Anatoly Ivanovich Orfenov |

Anatoly Orfenov

Giọng nam cao người Nga Anatoly Ivanovich Orfenov sinh năm 1908 trong một gia đình linh mục ở làng Sushki, tỉnh Ryazan, không xa thị trấn Kasimov, dinh thự cổ của các hoàng tử Tatar. Gia đình có tám người con. Mọi người đã hát. Nhưng Anatoly là người duy nhất, bất chấp mọi khó khăn, trở thành ca sĩ chuyên nghiệp. “Chúng tôi sống với đèn dầu,” ca sĩ nhớ lại, “chúng tôi không có bất kỳ hoạt động giải trí nào, chỉ mỗi năm một lần, vào dịp Giáng sinh, các buổi biểu diễn nghiệp dư được tổ chức. Chúng tôi có một chiếc máy hát mà chúng tôi bắt đầu sử dụng vào những ngày nghỉ, và tôi đã nghe các đĩa hát của Sobinov, Sobinov là nghệ sĩ yêu thích của tôi, tôi muốn học hỏi từ anh ấy, tôi muốn bắt chước anh ấy. Liệu chàng trai trẻ có thể tưởng tượng rằng chỉ vài năm nữa anh ta sẽ may mắn được gặp Sobinov, được làm việc với anh ta trong những phần opera đầu tiên của anh ta.

Người cha của gia đình qua đời vào năm 1920, và dưới chế độ mới, con cái của một giáo sĩ không được học cao hơn.

Năm 1928, Orfenov đến Moscow, và nhờ sự quan phòng nào đó của Chúa, ông đã vào được cùng một lúc hai trường kỹ thuật - sư phạm và âm nhạc buổi tối (nay là Học viện Ippolitov-Ivanov). Anh học thanh nhạc trong lớp của người thầy tài năng Alexander Akimovich Pogorelsky, một tín đồ của trường phái bel canto của Ý (Pogorelsky là học trò của Camillo Everardi), và Anatoly Orfenov đã có đủ kho kiến ​​​​thức chuyên môn này cho đến cuối đời. Sự hình thành của ca sĩ trẻ diễn ra trong giai đoạn đổi mới mạnh mẽ của sân khấu opera, khi phong trào phòng thu trở nên rộng rãi, đối lập với hướng hàn lâm bán chính thức của các nhà hát nhà nước. Tuy nhiên, trong lòng của cùng Bolshoi và Mariinsky, có một sự ngầm hiểu lại những truyền thống cũ. Những tiết lộ sáng tạo của thế hệ giọng nam cao Liên Xô đầu tiên, do Kozlovsky và Lemeshev dẫn đầu, đã thay đổi hoàn toàn nội dung của vai trò “giọng nam cao trữ tình”, trong khi ở St. Petersburg, Pechkovsky đã khiến chúng ta nhìn nhận cụm từ “giọng nam cao kịch tính” theo một cách mới. Orfenov, người bước vào cuộc đời sáng tạo của mình, ngay từ những bước đầu tiên đã không bị lạc giữa những cái tên như vậy, bởi vì anh hùng của chúng ta có một phức hợp cá nhân độc lập, một bảng phương tiện biểu đạt riêng, do đó là “một người có biểu hiện không chung chung”.

Đầu tiên, vào năm 1933, ông tìm cách vào được dàn hợp xướng của Nhà hát Opera-Studio dưới sự chỉ đạo của KS Stanislavsky (studio được đặt tại nhà của Stanislavsky ở Leontievsky Lane, sau đó chuyển đến Bolshaya Dmitrovka đến cơ sở cũ của operetta). Gia đình rất sùng đạo, bà ngoại phản đối mọi cuộc sống thế tục, và Anatoly đã giấu mẹ trong một thời gian dài rằng anh làm việc trong nhà hát. Khi anh ấy báo cáo điều này, cô ấy đã rất ngạc nhiên: “Tại sao lại ở trong ca đoàn?” Nhà cải cách vĩ đại của sân khấu Nga Stanislavsky và giọng nam cao vĩ đại của đất Nga Sobinov, người không còn hát nữa và là cố vấn thanh nhạc tại Phòng thu, đã chú ý đến một chàng trai trẻ cao và đẹp trai trong dàn hợp xướng, không chỉ chú ý đến giọng hát này, mà còn cho sự siêng năng và khiêm tốn của chủ sở hữu của nó. Vì vậy, Orfenov đã trở thành Lensky trong màn trình diễn nổi tiếng của Stanislavsky; vào tháng 1935 năm XNUMX, chính ông chủ đã giới thiệu ông với buổi biểu diễn, cùng với những nghệ sĩ biểu diễn mới khác. (Những khoảnh khắc xuất sắc nhất của vận mệnh nghệ thuật sẽ tiếp tục được kết nối với hình ảnh của Lensky – buổi ra mắt tại Chi nhánh của Nhà hát Bolshoi, và sau đó là trên sân khấu chính của Bolshoi). Leonid Vitalievich đã viết cho Konstantin Sergeevich: “Tôi đã ra lệnh cho Orfenov, người có giọng hát đáng yêu, khẩn trương chuẩn bị cho Lensky, ngoại trừ Ernesto từ Don Pasquale. Và sau đó: “Anh ấy đã cho tôi Orfen Lensky ở đây, và rất tốt.” Stanislavsky đã dành rất nhiều thời gian và sự chú ý cho người ra mắt, bằng chứng là bản ghi các buổi diễn tập và hồi ký của chính nghệ sĩ: “Konstantin Sergeevich đã nói chuyện với tôi hàng giờ. Về cái gì? Về những bước đầu tiên của tôi trên sân khấu, về sức khỏe của tôi trong vai diễn này hay vai diễn kia, về những nhiệm vụ và hành động thể chất mà anh ấy chắc chắn đã đưa vào điểm số của vai diễn, về sự giải phóng cơ bắp, về đạo đức của một diễn viên trong cuộc sống và trên sân khấu. Đó là một công việc giáo dục tuyệt vời, và tôi vô cùng biết ơn giáo viên của mình vì điều đó.”

