Igor Fyodorovich Stravinsky |

Igor Stravinsky

…Tôi sinh nhầm thời. Theo tính khí và khuynh hướng, giống như Bach, mặc dù ở một quy mô khác, tôi nên sống trong sự mơ hồ và sáng tạo thường xuyên cho sự phục vụ đã được thiết lập và Chúa. Tôi sống sót trong thế giới mà tôi sinh ra… Tôi sống sót… bất chấp sự săn đón của nhà xuất bản, lễ hội âm nhạc, quảng cáo… I. Stravinsky

… Stravinsky là một nhà soạn nhạc Nga thực sự… Tinh thần Nga không thể bị phá hủy trong trái tim của tài năng thực sự vĩ đại, đa diện này, sinh ra từ đất Nga và có mối liên hệ mật thiết với nó… D. Shostakovich

Cuộc đời sáng tạo của I. Stravinsky là một lịch sử sống động của âm nhạc thế kỷ 1959. Nó, giống như trong một tấm gương, phản ánh các quá trình phát triển của nghệ thuật đương đại, tìm kiếm những cách thức mới một cách tò mò. Stravinsky nổi tiếng là một kẻ phá bỏ truyền thống táo bạo. Trong âm nhạc của ông, nhiều phong cách nảy sinh, liên tục giao thoa và đôi khi khó phân loại, nhờ đó nhà soạn nhạc được những người cùng thời đặt cho biệt danh “người đàn ông có ngàn khuôn mặt”. Anh ấy giống như Nhà ảo thuật trong vở ballet “Petrushka” của mình: anh ấy tự do di chuyển các thể loại, hình thức, phong cách trên sân khấu sáng tạo của mình, như thể phục tùng chúng theo luật chơi của riêng anh ấy. Lập luận rằng “âm nhạc chỉ có thể thể hiện chính nó”, Stravinsky vẫn cố gắng sống “con Tempo” (nghĩa là cùng với thời gian). Trong “Đối thoại”, xuất bản năm 63-1945, ông nhớ lại những tiếng ồn ào trên đường phố ở St. Petersburg, lễ hội Maslenitsa trên Cánh đồng Sao Hỏa, mà theo ông, đã giúp ông nhìn thấy Petrushka của mình. Và nhà soạn nhạc đã nói về Bản giao hưởng trong ba chuyển động (XNUMX) như một tác phẩm gắn liền với những ấn tượng cụ thể về chiến tranh, với những ký ức về sự tàn bạo của quân Áo nâu ở Munich, mà chính ông suýt trở thành nạn nhân.

Chủ nghĩa phổ quát của Stravinsky rất ấn tượng. Nó thể hiện ở phạm vi bao phủ các hiện tượng của văn hóa âm nhạc thế giới, ở sự đa dạng của các tìm kiếm sáng tạo, ở cường độ biểu diễn - nghệ sĩ piano và nhạc trưởng - hoạt động kéo dài hơn 40 năm. Quy mô các mối quan hệ cá nhân của anh ấy với những người nổi bật là chưa từng có. N. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, các nghệ sĩ của “Thế giới nghệ thuật”, A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, các nhà soạn nhạc người Pháp thuộc nhóm Six – những là tên của một số trong số họ. Trong suốt cuộc đời của mình, Stravinsky là trung tâm của sự chú ý của công chúng, ở ngã tư của những con đường nghệ thuật quan trọng nhất. Địa lý của cuộc đời anh bao gồm nhiều quốc gia.

Stravinsky đã trải qua thời thơ ấu của mình ở St. Petersburg, nơi mà theo ông, “sống thật thú vị”. Cha mẹ đã không tìm cách cho anh ta nghề nhạc sĩ, nhưng toàn bộ tình huống có lợi cho sự phát triển âm nhạc. Ngôi nhà liên tục phát ra âm nhạc (cha của nhà soạn nhạc F. Stravinsky là một ca sĩ nổi tiếng của Nhà hát Mariinsky), có một thư viện âm nhạc và nghệ thuật lớn. Từ thời thơ ấu, Stravinsky đã say mê âm nhạc Nga. Khi còn là một cậu bé mười tuổi, anh may mắn được gặp P. Tchaikovsky, người mà anh thần tượng, đã cống hiến cho anh nhiều năm sau vở opera Mavra (1922) và vở ballet Nụ hôn của nàng tiên (1928). Stravinsky gọi M. Glinka là “anh hùng của tuổi thơ tôi”. Ông đánh giá cao M. Mussorgsky, coi ông là “người trung thực nhất” và cho rằng trong các tác phẩm của mình có ảnh hưởng của “Boris Godunov”. Mối quan hệ thân thiện nảy sinh với các thành viên của vòng tròn Belyaevsky, đặc biệt là với Rimsky-Korsakov và Glazunov.

