Avet Rubenovich Terterian (Người Terterian Avet) |

Đại lộ Terterian

… Avet Terteryan là một nhà soạn nhạc mà chủ nghĩa giao hưởng là một phương tiện biểu đạt tự nhiên. K. Meyer

Quả thật, có những ngày, những khoảnh khắc mà tâm lý và tình cảm vượt trội hơn rất nhiều năm, trở thành một bước ngoặt nào đó của cuộc đời một con người, quyết định số phận, nghề nghiệp của người đó. Đối với một cậu bé mười hai tuổi, sau này là nhà soạn nhạc nổi tiếng của Liên Xô Avet Terteryan, những ngày lưu trú của Sergei Prokofiev và những người bạn trong ngôi nhà của cha mẹ Avet, ở Baku, vào cuối năm 1941, trở nên thật ngắn ngủi, nhưng thật mãnh liệt. . Prokofiev giữ mình, nói chuyện, bày tỏ ý kiến ​​một cách cởi mở, dứt khoát và bắt đầu mỗi ngày với công việc. Và sau đó anh ấy đang sáng tác vở opera “Chiến tranh và hòa bình”, và vào buổi sáng, những âm thanh tuyệt vời, rực rỡ của âm nhạc ùa về từ phòng khách, nơi có cây đàn piano.

Những người khách rời đi, nhưng vài năm sau, khi câu hỏi nảy sinh về việc chọn một nghề - liệu theo bước chân của cha mình vào một trường y khoa hay chọn một cái gì khác - chàng trai trẻ kiên quyết quyết định - vào một trường âm nhạc. Avet được học sơ cấp về âm nhạc từ một gia đình cực kỳ mê âm nhạc - cha anh, một bác sĩ thanh quản nổi tiếng ở Baku, thỉnh thoảng được mời hát các vai chính trong vở opera bởi P. Tchaikovsky và G. Verdi, mẹ anh. có giọng nữ cao kịch tính xuất sắc, người em trai Herman sau đó trở thành nhạc trưởng.

Nhà soạn nhạc Armenia A. Satyan, tác giả của những bài hát được phổ biến rộng rãi ở Armenia, cũng như người thầy nổi tiếng G. Litinsky, khi ở Baku, đã hết sức khuyên Terteryan nên đến Yerevan và nghiêm túc học sáng tác. Và chẳng bao lâu, Avet vào Nhạc viện Yerevan, trong lớp sáng tác của E. Mirzoyan. Trong thời gian học tập, anh đã viết bản Sonata cho Cello và Piano, được giải thưởng tại cuộc thi của nước cộng hòa và tại cuộc Đánh giá của toàn Liên minh về các nhà soạn nhạc trẻ, những cuộc tình lãng mạn trên lời của các nhà thơ Nga và Armenia, Tứ tấu C, chu trình thanh nhạc-giao hưởng “Motherland” - tác phẩm mang lại thành công thực sự cho ông, được trao Giải toàn đoàn tại Cuộc thi Sáng tác Trẻ năm 1962, và một năm sau, dưới sự chỉ đạo của A. Zhuraitis, nó vang lên trong Hội trường Cột.

Tiếp theo thành công đầu tiên là những thử nghiệm đầu tiên liên quan đến chu trình thanh nhạc-giao hưởng được gọi là “Revolution”. Buổi biểu diễn đầu tiên của tác phẩm cũng là buổi biểu diễn cuối cùng. Tuy nhiên, công việc không hề vô ích. Những câu thơ đáng chú ý của nhà thơ Armenia, ca sĩ của cuộc cách mạng, Yeghishe Charents, đã thu hút trí tưởng tượng của nhà soạn nhạc bằng sức mạnh mạnh mẽ, âm hưởng lịch sử, cường độ công khai. Chính lúc đó, trong giai đoạn thất bại trong sáng tạo, một sự tích tụ lực lượng mãnh liệt đã diễn ra và chủ đề chính của sự sáng tạo đã được hình thành. Sau đó, ở tuổi 35, nhà soạn nhạc biết chắc chắn rằng - nếu bạn không có nó, bạn thậm chí không nên tham gia vào việc sáng tác, và trong tương lai, anh ấy sẽ chứng minh lợi thế của quan điểm này: chủ đề chính của riêng anh ấy… Nó nảy sinh trong sự hợp nhất của các khái niệm - Tổ quốc và Cách mạng, nhận thức biện chứng về những đại lượng này, làm kịch tính bản chất của sự tương tác giữa chúng. Ý tưởng viết một vở opera thấm nhuần những động cơ đạo đức cao đẹp của thơ Charents đã gửi nhà soạn nhạc đi tìm một âm mưu cách mạng sắc bén. Nhà báo V. Shakhnazaryan, bị thu hút bởi công việc viết lách, đã sớm gợi ý - câu chuyện của B. Lavrenev “Bốn mươi đầu tiên”. Phần hành động của vở opera được chuyển đến Armenia, nơi trong cùng những năm, các trận chiến cách mạng đang diễn ra ở vùng núi Zangezur. Các anh hùng là một cô gái nông dân và một trung úy từ các bộ đội tiền khởi nghĩa. Người đọc đã nghe thấy những câu hát đầy đam mê của Charents trong vở opera, trong dàn hợp xướng và trong các phần độc tấu.