Làm việc với những bậc thầy lớn nhất của nghệ thuật Nga cuối cùng đã hình thành nên tính cách nghệ sĩ của người nghệ sĩ. Orfenov nhanh chóng chiếm vị trí hàng đầu trong đoàn kịch của Nhà hát Opera Stanislavsky. Khán giả bị thu hút bởi sự tự nhiên, chân thành và giản dị trong cách ứng xử của anh trên sân khấu. Anh ấy chưa bao giờ là một “người viết mã âm thanh ngọt ngào”, bản thân âm thanh chưa bao giờ đóng vai trò là dấu chấm hết cho ca sĩ. Orfenov luôn đến từ âm nhạc và lời hứa hôn với nó, trong sự kết hợp này, anh ấy đã tìm kiếm những nút thắt kịch tính cho các vai diễn của mình. Trong nhiều năm, Stanislavsky nuôi dưỡng ý tưởng dàn dựng vở Rigoletto của Verdi, và vào năm 1937-38. họ đã có tám buổi diễn tập. Tuy nhiên, vì một số lý do (bao gồm, có lẽ, những lý do mà Bulgakov viết dưới dạng ngụ ngôn kỳ cục trong The Theater Novel), công việc sản xuất đã bị đình chỉ và buổi biểu diễn được phát hành sau cái chết của Stanislavsky dưới sự chỉ đạo của Meyerhold , giám đốc chính của nhà hát lúc bấy giờ. Tác phẩm về “Rigoletto” thú vị như thế nào có thể được đánh giá từ hồi ký của Anatoly Orfenov “Những bước đầu tiên”, được đăng trên tạp chí “Âm nhạc Liên Xô” (1963, số 1).

cố gắng thể hiện trên sân khấu “cuộc sống của tinh thần con người” … Điều quan trọng hơn nhiều đối với anh ấy là thể hiện cuộc đấu tranh của “những kẻ bị sỉ nhục và bị xúc phạm” – Gilda và Rigoletto, hơn là khiến khán giả ngạc nhiên với hàng chục nốt nhạc tuyệt đẹp của các ca sĩ và sự tráng lệ của khung cảnh … Anh ấy đưa ra hai lựa chọn cho hình ảnh của Công tước. Odin là một kẻ dâm đãng khiêu gợi, bề ngoài giống Francis I, do V. Hugo thể hiện trong bộ phim truyền hình The King Amuses. Người còn lại là một chàng trai trẻ đẹp trai, quyến rũ, say đắm nữ bá tước Ceprano, Gilda giản dị và Maddalena không kém.

Trong bức ảnh đầu tiên, khi bức màn được kéo lên, Công tước đang ngồi trên hiên phía trên của lâu đài bên bàn, theo cách diễn đạt tượng hình của Konstantin Sergeevich, “xếp hàng” với các quý cô … Điều gì có thể khó khăn hơn đối với một ca sĩ trẻ. không có kinh nghiệm sân khấu, làm sao đứng giữa sân khấu mà hát cái gọi là “aria đeo găng”, tức là khúc ballad của Công tước? Tại Stanislavsky's, Công tước hát một bản ballad giống như một bài hát uống rượu. Konstantin Sergeevich đã giao cho tôi một loạt các nhiệm vụ thể chất, hay có lẽ nói đúng hơn là các hành động thể chất: đi quanh bàn, cụng ly với các quý cô. Anh ấy yêu cầu tôi có thời gian để trao đổi ánh mắt với từng người trong số họ trong bản ballad. Bằng cách này, anh ấy đã bảo vệ nghệ sĩ khỏi "khoảng trống" trong vai diễn. Không có thời gian để nghĩ về “âm thanh”, về công chúng.

