Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudio Monteverdi

Monteverdi. Cantate domino

Monteverdi bảo vệ quyền cảm xúc và tự do trong âm nhạc. Bất chấp sự phản đối của những người bảo vệ các quy tắc, anh ấy đã phá vỡ những xiềng xích mà âm nhạc đã vướng vào chính nó, và muốn nó từ giờ trở đi chỉ tuân theo tiếng gọi của trái tim. R Rollan

Tác phẩm của nhà soạn nhạc opera người Ý C. Monteverdi là một trong những hiện tượng độc đáo trong văn hóa âm nhạc thế kỷ XNUMX. Với sự quan tâm đến con người, những đam mê và đau khổ của anh ta, Monteverdi là một nghệ sĩ thời Phục hưng thực thụ. Không ai trong số các nhà soạn nhạc thời bấy giờ có thể thể hiện bằng âm nhạc cảm giác bi thảm của cuộc sống theo cách như vậy, để tiến gần hơn đến việc hiểu được sự thật của nó, để bộc lộ bản chất nguyên thủy của tính cách con người theo cách như vậy.

Monteverdi sinh ra trong một gia đình bác sĩ. Các nghiên cứu âm nhạc của ông được hướng dẫn bởi M. Ingenieri, một nhạc sĩ giàu kinh nghiệm, chỉ huy ban nhạc của Nhà thờ Cremona. Ông đã phát triển kỹ thuật đa âm của nhà soạn nhạc tương lai, giới thiệu cho ông những tác phẩm hợp xướng hay nhất của G. Palestrina và O. Lasso. Moiteverdi bắt đầu sáng tác sớm. Ngay từ đầu những năm 1580. bộ sưu tập đầu tiên gồm các tác phẩm đa âm giọng hát (madrigals, motets, cantatas) đã được xuất bản, và đến cuối thập kỷ này, ông trở thành nhà soạn nhạc nổi tiếng ở Ý, thành viên của Học viện Địa điểm Cecilia ở Rome. Từ năm 1590, Monteverdi phục vụ trong nhà nguyện cung đình của Công tước xứ Mantua (đầu tiên là thành viên dàn nhạc và ca sĩ, sau đó là chỉ huy ban nhạc). Tòa án tươi tốt, giàu có Vincenzo Gonzaga đã thu hút những lực lượng nghệ thuật giỏi nhất thời bấy giờ. Rất có thể, Monteverdi có thể gặp nhà thơ vĩ đại người Ý T. Tasso, nghệ sĩ người Flemish P. Rubens, thành viên của đoàn quay phim Florentine nổi tiếng, tác giả của những vở opera đầu tiên – J. Peri, O. Rinuccini. Đồng hành cùng Công tước trong các chuyến công du và chiến dịch quân sự thường xuyên, nhà soạn nhạc đã tới Praha, Viên, Innsbruck và Antwerp. Vào tháng 1607 năm 1608, vở opera đầu tiên của Monteverdi, Orpheus (libretto của A. Strigio), được dàn dựng thành công rực rỡ ở Mantua. Monteverdi đã biến một vở kịch mục vụ dành cho các lễ hội trong cung điện thành một vở kịch thực sự về số phận đau khổ và bi thảm của Orpheus, về vẻ đẹp bất tử trong nghệ thuật của ông. (Monteverdi và Striggio giữ nguyên phiên bản bi thảm của đoạn kết của thần thoại – Orpheus, rời vương quốc của người chết, vi phạm lệnh cấm, nhìn lại Eurydice và mất cô ấy mãi mãi.) “Orpheus” nổi bật bởi vô số phương tiện gây ngạc nhiên cho một thời kỳ đầu công việc. Lời tuyên bố biểu cảm và cantilena rộng, dàn hợp xướng và hòa tấu, múa ba lê, phần dàn nhạc được phát triển phục vụ để thể hiện một ý tưởng trữ tình sâu sắc. Chỉ có một cảnh trong vở opera thứ hai của Monteverdi, Ariadne (XNUMX), còn tồn tại cho đến ngày nay. Đây là "Lời than thở của Ariadne" nổi tiếng ("Hãy để tôi chết ..."), được dùng làm nguyên mẫu cho nhiều aria lamento (arias phàn nàn) trong vở opera của Ý. (Lời than thở của Ariadne được biết đến với hai phiên bản – dành cho giọng độc tấu và ở dạng một madrigal năm giọng.)

