiện lớn nhất trong mùa âm nhạc.
Năm 1960, khai mạc Triển lãm Khoa học, Công nghệ và Văn hóa Liên Xô đã diễn ra tại Havana, thủ đô của Cuba. Kogan và vợ Lisa Gilels và nhà soạn nhạc A. Khachaturian đã đến thăm những người Cuba, từ đó họ đã tổng hợp các tác phẩm của chương trình buổi dạ tiệc. Những người Cuba cuồng nhiệt gần như đập phá hội trường vì thích thú. Từ Havana, các nghệ sĩ đã đến Bogota, thủ đô của Colombia. Kết quả của chuyến thăm của họ, xã hội Columbia-USSR đã được tổ chức ở đó. Sau đó theo Venezuela và trên đường trở về quê hương của họ - Paris.
Trong số các chuyến lưu diễn tiếp theo của Kogan, nổi bật là các chuyến đi đến New Zealand, nơi anh ấy tổ chức các buổi hòa nhạc với Lisa Gilels trong hai tháng và chuyến lưu diễn thứ hai ở Mỹ vào năm 1965.
New Zealand viết: “Không nghi ngờ gì khi Leonid Kogan là nghệ sĩ vĩ cầm vĩ đại nhất từng đến thăm đất nước chúng tôi”. Anh ấy được xếp ngang hàng với Menuhin, Oistrakh. Màn trình diễn chung của Kogan với Gilels cũng gây thích thú.
Một vụ việc gây cười đã xảy ra ở New Zealand được tờ Sun mô tả một cách hài hước. Một đội bóng đá ở cùng khách sạn với Kogan. Để chuẩn bị cho buổi biểu diễn, Kogan đã làm việc cả buổi tối. Đến 23 giờ đêm, một trong những người chơi chuẩn bị đi ngủ, tức giận nói với nhân viên lễ tân: “Bảo người chơi vĩ cầm sống ở cuối hành lang đừng chơi nữa”.
"Thưa ông," người khuân vác trả lời một cách phẫn nộ, "đó là cách ông nói về một trong những nghệ sĩ vĩ cầm vĩ đại nhất thế giới!"
Không thực hiện được yêu cầu từ người khuân vác, các cầu thủ đã đến Kogan. Đội phó của đội không biết rằng Kogan không nói tiếng Anh và đã nói với anh ta bằng “các từ ngữ thuần túy của Úc” sau đây:
- Này, anh trai, anh sẽ không ngừng chơi với balalaika của mình chứ? Nào, cuối cùng, hãy quấn lại và để chúng tôi ngủ.
Không hiểu gì và tin rằng anh ấy đang giao dịch với một người yêu nhạc khác, người yêu cầu chơi một thứ gì đó đặc biệt cho anh ấy, Kogan đã “ân cần đáp lại yêu cầu“ làm tròn ”bằng cách trình diễn đầu tiên một bản cadenza rực rỡ, và sau đó là một bản nhạc Mozart vui vẻ. Đội bóng rút lui trong tâm trạng hỗn loạn ”.
Kogan quan tâm đến âm nhạc Liên Xô là đáng kể. Anh liên tục chơi các bản hòa tấu của Shostakovich và Khachaturian. T. Khrennikov, M. Weinberg, buổi hòa nhạc “Rhapsody” của A. Khachaturian, Sonata của A. Nikolaev, “Aria” của G. Galynin đã dành tặng các buổi hòa nhạc của họ cho ông.
Kogan đã biểu diễn cùng những nhạc sĩ vĩ đại nhất thế giới - nhạc trưởng Pierre Monte, Charles Munsch, Charles Bruck, nghệ sĩ dương cầm Emil Gilels, Arthur Rubinstein, và những người khác. Kogan nói: “Tôi thực sự thích chơi với Arthur Rubinstein. “Lần nào cũng mang lại niềm vui lớn. Ở New York, tôi có may mắn được chơi hai bản sonata của Brahms và Bản tình ca thứ tám của Beethoven với anh ấy vào đêm giao thừa. Tôi bị ấn tượng bởi cảm giác hòa quyện và nhịp điệu của nghệ sĩ này, khả năng của anh ấy ngay lập tức thâm nhập vào bản chất của ý định của tác giả… “
Kogan cũng thể hiện mình là một giáo viên tài năng, giáo sư tại Nhạc viện Moscow. Những người sau lớn lên trong lớp của Kogan: nghệ sĩ vĩ cầm Nhật Bản Ekko Sato, người đã giành được danh hiệu hoa khôi của Cuộc thi Tchaikovsky Quốc tế lần thứ III tại Moscow năm 1966; Các nghệ sĩ vĩ cầm Nam Tư A. Stajic, V. Shkerlak và những người khác. Giống như lớp học của Oistrakh, lớp học của Kogan thu hút sinh viên đến từ các quốc gia khác nhau.
Nghệ sĩ Nhân dân Liên Xô Kogan năm 1965 đã được trao tặng danh hiệu cao quý của Giải thưởng Lê-nin.
Tôi muốn kết thúc bài luận về nhạc sĩ-nghệ sĩ tuyệt vời này bằng lời của D. Shostakovich: “Bạn cảm thấy biết ơn sâu sắc đến ông ấy vì niềm vui mà bạn được trải nghiệm khi được bước vào thế giới âm nhạc tươi sáng tuyệt vời cùng với nghệ sĩ vĩ cầm. ”
L. Raaben, 1967
Trong những năm 1960-1970, Kogan đã nhận được tất cả các danh hiệu và giải thưởng có thể. Ông được trao tặng danh hiệu Giáo sư và Nghệ sĩ Nhân dân của RSFSR và Liên Xô, và Giải thưởng Lenin. Năm 1969, nhạc sĩ được bổ nhiệm làm trưởng khoa violin của Nhạc viện Matxcova. Một số bộ phim được thực hiện về nghệ sĩ vĩ cầm.
Hai năm cuối đời của Leonid Borisovich Kogan là những màn trình diễn đặc biệt sôi động. Anh ta phàn nàn rằng anh ta không có thời gian để nghỉ ngơi.
Năm 1982, buổi ra mắt tác phẩm cuối cùng của Kogan, Bốn mùa của A. Vivaldi, đã diễn ra. Cùng năm, nhạc trưởng đứng đầu ban giám khảo gồm các nghệ sĩ vĩ cầm tại PI quốc tế Tchaikovsky lần thứ VII. Anh tham gia quay một bộ phim về Paganini. Kogan được bầu làm Viện sĩ danh dự của Học viện Quốc gia Ý “Santa Cecilia”. Anh lưu diễn ở Tiệp Khắc, Ý, Nam Tư, Hy Lạp, Pháp.
Vào ngày 11-15 tháng 17, buổi hòa nhạc cuối cùng của nghệ sĩ vĩ cầm đã diễn ra tại Vienna, nơi ông biểu diễn bản Concerto của Beethoven. Vào ngày XNUMX tháng XNUMX, Leonid Borisovich Kogan đột ngột qua đời trên đường từ Moscow đến các buổi hòa nhạc ở Yaroslavl.
Bậc thầy đã để lại nhiều học trò - những người đoạt giải toàn Liên minh và các cuộc thi quốc tế, các nghệ sĩ biểu diễn nổi tiếng và các giáo viên: V. Zhuk, N. Yashvili, S. Kravchenko, A. Korsakov, E. Tatevosyan, I. Medvedev, I. Kaler và những người khác. Các nghệ sĩ vĩ cầm nước ngoài học với Kogan: E. Sato, M. Fujikawa, I. Flory, A. Shestakova.