Một sự đổi mới khác của Stanislavsky trong màn đầu tiên là cảnh Công tước Rigoletto quất roi, sau khi ông ta “xúc phạm” Bá tước Ceprano … Cảnh này không hợp với tôi, vụ đánh roi hóa ra là “vở opera”, tức là nó thật khó tin vào điều đó, và tại các buổi diễn tập, tôi đã phải lòng cô ấy nhiều hơn nữa.

Trong màn thứ hai trong màn song ca, Gilda trốn sau cửa sổ nhà cha cô, và nhiệm vụ mà Stanislavsky đặt ra cho Công tước là dụ cô ra khỏi đó, hoặc ít nhất là bắt cô nhìn ra ngoài cửa sổ. Công tước giấu một bó hoa dưới áo choàng. Từng bông hoa một, anh ấy đưa chúng cho Gilda qua cửa sổ. (Bức ảnh nổi tiếng bên cửa sổ đã được đưa vào tất cả các biên niên sử opera – A.Kh.). Trong màn thứ ba, Stanislavsky muốn thể hiện Công tước là một người đàn ông của thời điểm và tâm trạng. Khi các cận thần nói với Công tước rằng “cô gái đang ở trong cung điện của ngài” (bản dịch là bản dịch tiếng Nga khác với bản dịch được chấp nhận chung – A.Kh.), anh ta hoàn toàn biến đổi, anh ta hát một bản aria khác, hầu như không bao giờ được biểu diễn Trong nhà hát. Bản aria này rất khó, và mặc dù không có nốt nào cao hơn quãng tám thứ hai trong đó, nhưng nó rất căng thẳng trong tessitura.

Cùng với Stanislavsky, người đã chiến đấu không mệt mỏi chống lại ma cà rồng hoạt động, Orfenov cũng đã thể hiện các vai Lykov trong Cô dâu của Sa hoàng, Kẻ khờ khạo trong Boris Godunov, Almaviva trong Thợ cắt tóc ở Seville, và Bakhshi trong Hẻm núi Darvaz của Lev Stepanov. Và anh ấy sẽ không bao giờ rời rạp nếu Stanislavsky không chết. Sau cái chết của Konstantin Sergeevich, việc sáp nhập với Nhà hát Nemirovich-Danchenko bắt đầu (đây là hai nhà hát hoàn toàn khác nhau và số phận trớ trêu là chúng lại được kết nối với nhau). Trong thời gian "khó khăn" này, Orfenov, đã là một nghệ sĩ ưu tú của RSFSR, đã tham gia vào một số tác phẩm mang tính thời đại của Nemirovich, hát Paris trong "Beautiful Elena" (may mắn thay, buổi biểu diễn này đã được ghi lại trên đài phát thanh vào năm 1948 ), nhưng về mặt tinh thần, anh ấy vẫn là một Stanislav thực thụ. Do đó, quá trình chuyển đổi của ông vào năm 1942 từ Nhà hát Stanislavsky và Nemirovich-Danchenko sang Bolshoi đã được định trước bởi chính số phận. Mặc dù Sergei Yakovlevich Lemeshev trong cuốn sách “Con đường đến với nghệ thuật” bày tỏ quan điểm rằng những ca sĩ xuất sắc (chẳng hạn như Pechkovsky và chính anh) đã rời bỏ Stanislavsky vì cảm giác gò bó và với hy vọng cải thiện kỹ năng thanh nhạc trong không gian rộng hơn. Trong trường hợp của Orfenov, rõ ràng, điều này không hoàn toàn đúng.