Năm 1613, Monteverdi chuyển đến Venice và cho đến cuối đời, ông vẫn phục vụ Kapellmeister tại Nhà thờ St. Đời sống âm nhạc phong phú của Venice đã mở ra những cơ hội mới cho nhà soạn nhạc. Monteverdi viết các vở opera, ballet, interlude, madrigals, âm nhạc cho các lễ hội của nhà thờ và cung đình. Một trong những tác phẩm độc đáo nhất trong những năm này là cảnh kịch tính Cuộc đấu tay đôi của Tancred và Clorinda, dựa trên văn bản trong bài thơ “Jerusalem được giải phóng” của T. Tasso, kết hợp đọc (phần Người kể chuyện), diễn xuất (phần phần ngâm thơ của Tancred và Clorinda) và một dàn nhạc mô tả quá trình đấu tay đôi, tiết lộ bản chất cảm xúc của cảnh. Liên quan đến “Duel”, Monteverdi đã viết về phong cách mới của concitato (phấn khích, kích động), tương phản nó với phong cách “mềm mại, ôn hòa” đang thịnh hành vào thời điểm đó.

Nhiều người trong số các madrigal của Monteverdi cũng được phân biệt bởi tính cách kịch tính, biểu cảm rõ ràng (bộ sưu tập cuối cùng, thứ tám về các madrigal, 1638, được tạo ra ở Venice). Trong thể loại thanh nhạc đa âm này, phong cách của nhà soạn nhạc đã được hình thành và việc lựa chọn các phương tiện biểu đạt đã diễn ra. Ngôn ngữ hài hòa của madrigal đặc biệt nguyên bản (so sánh âm đậm, hợp âm sắc, nghịch âm, v.v.). Vào cuối những năm 1630 - đầu những năm 40. tác phẩm opera của Monteverdi đạt đến đỉnh cao (“Ulysses trở về quê hương” – 1640, “Adonis” – 1639, “Đám cưới của Aeneas và Lavinia” – 1641; 2 vở opera cuối cùng không được bảo tồn).

Năm 1642, Monteverdi's The Coronation of Poppea được dàn dựng tại Venice (libretto của F. Businello dựa trên Biên niên sử của Tacitus). Vở opera cuối cùng của nhà soạn nhạc 75 tuổi đã trở thành một đỉnh cao thực sự, là kết quả của con đường sáng tạo của ông. Các nhân vật lịch sử cụ thể, ngoài đời thực, hành động trong đó – hoàng đế La Mã Nero, người được biết đến với sự xảo quyệt và độc ác, người thầy của ông – nhà triết học Seneca. Phần lớn trong The Coronation gợi ý sự tương đồng với những bi kịch của nhà soạn nhạc đương thời xuất sắc, W. Shakespeare. Sự cởi mở và mãnh liệt của đam mê, sự tương phản sắc nét, thực sự kiểu “Shakespeare” của những cảnh cao siêu và thể loại, hài kịch. Vì vậy, lời chia tay của Seneca với các học sinh – đỉnh điểm bi thảm của oaera – được thay thế bằng một đoạn kết vui vẻ của một trang và một người hầu gái, và sau đó một cuộc truy hoan thực sự bắt đầu – Nero và những người bạn của anh ta chế giễu giáo viên, ăn mừng cái chết của anh ta.

R. Rolland đã viết về Monteverdi: “Luật duy nhất của anh ấy là chính cuộc sống. Với lòng dũng cảm khám phá, công trình của Monteverdi đã đi trước thời đại rất nhiều. Nhà soạn nhạc đã nhìn thấy trước một tương lai rất xa của sân khấu nhạc kịch: chủ nghĩa hiện thực của vở kịch opera của WA Mozart, G. Verdi, M. Mussorgsky. Có lẽ đó là lý do tại sao số phận của các tác phẩm của ông rất đáng ngạc nhiên. Trong nhiều năm, họ vẫn chìm trong quên lãng và chỉ sống lại trong thời đại của chúng ta.

I. Okhalova

Con trai của một bác sĩ và là anh cả trong năm anh em. Anh học nhạc với MA Ingenieri. Ở tuổi mười lăm, ông đã xuất bản Những giai điệu tâm linh, vào năm 1587 - cuốn sách đầu tiên về những người điên. Năm 1590, tại tòa án của Công tước Mantua, Vincenzo Gonzaga trở thành nghệ sĩ violon và ca sĩ, sau đó là người đứng đầu nhà nguyện. Tháp tùng công tước tới Hungary (trong chiến dịch Thổ Nhĩ Kỳ) và Flanders. Năm 1595, ông kết hôn với ca sĩ Claudia Cattaneo, người sẽ sinh cho ông ba người con trai; cô ấy sẽ chết vào năm 1607 ngay sau chiến thắng của Orpheus. Kể từ năm 1613 - một chức vụ suốt đời của người đứng đầu nhà nguyện ở Cộng hòa Venice; sáng tác thánh nhạc, những cuốn sách cuối cùng của madrigal, các tác phẩm kịch, hầu hết đã bị thất lạc. Khoảng năm 1632, ông nhận chức linh mục.