Sở thích văn học của Stravinsky hình thành sớm. Sự kiện thực sự đầu tiên đối với ông là cuốn sách của L. Tolstoy “Thời thơ ấu, tuổi thiếu niên, tuổi trẻ”, A. Pushkin và F. Dostoevsky vẫn là thần tượng trong suốt cuộc đời ông.

Các bài học âm nhạc bắt đầu từ năm 9 tuổi. Đó là các bài học piano. Tuy nhiên, Stravinsky bắt đầu nghiên cứu chuyên nghiệp nghiêm túc chỉ sau năm 1902, khi còn là sinh viên khoa luật của Đại học St. Petersburg, ông bắt đầu học với Rimsky-Korsakov. Đồng thời, anh trở nên thân thiết với S. Diaghilev, nghệ sĩ của “Thế giới nghệ thuật”, tham dự “Buổi tối của âm nhạc hiện đại”, các buổi hòa nhạc mới do A. Siloti dàn dựng. Tất cả điều này phục vụ như một động lực cho sự trưởng thành nghệ thuật nhanh chóng. Những thử nghiệm sáng tác đầu tiên của Stravinsky – Piano Sonata (1904), Faun and the Shepherdess vocal và suite giao hưởng (1906), Symphony in E giáng trưởng (1907), Fantastic Scherzo và Fireworks cho dàn nhạc (1908) được đánh dấu bằng ảnh hưởng. của trường phái Rimsky-Korsakov và trường phái Ấn tượng Pháp. Tuy nhiên, kể từ thời điểm các vở ballet Con chim lửa (1910), Petrushka (1911), Nghi thức mùa xuân (1913), do Diaghilev ủy quyền cho các Mùa nước Nga, được dàn dựng ở Paris, đã có một bước đột phá sáng tạo khổng lồ trong thể loại mà Stravinsky trong He sau này đặc biệt yêu thích bởi vì, theo cách nói của ông, ba lê là “hình thức nghệ thuật sân khấu duy nhất đặt nhiệm vụ của cái đẹp chứ không phải là nền tảng”.

Bộ ba vở ba lê mở ra thời kỳ sáng tạo đầu tiên – “Nga” – được đặt tên như vậy không phải theo nơi ở (từ năm 1910, Stravinsky sống ở nước ngoài trong một thời gian dài và năm 1914 định cư ở Thụy Sĩ), mà nhờ vào đặc thù của tư duy âm nhạc xuất hiện lúc bấy giờ mang tính dân tộc sâu sắc. Stravinsky chuyển sang văn hóa dân gian Nga, các lớp khác nhau của chúng được khúc xạ theo một cách rất đặc biệt trong âm nhạc của mỗi vở ba lê. Firebird gây ấn tượng với sự hào phóng rực rỡ của màu sắc dàn nhạc, sự tương phản tươi sáng giữa lời bài hát khiêu vũ tròn thơ mộng và những điệu nhảy bốc lửa. Trong “Petrushka”, được A. Benois gọi là “con la ba lê”, những giai điệu thành phố, phổ biến vào đầu thế kỷ, âm thanh, bức tranh ồn ào náo nhiệt về các lễ hội Shrovetide trở nên sống động, trái ngược với hình dáng cô đơn của người đau khổ Petrushka. Nghi thức hiến tế của người ngoại giáo cổ xưa đã xác định nội dung của "Mùa xuân thiêng liêng", thể hiện sự thúc đẩy nguyên tố cho sự đổi mới của mùa xuân, sức mạnh hủy diệt và sáng tạo hùng mạnh. Nhà soạn nhạc, đi sâu vào kiến ​​\uXNUMXb\uXNUMXbtrúc văn hóa dân gian, đã đổi mới hoàn toàn ngôn ngữ và hình ảnh âm nhạc đến nỗi vở ba lê gây ấn tượng về một quả bom phát nổ đối với những người cùng thời với ông. Nhà soạn nhạc người Ý A. Casella gọi nó là “Ngọn hải đăng khổng lồ của thế kỷ XX”.

Trong những năm này, Stravinsky sáng tác chuyên sâu, thường thực hiện nhiều tác phẩm hoàn toàn khác nhau về tính cách và phong cách cùng một lúc. Ví dụ, đây là những cảnh vũ đạo của Nga The Wedding (1914-23), theo một cách nào đó đã lặp lại The Rite of Spring, và vở opera trữ tình tuyệt vời The Nightingale (1914). Câu chuyện về con cáo, con gà trống, con mèo và con cừu, làm sống lại truyền thống của rạp hát hề (1917), liền kề với câu chuyện về một người lính (1918), nơi giai điệu Nga đã bắt đầu bị vô hiệu hóa, giảm dần vào lĩnh vực kiến ​​tạo và các yếu tố nhạc jazz.