Sự không hài lòng về sáng tạo vào đầu những năm 40 đã buộc anh ta phải “làm dịu cơn đói” “ở bên”, và vào mùa giải 1940/41, Orfenov đã nhiệt tình cộng tác với Đoàn nhạc kịch Nhà nước Liên Xô dưới sự chỉ đạo của IS Kozlovsky. Giọng nam cao tinh thần “châu Âu” nhất của thời Xô Viết sau đó bị ám ảnh bởi những ý tưởng về một buổi biểu diễn opera trong một buổi biểu diễn hòa nhạc (ngày nay những ý tưởng này đã tìm thấy một hiện thân rất hiệu quả ở phương Tây dưới hình thức được gọi là bán dàn dựng , "bán biểu diễn" không có cảnh và trang phục, nhưng có tương tác diễn xuất) và với tư cách là đạo diễn, ông đã dàn dựng các tác phẩm của Werther, Orpheus, Pagliatsev, Mozart và Salieri, Arkas 'Katerina và Natalka-Poltavka của Lysenko. Ivan Semenovich sau này nhớ lại: “Chúng tôi mơ ước tìm được một hình thức biểu diễn opera mới, nền tảng của nó là âm thanh chứ không phải cảnh tượng. Tại buổi ra mắt, Kozlovsky đã tự mình hát những phần chính, nhưng trong tương lai, anh ấy cần sự giúp đỡ. Vì vậy, Anatoly Orfenov đã hát phần lôi cuốn của Werther bảy lần, cũng như Mozart và Beppo trong Pagliacci (bản serenade của Harlequin phải được mã hóa 2-3 lần). Các buổi biểu diễn được dàn dựng tại Hội trường lớn của Nhạc viện, Nhà khoa học, Nhà nghệ sĩ trung tâm và Khuôn viên trường. Than ôi, sự tồn tại của quần thể là rất ngắn ngủi.

Quân sự năm 1942. Người Đức đang đến. đánh bom. Sự lo ngại. Các nhân viên chính của Nhà hát Bolshoi đã được sơ tán đến Kuibyshev. Và ở Moscow hôm nay họ đang chơi màn đầu tiên, ngày mai họ sẽ chơi vở opera đến cùng. Trong thời gian lo lắng như vậy, Orfenov bắt đầu được mời đến Bolshoi: lần đầu tiên một lần, sau đó một chút, như một phần của đoàn kịch. Khiêm tốn, đòi hỏi cao ở bản thân, từ thời Stanislavsky, anh đã có thể cảm nhận được tất cả những gì tốt nhất từ ​​​​đồng đội của mình trên sân khấu. Và đã có người nhận ra điều đó – toàn bộ kho giọng hát vàng của Nga khi đó đang hoạt động bình thường, do Obukhova, Barsova, Maksakova, Reizen, Pirogov và Khanaev dẫn đầu. Trong 13 năm phục vụ tại Bolshoi, Orfenov có cơ hội làm việc với XNUMX nhạc trưởng: Samuil Samosud, Ariy Pazovsky, Nikolai Golovanov và Alexander Melik-Pashaev. Đáng buồn thay, nhưng thời đại ngày nay không thể tự hào về sự hùng vĩ và tráng lệ như vậy.

Cùng với hai đồng nghiệp thân cận nhất của mình, giọng nam cao trữ tình Solomon Khromchenko và Pavel Chekin, Orfenov đã xếp hàng “thứ hai” trong bảng xếp hạng sân khấu ngay sau Kozlovsky và Lemeshev. Hai kỳ hạn đối thủ này đã tận hưởng một tình yêu phổ biến cuồng nhiệt thực sự toàn diện, gần giống với sự tôn thờ thần tượng. Chỉ cần nhớ lại những trận chiến sân khấu khốc liệt giữa quân đội của “Kazlovites” và “Lemeshists” để tưởng tượng việc không bị lạc và hơn nữa, giành một vị trí xứng đáng trong bối cảnh giọng nam cao này cho bất kỳ ca sĩ mới nào tương tự là đủ. vai diễn. Và thực tế là bản chất nghệ thuật của Orfenov gần gũi về mặt tinh thần với sự khởi đầu chân thành, “Yesenin” trong nghệ thuật của Lemeshev không cần bằng chứng đặc biệt, cũng như việc ông đã vinh dự vượt qua bài kiểm tra so sánh không thể tránh khỏi với các giọng nam cao thần tượng. Đúng vậy, các buổi ra mắt hiếm khi được tổ chức, và các buổi biểu diễn có sự hiện diện của Stalin thậm chí còn ít được tổ chức hơn. Nhưng bạn luôn được hoan nghênh hát bằng cách thay thế (nhật ký của nghệ sĩ có đầy đủ các ghi chú “Thay cho Kozlovsky”, “Thay cho Lemeshev. Báo cáo lúc 4 giờ chiều”; chính Lemeshev Orfenov là người thường xuyên được bảo hiểm nhất). Nhật ký của Orfenov, trong đó nghệ sĩ viết nhận xét về từng buổi biểu diễn của mình, có thể không có giá trị văn học lớn, nhưng chúng là một tài liệu vô giá của thời đại – chúng ta không chỉ có cơ hội cảm nhận ý nghĩa của việc ở trong “thế giới thứ hai”. hàng” và đồng thời nhận được sự hài lòng vui vẻ từ công việc của mình, nhưng quan trọng nhất là trình bày cuộc sống của Nhà hát Bolshoi từ năm 1942 đến năm 1955, không phải dưới góc độ diễu hành chính thức, mà từ quan điểm của công việc bình thường ngày. Họ đã viết về các buổi ra mắt trên tờ Pravda và trao Giải thưởng Stalin cho họ, nhưng chính dàn diễn viên thứ hai hoặc thứ ba mới hỗ trợ hoạt động bình thường của các buổi biểu diễn trong thời kỳ hậu công chiếu. Anatoly Ivanovich Orfenov chính là một công nhân đáng tin cậy và không mệt mỏi của Bolshoi.