Tác phẩm hoạt động của Monteverdi có một nền tảng rất vững chắc, là thành quả của kinh nghiệm trước đây trong việc sáng tác nhạc kịch và nhạc thánh, những thể loại mà bậc thầy người Cremon đã đạt được những kết quả không thể so sánh được. Các giai đoạn chính trong hoạt động sân khấu của anh ấy - ít nhất, dựa trên những gì đã xảy ra với chúng tôi - dường như là hai thời kỳ được phân biệt rõ ràng: Mantua vào đầu thế kỷ và Venice, rơi vào giữa nó.

Không còn nghi ngờ gì nữa, “Orpheus” là tuyên bố nổi bật nhất ở Ý về phong cách thanh nhạc và kịch tính của đầu thế kỷ XVII. Tầm quan trọng của nó được xác định bởi tính sân khấu, sự bão hòa tuyệt vời của các hiệu ứng, bao gồm cả những lời kêu gọi và câu thần chú của dàn nhạc, nhạy cảm, trong đó phần đọc tụng thánh ca Florentine (rất phong phú với những thăng trầm cảm xúc) dường như đang phải vật lộn với vô số phần chèn điên cuồng, để giọng hát của Orpheus là một ví dụ gần như kinh điển về sự cạnh tranh của họ.

Trong các vở opera cuối cùng của thời kỳ Venice, được viết hơn ba mươi năm sau, người ta có thể cảm nhận được những thay đổi phong cách khác nhau đã diễn ra trong thể loại tình cảm của Ý (đặc biệt là sau sự nở rộ của trường phái La Mã) và những thay đổi tương ứng trong các phương tiện biểu đạt, tất cả đều được trình bày và kết hợp với sự tự do tuyệt vời trong một bức tranh kịch tính rất rộng, thậm chí còn hoang phí. Các đoạn hợp xướng được loại bỏ hoặc giảm đáng kể, phát sinh và ngâm thơ được kết hợp linh hoạt và chức năng tùy thuộc vào nhu cầu của bộ phim, trong khi các hình thức khác, phát triển hơn và đối xứng, với các chuyển động nhịp nhàng rõ ràng hơn, được đưa vào kiến ​​​​trúc sân khấu, dự đoán kỹ thuật tự trị hóa tiếp theo ngôn ngữ hoạt động, giới thiệu, có thể nói, các mô hình và kế hoạch chính thức, độc lập hơn với các yêu cầu luôn thay đổi của đối thoại thơ ca.

Tuy nhiên, Monteverdi, tất nhiên, không có nguy cơ rời xa văn bản thơ, vì ông luôn trung thực với những ý tưởng của mình về bản chất và mục đích của âm nhạc với tư cách là người hầu của thơ, giúp phần sau thể hiện khả năng đặc biệt của nó. tình cảm của con người.

Chúng ta không được quên rằng ở Venice, nhà soạn nhạc đã tìm thấy một bầu không khí thuận lợi cho một bản libretto với những cốt truyện lịch sử tiến triển trên con đường tìm kiếm “sự thật”, hoặc trong mọi trường hợp, với những cốt truyện có lợi cho nghiên cứu tâm lý.

Đáng nhớ là vở opera thính phòng nhỏ của Monteverdi “Cuộc đấu tay đôi của Tancred và Clorinda” theo văn bản của Torquato Tasso - trên thực tế, một vở kịch theo phong cách tranh ảnh; được đặt trong nhà của Bá tước Girolamo Mocenigo trong lễ hội hóa trang năm 1624, anh ấy đã khiến khán giả phấn khích đến mức “suýt rơi nước mắt”. Đây là sự kết hợp giữa oratorio và ballet (các sự kiện được mô tả trong kịch câm), trong đó nhà soạn nhạc vĩ đại thiết lập mối liên hệ chặt chẽ, bền bỉ và chính xác giữa thơ ca và âm nhạc theo phong cách ngâm thơ du dương thuần khiết nhất. Ví dụ điển hình nhất về thơ được phổ nhạc, gần như là âm nhạc đối thoại, “Duel” bao gồm những khoảnh khắc tuyệt vời và cao siêu, thần bí và gợi cảm, trong đó âm thanh gần như trở thành một cử chỉ tượng hình. Trong phần cuối, một loạt hợp âm ngắn biến thành một "chính" rạng rỡ, trong đó phần điều chế kết thúc mà không có âm đầu cần thiết, trong khi giọng hát biểu diễn cadenza trên một nốt không có trong hợp âm, vì tại thời điểm này một bức tranh về một thế giới mới, khác mở ra. Vẻ xanh xao của Clorinda đang hấp hối báo hiệu niềm hạnh phúc.

G. Marchesi (dịch bởi E. Greceanii)