Năm 1920, Stravinsky chuyển đến Pháp và năm 1934, ông nhập quốc tịch Pháp. Đó là một thời kỳ hoạt động sáng tạo và biểu diễn vô cùng phong phú. Đối với thế hệ các nhà soạn nhạc trẻ của Pháp, Stravinsky trở thành người có thẩm quyền cao nhất, “bậc thầy âm nhạc”. Tuy nhiên, thất bại trong việc ứng cử vào Học viện Mỹ thuật Pháp (1936), mối quan hệ kinh doanh ngày càng bền chặt với Hoa Kỳ, nơi ông đã hai lần tổ chức thành công các buổi hòa nhạc, và vào năm 1939, ông đã có một khóa giảng về mỹ học tại Đại học Harvard – tất cả những điều này đã thôi thúc anh ta di chuyển vào đầu Thế chiến thứ hai ở Mỹ. Ông định cư ở Hollywood (California) và năm 1945 nhận quốc tịch Mỹ.

Sự khởi đầu của thời kỳ "Paris" đối với Stravinsky trùng hợp với sự chuyển hướng mạnh mẽ sang chủ nghĩa tân cổ điển, mặc dù nhìn chung, bức tranh tổng thể về tác phẩm của ông khá đa dạng. Bắt đầu với vở ballet Pulcinella (1920) theo nhạc của G. Pergolesi, ông đã tạo ra cả một loạt tác phẩm theo phong cách tân cổ điển: vở ballet Apollo Musagete (1928), Chơi bài (1936), Orpheus (1947); vở opera-oratorio Oedipus Rex (1927); bộ phim tình cảm Persephone (1938); vở opera The Rake's Progress (1951); Octet for Winds (1923), Symphony of Psalms (1930), Concerto cho violin và dàn nhạc (1931) và những bản khác. Chủ nghĩa tân cổ điển của Stravinsky có tính chất phổ quát. Nhà soạn nhạc mô phỏng các phong cách âm nhạc khác nhau của thời đại JB Lully, JS Bach, KV Gluck, nhằm mục đích thiết lập “sự thống trị của trật tự đối với sự hỗn loạn”. Đây là đặc điểm của Stravinsky, người luôn nổi bật bởi nỗ lực đạt được một kỷ luật sáng tạo hợp lý nghiêm ngặt, không cho phép cảm xúc dâng trào. Đúng vậy, và chính quá trình sáng tác nhạc Stravinsky đã thực hiện không phải theo ý thích mà là “hàng ngày, đều đặn, như một người có thời gian chính thức”.

Chính những phẩm chất này đã quyết định tính đặc thù của giai đoạn tiến hóa sáng tạo tiếp theo. Vào những năm 50-60. nhà soạn nhạc lao vào âm nhạc của thời kỳ tiền Bach, chuyển sang các cốt truyện kinh thánh, sùng bái, và từ năm 1953 bắt đầu áp dụng kỹ thuật sáng tác dodecaphonic mang tính xây dựng một cách cứng nhắc. Bài thánh ca vinh danh Tông đồ Mark (1955), vở ba lê Agon (1957), Đài kỷ niệm 400 năm Gesualdo di Venosa dành cho dàn nhạc (1960), cantata-ngụ ngôn Trận lụt theo tinh thần của những bí ẩn nước Anh thế kỷ 1962. (1966), Requiem (“Chants for the Dead”, XNUMX) – đây là những tác phẩm quan trọng nhất thời bấy giờ.

Phong cách của Stravinsky trong chúng ngày càng trở nên khổ hạnh, trung lập về mặt xây dựng, mặc dù bản thân nhà soạn nhạc đã nói về việc giữ gìn nguồn gốc dân tộc trong tác phẩm của mình: “Cả đời tôi nói tiếng Nga, tôi có phong cách Nga. Có thể trong âm nhạc của tôi điều này không thấy ngay được, nhưng nó vốn có trong nó, nó tiềm ẩn trong nó. Một trong những tác phẩm cuối cùng của Stravinsky là một bản kinh điển về chủ đề của bài hát tiếng Nga “Không phải cây thông ở cổng bị lắc lư”, bài hát này đã được sử dụng trước đó trong phần cuối của vở ba lê “Chim lửa”.

Như vậy, hoàn thành cuộc đời và con đường sáng tạo của mình, nhà soạn nhạc đã trở về cội nguồn, với âm nhạc nhân cách hóa quá khứ xa xôi của nước Nga, niềm khao khát luôn hiện hữu đâu đó trong sâu thẳm trái tim, đôi khi đột phá trong những câu nói, và đặc biệt mãnh liệt hơn sau Stravinsky đến thăm Liên Xô vào mùa thu năm 1962. Đó là lúc ông thốt ra những lời quan trọng: “Con người có một nơi sinh, một quê hương – và nơi sinh là yếu tố chính trong cuộc đời anh ta.”

O. Averyanova

• Danh sách các tác phẩm lớn của Stravinsky →