Đúng vậy, anh ấy cũng đã nhận được Giải thưởng Stalin của mình – cho Vasek trong Cô dâu bị đổi chác của Smetana. Đó là màn trình diễn huyền thoại của Boris Pokrovsky và Kirill Kondrashin trong bản dịch tiếng Nga của Sergei Mikhalkov. Việc sản xuất được thực hiện vào năm 1948 để kỷ niệm 30 năm thành lập Cộng hòa Tiệp Khắc, nhưng đã trở thành một trong những bộ phim hài được công chúng yêu thích nhất và tồn tại trong các tiết mục trong nhiều năm. Nhiều nhân chứng coi hình ảnh kỳ cục của Vashek là đỉnh cao trong tiểu sử sáng tạo của nghệ sĩ. “Vashek có khối lượng nhân vật phản bội trí tuệ sáng tạo thực sự của tác giả hình ảnh sân khấu – nam diễn viên. Vashek Orfenova là một hình ảnh được tạo ra một cách tinh tế và khéo léo. Chính những khuyết điểm về sinh lý của nhân vật (nói lắp, ngu ngốc) đã được khoác lên sân khấu bộ quần áo tình người, hài hước và quyến rũ” (BA Pokrovsky).

Orfenov được coi là một chuyên gia trong các tiết mục Tây Âu, phần lớn được biểu diễn tại Chi nhánh, vì vậy anh ấy thường phải hát ở đó, trong tòa nhà của Nhà hát Solodovnikovsky trên Bolshaya Dmitrovka (nơi có Nhà hát Opera Mamontov và Nhà hát Opera Zimin tại bước sang thế kỷ 19-20, và hiện đang hoạt động "Moscow Operetta"). Duyên dáng và quyến rũ, bất chấp tính khí thất thường, là Công tước của anh ta ở Rigoletto. Bá tước hào hoa Almaviva đã tỏa sáng với sự tinh tế và hóm hỉnh trong The Barber of Seville (trong vở opera khó với bất kỳ giọng nam cao nào, Orfenov đã lập một loại kỷ lục cá nhân – ông đã hát nó 107 lần). Vai Alfred trong La Traviata được xây dựng dựa trên sự tương phản: một chàng trai trẻ rụt rè trong tình yêu trở thành một kẻ ghen tuông mù quáng vì cáu kỉnh và tức giận, và ở phần cuối của vở opera, anh ta xuất hiện như một người vô cùng yêu thương và ăn năn. Tiết mục của Pháp được thể hiện bởi vở opera truyện tranh Fra Diavolo của Faust và Aubert (phần tiêu đề trong buổi biểu diễn này là tác phẩm cuối cùng trong nhà hát của Lemeshev, cũng như của Orfenov - vai trữ tình của carabinieri đa tình Lorenzo). Anh ấy đã hát Don Ottavio của Mozart trong Don Giovanni và Jacquino của Beethoven trong tác phẩm nổi tiếng Fidelio với Galina Vishnevskaya.

Thư viện ảnh Orfenov của Nga được Lensky mở một cách chính đáng. Giọng hát của ca sĩ có âm sắc nhẹ nhàng, trong trẻo, âm thanh mềm mại và đàn hồi, rất phù hợp với hình ảnh một anh hùng trữ tình trẻ tuổi. Lensky của anh ấy được phân biệt bởi một phức hợp đặc biệt mong manh, bất an trước những cơn bão thế gian. Một cột mốc quan trọng khác là hình ảnh của kẻ ngốc thánh thiện trong "Boris Godunov". Trong buổi biểu diễn mang tính bước ngoặt này của Baratov-Golovanov-Fyodorovsky, Anatoly Ivanovich đã hát trước mặt Stalin lần đầu tiên trong đời vào năm 1947. Một trong những sự kiện "đáng kinh ngạc" của đời sống nghệ thuật cũng liên quan đến tác phẩm này - một ngày nọ, trong Rigoletto , Orfenov được thông báo rằng khi kết thúc vở opera, anh ấy nên từ chi nhánh đến sân khấu chính (5 phút đi bộ) và hát bài Holy Fool. Chính với buổi biểu diễn này, vào ngày 9 tháng 1968 năm 60, đoàn kịch Bolshoi đã tổ chức lễ kỷ niệm 35 năm ngày thành lập nghệ sĩ và XNUMX năm hoạt động sáng tạo của ông. Gennady Rozhdestvensky, người chỉ huy buổi tối hôm đó, đã viết trong “sổ nghĩa vụ”: “Tính chuyên nghiệp muôn năm!” Và người thể hiện vai Boris, Alexander Vedernikov, lưu ý: Orfenov có tài sản quý giá nhất đối với một nghệ sĩ – cảm giác cân đối. Holy Fool của anh ấy là biểu tượng của lương tâm con người, chẳng hạn như nhà soạn nhạc đã hình thành nó.”