Vở kịch đã nhận được sự hưởng ứng rộng rãi, được công nhận là một tác phẩm sáng giá, tài năng, đổi mới. Vài năm sau buổi ra mắt ở Yerevan (1967), nó được biểu diễn trên sân khấu của nhà hát ở Halle (CHDC Đức), và vào năm 1978, nó mở màn cho Liên hoan Quốc tế GF Handel, được tổ chức hàng năm tại quê hương của nhà soạn nhạc.

Sau khi tạo ra vở opera, nhà soạn nhạc viết 6 bản giao hưởng. Khả năng lĩnh hội triết học trong không gian giao hưởng của những hình ảnh giống nhau, cùng chủ đề đặc biệt thu hút anh ta. Sau đó vở ballet “Richard III” dựa trên W. Shakespeare, vở opera “Earthquake” dựa trên câu chuyện của nhà văn Đức G. Kleist “Earthquake in Chile” và một lần nữa các bản giao hưởng - Seventh, Eighth - xuất hiện. Bất cứ ai đã từng ít nhất một lần nghe kỹ bất kỳ bản giao hưởng nào của Terteryaia sau này sẽ dễ dàng nhận ra âm nhạc của ông. Nó mang tính đặc thù, không gian, đòi hỏi sự chú ý tập trung. Ở đây, mỗi âm thanh nổi lên là một hình ảnh, một ý tưởng, và chúng tôi theo dõi với sự chú ý không ngừng chuyển động xa hơn của nó, như số phận của một anh hùng. Hình ảnh âm thanh của các bản giao hưởng đạt đến mức độ biểu cảm gần như sân khấu: mặt nạ âm thanh, diễn viên âm thanh, cũng là một ẩn dụ thơ, và chúng ta làm sáng tỏ ý nghĩa của nó. Các tác phẩm của Terteryan khuyến khích người nghe hướng cái nhìn nội tâm về những giá trị đích thực của cuộc sống, về cội nguồn vĩnh cửu của nó, để nghĩ về sự mong manh của thế giới và vẻ đẹp của nó. Vì vậy, đỉnh cao thơ mộng của các bản giao hưởng và vở opera của Terterian luôn là những cụm từ du dương đơn giản nhất có nguồn gốc dân gian, được trình diễn bằng giọng nói, những gì tự nhiên nhất của các nhạc cụ, hoặc bằng các nhạc cụ dân gian. Đây là cách phát ra âm thanh của phần thứ 2 của Bản giao hưởng thứ hai - một bản ứng tấu baritone đơn âm; một tập từ Bản giao hưởng thứ ba - một tổ hợp của hai con duduks và hai con zurns; giai điệu của kamancha xuyên suốt toàn bộ chu kỳ trong Bản giao hưởng thứ năm; bữa tiệc dapa trong thứ bảy; ở đỉnh thứ sáu sẽ có một dàn hợp xướng, thay vì lời nói bằng những âm thanh của bảng chữ cái Armenia “ayb, ben, gim, dan”, v.v. như một loại biểu tượng của sự giác ngộ và tâm linh. Những biểu tượng đơn giản nhất, có vẻ như, nhưng chúng có một ý nghĩa sâu sắc. Trong đó, tác phẩm của Terteryan vang vọng nghệ thuật của các nghệ sĩ như A. Tarkovsky và S. Parajanov. Những bản giao hưởng của bạn nói về điều gì? người nghe hỏi Terteryan. “Về mọi thứ,” nhà soạn nhạc trả lời, để mọi người hiểu nội dung của họ.

Các bản giao hưởng của Terterian được biểu diễn tại các lễ hội âm nhạc quốc tế uy tín nhất - ở Zagreb, nơi tổ chức đánh giá âm nhạc đương đại vào mùa xuân hàng năm, tại “Mùa thu Warsaw”, ở Tây Berlin. Chúng cũng vang lên ở đất nước chúng tôi - ở Yerevan, Moscow, Leningrad, Tbilisi, Minsk, Tallinn, Novosibirsk, Saratov, Tashkent… Đối với một nhạc trưởng, âm nhạc của Terteryan mở ra cơ hội sử dụng tiềm năng sáng tạo của anh ấy như một nhạc sĩ rất rộng rãi. Người biểu diễn ở đây dường như được bao gồm trong quyền đồng tác giả. Một chi tiết thú vị: các bản giao hưởng, tùy thuộc vào cách giải thích, vào khả năng, như nhà soạn nhạc nói, để “lắng nghe âm thanh”, có thể tồn tại trong những khoảng thời gian khác nhau. Bản giao hưởng thứ tư của anh ấy vang lên cả phút 22 và 30, bản thứ Bảy - và 27 và 38! Sự hợp tác tích cực, sáng tạo như vậy với nhà soạn nhạc bao gồm D. Khanjyan, một phiên dịch viên tuyệt vời của 4 bản giao hưởng đầu tiên của ông. G. Rozhdestvensky, với phần trình diễn xuất sắc của phần thứ tư và thứ năm, A. Lazarev, với phần trình diễn của bản giao hưởng thứ sáu cho âm thanh ấn tượng, được viết cho dàn nhạc thính phòng, dàn hợp xướng thính phòng và 9 bản ghi âm với bản ghi âm của một dàn nhạc giao hưởng lớn, đàn hạc và chuông chuông.

Âm nhạc của Terteryan cũng mời gọi người nghe đồng lõa. Mục tiêu hàng đầu của nó là gắn kết những nỗ lực tinh thần của cả người sáng tác, người biểu diễn và người nghe trong một nhận thức không mệt mỏi và khó khăn của cuộc sống.

M. Rukhkyan