Orfenov đã xuất hiện 70 lần trong hình ảnh của Sinodal trong The Demon, một vở opera hiện đã trở thành của hiếm, và vào thời điểm đó là một trong những tiết mục hay nhất. Một chiến thắng nghiêm trọng cho nghệ sĩ cũng là những bữa tiệc như Vị khách Ấn Độ ở Sadko và Sa hoàng Berendey ở Snegurochka. Và ngược lại, theo chính ca sĩ, Bayan trong "Ruslan và Lyudmila", Vladimir Igorevich trong "Prince Igor" và Gritsko trong "Sorochinsky Fair" không để lại dấu vết tươi sáng (nghệ sĩ coi vai cậu bé trong vở opera của Mussorgsky ban đầu "bị thương", vì trong lần biểu diễn đầu tiên trong màn trình diễn này, một vết xuất huyết đã xảy ra ở dây chằng). Nhân vật người Nga duy nhất khiến nam ca sĩ thờ ơ là Lykov trong Cô dâu của Sa hoàng – anh ấy viết trong nhật ký của mình: “Tôi không thích Lykov.” Rõ ràng, việc tham gia các vở opera của Liên Xô cũng không khơi dậy được sự nhiệt tình của nghệ sĩ, tuy nhiên, anh ấy gần như không tham gia vào chúng tại Bolshoi, ngoại trừ vở opera một ngày của Kabalevsky “Dưới Moscow” (Muscovite Vasily thời trẻ), vở opera dành cho trẻ em của Krasev “ Morozko” (Ông nội) và vở opera “Tình bạn vĩ đại” của Muradeli.

Cùng với dân với nước, anh hùng của chúng ta đã không thoát khỏi vòng xoáy của lịch sử. Vào ngày 7 tháng 1947 năm XNUMX, một buổi biểu diễn hoành tráng vở opera Tình bạn vĩ đại của Vano Muradeli đã diễn ra tại Nhà hát Bolshoi, trong đó Anatoly Orfenov biểu diễn phần du dương của người chăn cừu Dzhemal. Điều gì xảy ra tiếp theo, mọi người đều biết – sắc lệnh khét tiếng của Ủy ban Trung ương CPSU. Tại sao chính xác thì vở opera “bài hát” hoàn toàn vô hại này lại là tín hiệu cho sự khởi đầu của một cuộc đàn áp mới đối với “những người theo chủ nghĩa hình thức” Shostakovich và Prokofiev là một câu đố khác về phép biện chứng. Phép biện chứng về số phận của Orfenov cũng không kém phần đáng ngạc nhiên: ông là một nhà hoạt động xã hội vĩ đại, phó Hội đồng đại biểu nhân dân khu vực, đồng thời cả đời giữ niềm tin thiêng liêng vào Chúa, công khai đi nhà thờ và từ chối gia nhập Đảng cộng sản. Thật đáng ngạc nhiên là anh ta không được trồng.

Sau cái chết của Stalin, một cuộc thanh trừng tốt đã được sắp xếp trong nhà hát – một sự thay đổi thế hệ nhân tạo bắt đầu. Và Anatoly Orfenov là một trong những người đầu tiên hiểu rằng đã đến lúc hưởng lương hưu theo thâm niên, mặc dù năm 1955, nghệ sĩ mới 47 tuổi. Ông lập tức nộp đơn xin từ chức. Đó là tài sản quan trọng của anh ấy - ngay lập tức rời khỏi nơi anh ấy không được chào đón.

Sự hợp tác hiệu quả với Đài phát thanh bắt đầu với Orfenov từ những năm 40 – giọng nói của anh ấy hóa ra lại “phát xạ” một cách đáng ngạc nhiên và rất phù hợp với bản ghi âm. Vào thời điểm đó không phải là thời điểm tươi sáng nhất đối với đất nước, khi tuyên truyền toàn trị đang diễn ra sôi nổi, khi không khí tràn ngập những bài phát biểu ăn thịt người của người tố cáo chính tại các phiên tòa bịa đặt, việc phát sóng âm nhạc không chỉ giới hạn trong các cuộc tuần hành của những người đam mê và các bài hát về Stalin , nhưng đề cao tính cổ điển. Nó vang lên nhiều giờ trong ngày, cả khi ghi âm và phát sóng từ các phòng thu và phòng hòa nhạc. Những năm 50 đã đi vào lịch sử của Radio như thời kỳ hoàng kim của opera – chính trong những năm này, cổ phiếu opera vàng của quỹ radio đã được ghi nhận. Ngoài những bản nhạc nổi tiếng, nhiều tác phẩm opera bị lãng quên và hiếm khi được trình diễn đã được tái sinh, chẳng hạn như Pan Voyevoda của Rimsky-Korsakov, Voyevoda của Tchaikovsky và Oprichnik. Xét về ý nghĩa nghệ thuật, nhóm thanh nhạc của Radio nếu thua kém Nhà hát Bolshoi thì chỉ một chút. Tên của Zara Dolukhanova, Natalia Rozhdestvenskaya, Deborah Pantofel-Nechetskaya, Nadezhda Kazantseva, Georgy Vinogradov, Vladimir Bunchikov đã ở trên môi của mọi người. Bầu không khí sáng tạo và nhân văn trên Radio của những năm đó thật đặc biệt. Mức độ chuyên nghiệp cao nhất, hương vị hoàn hảo, năng lực tiết mục, hiệu quả và trí thông minh của nhân viên, ý thức cộng đồng bang hội và sự hỗ trợ lẫn nhau tiếp tục làm hài lòng nhiều năm sau đó, khi tất cả những điều này không còn nữa. Các hoạt động trên Đài phát thanh, nơi Orfenov không chỉ là nghệ sĩ độc tấu mà còn là giám đốc nghệ thuật của một nhóm thanh nhạc, hóa ra lại vô cùng hiệu quả. Ngoài nhiều bản thu âm gốc, trong đó Anatoly Ivanovich thể hiện những phẩm chất tốt nhất trong giọng hát của mình, ông đã đưa vào thực tế các buổi biểu diễn hòa nhạc công khai các vở opera của Đài phát thanh trong Hội trường Cột của Nhà Liên hiệp. Thật không may, ngày nay, bộ sưu tập âm nhạc được ghi lại phong phú nhất này đã trở nên lạc lõng và có sức nặng chết người – thời đại tiêu dùng đã đặt ra những ưu tiên âm nhạc hoàn toàn khác lên hàng đầu.

Anatoly Orfenov cũng được biết đến rộng rãi với tư cách là một nghệ sĩ biểu diễn thính phòng. Ông đặc biệt thành công trong giọng hát lời Nga. Các bản thu âm của các năm khác nhau phản ánh phong cách màu nước vốn có của ca sĩ, đồng thời, khả năng truyền tải kịch tính tiềm ẩn của ẩn ý. Tác phẩm của Orfenov thuộc thể loại thính phòng được phân biệt bởi văn hóa và gu thẩm mỹ tinh tế. Bảng màu của các phương tiện biểu cảm của nghệ sĩ rất phong phú – từ tiếng mezza gần như thanh tao và cantilena trong suốt đến đỉnh cao biểu cảm. Trong hồ sơ 1947-1952. Sự độc đáo về phong cách của mỗi nhà soạn nhạc được truyền tải rất chính xác. Sự tinh tế tao nhã trong các mối tình lãng mạn của Glinka cùng tồn tại với sự giản dị chân thành trong các mối tình của Gurilev (Tiếng chuông nổi tiếng, được trình bày trên đĩa này, có thể đóng vai trò là tiêu chuẩn cho việc trình diễn nhạc thính phòng thời tiền Glinka). Tại Dargomyzhsky, Orfenov đặc biệt thích những câu chuyện tình lãng mạn “Tên tôi là gì đối với bạn” và “Tôi chết vì hạnh phúc”, mà ông hiểu là những bức phác họa tâm lý tinh tế. Trong chuyện tình lãng mạn của Rimsky-Korsakov, ca sĩ đã bắt đầu một khởi đầu đầy cảm xúc bằng chiều sâu trí tuệ. Đoạn độc thoại của Rachmaninov “Vào ban đêm trong khu vườn của tôi” nghe có vẻ biểu cảm và kịch tính. Rất đáng quan tâm là các bản ghi âm các mối tình lãng mạn của Taneyev và Tcherepnin, những bản nhạc hiếm khi được nghe trong các buổi hòa nhạc.

Lời bài hát lãng mạn của Taneyev được đặc trưng bởi tâm trạng và màu sắc ấn tượng. Nhà soạn nhạc đã có thể ghi lại trong tiểu cảnh của mình những thay đổi tinh tế về sắc thái trong tâm trạng của người anh hùng trữ tình. Những suy nghĩ và cảm xúc được bổ sung bởi âm thanh của không khí đêm xuân hoặc một cơn gió nhẹ đơn điệu của quả bóng (như trong câu chuyện tình lãng mạn nổi tiếng dựa trên những bài thơ của Y. Polonsky “Mặt nạ”). Suy ngẫm về nghệ thuật thính phòng của Tcherepnin, Viện sĩ Boris Asafiev đã thu hút sự chú ý đến ảnh hưởng của trường phái Rimsky-Korsakov và chủ nghĩa ấn tượng của Pháp (“sức hấp dẫn đối với việc ghi lại những ấn tượng về thiên nhiên, đối với không khí, đối với màu sắc, đối với các sắc thái của ánh sáng và bóng tối”) . Trong những câu chuyện tình lãng mạn dựa trên những bài thơ của Tyutchev, những đặc điểm này được thể hiện rõ nét ở màu sắc hài hòa và kết cấu tinh tế, ở những chi tiết đẹp, đặc biệt là ở phần piano. Các bản ghi âm các mối tình lãng mạn của Nga do Orfenov thực hiện cùng với nghệ sĩ dương cầm David Gaklin là một ví dụ tuyệt vời về việc tạo ra âm nhạc hòa tấu thính phòng.

Năm 1950, Anatoly Orfenov bắt đầu giảng dạy tại Viện Gnessin. Ông là một giáo viên rất quan tâm và hiểu biết. Thầy không bao giờ áp đặt, không bắt chước mà lần nào cũng xuất phát từ cá tính và năng lực của từng học sinh. Mặc dù không ai trong số họ trở thành ca sĩ vĩ đại và không tạo dựng được sự nghiệp thế giới, nhưng có bao nhiêu phó giáo sư Orfenov có thể sửa giọng - ông thường được những người vô vọng hoặc những người không được các giáo viên khác, tham vọng hơn, đưa vào lớp học của họ. . Trong số các học trò của ông không chỉ có giọng nam cao mà còn có cả giọng nam trầm (giọng nam cao Yuri Speransky, từng làm việc tại nhiều nhà hát khác nhau của Liên Xô, hiện là trưởng khoa đào tạo opera tại Học viện Gnessin). Có rất ít giọng nữ, và trong số đó có cô con gái lớn Lyudmila, người sau này trở thành nghệ sĩ độc tấu của Dàn hợp xướng Nhà hát Bolshoi. Uy quyền của Orfenov với tư cách là một giáo viên cuối cùng đã trở thành quốc tế. Hoạt động giảng dạy nước ngoài dài hạn (gần mười năm) của ông bắt đầu ở Trung Quốc và tiếp tục tại các nhạc viện Cairo và Bratislava.

Năm 1963, lần đầu tiên trở lại Nhà hát Bolshoi, nơi Anatoly Ivanovich phụ trách đoàn opera trong 6 năm – đó là những năm La Scala lần đầu tiên đến và Bolshoi lưu diễn ở Milan, khi những ngôi sao tương lai (Obraztsova, Atlantov , Nesterenko, Mazurok, Kasrashvili, Sinyavskaya, Piavko). Theo hồi ức của nhiều nghệ sĩ, không có đoàn nào tuyệt vời như vậy. Orfenov luôn biết cách đảm nhận vị trí “ý nghĩa vàng” giữa ban quản lý và nghệ sĩ độc tấu, hỗ trợ tận tình cho các ca sĩ, đặc biệt là giới trẻ, bằng những lời khuyên bổ ích. Vào đầu những năm 60 và 70, quyền lực trong Nhà hát Bolshoi lại thay đổi, và toàn bộ ban giám đốc, đứng đầu là Chulaki và Anastasiev, đã rời đi. Năm 1980, khi Anatoly Ivanovich trở về từ Tiệp Khắc, ông lập tức được gọi là Bolshoi. Năm 1985, ông nghỉ hưu vì bệnh tật. Mất năm 1987. Ông được chôn cất tại nghĩa trang Vagankovsky.

Chúng tôi có tiếng nói của anh ấy. Có nhật ký, bài báo và sách (trong số đó có “Con đường sáng tạo của Sobinov”, cũng như bộ sưu tập chân dung sáng tạo của các nghệ sĩ độc tấu trẻ của Bolshoi “Tuổi trẻ, hy vọng, thành tựu”). Những ký ức ấm áp về những người đương thời và bạn bè vẫn còn, minh chứng rằng Anatoly Orfenov là một người đàn ông có Chúa trong tâm hồn.

Andrey Khripin